E N D
1. Le Romantisme L'expression musique romantique désigne la période de l'histoire de la musique qui s'échelonne entre le début du XIXe jusqu'au tout début du XXe. La musique, comme la peinture, est influencée par le romantisme qui, à l'origine, est un mouvement littéraire.
La musique romantique vise à susciter l'émotion, à bouleverser. Le piano-forte en remplaçant le clavecin, permet désormais d'exploiter de puissants contrastes de dynamique. De la même façon, l'orchestration devient de plus en plus audacieuse et élaborée, d'autant plus que certains instruments, comme par exemple le cor, sont modifiés par les facteurs d'instruments de manière à devenir plus maniables
2. Les sonorités inventées par les romantiques sont particulièrement colorées et évocatrices, davantage en tout cas que chez des classiques comme Joseph Haydn ou Wolfgang Amadeus Mozart. À la jonction de ces deux courants se situe la puissante personnalité de Ludwig van Beethoven, dont les premières œuvres se rattachent à l'esthétique classique tandis que celles de sa maturité doivent être considérées comme le début du romantisme musical.
3. Tout au long du XIXe siècle, la musique romantique conservera dans ses caractéristiques une certaine continuité, une homogénéité temporelle de style, que les autres formes artistiques du romantisme ne connurent pas. À la base de cette continuité se trouve peut-être une idéologie philosophique : la musique devenait enfin une réelle forme d'art. La musique commençait à prendre une toute autre dimension ; elle n'était désormais plus considérée comme un art mineur, œuvre d'artisans. Par conséquent, ce qui caractérise la musique romantique est surtout l'individualité dans les styles.
4. Formes de la musique romantique Le lied
Le concerto
Le ballet
La symphonie
5. Le Postromantiqueet XXe siècle Les deux plus représentatif :
Gustave Mahler
Richard Strauss
6. Définition Postromantisme fait référence à une gamme de produits culturels et des attitudes nouvelles à la fin du XIXe et du début du XXe siècle, après la période de romantisme .
La musique postromantique fait référence aux compositeurs qui ont voulu utiliser les formes de l’époque classique et baroque tout en gardant les caractéristiques de l’époque romantique. Par exemple, on garde l’héritage précédant mais on allonge les développement. (Traitement mélodique et harmonique d'un motif pour en faire ressortir les différents aspects.Dans une œuvre instrumentale, partie qui suit l'exposition, et dans laquelle le compositeur cherche à épuiser les ressources de "son" ou de "ses" thèmes, en y apportant des transformations d'ordre rythmique, mélodique et harmonique)
7. Gustav Mahler 1860 – 1911
Chef d’orchestre et compositeur très populaire
Né et mort en Autriche
Il a beaucoup souffert dans sa vie et cela paraît dans sa musique
Il se mari en 1902 et a eu 2 filles dont la 1ère est morte très jeune, coup dur pour lui.
Il a fait 9 symphonies, ce sont ses œuvres les plus caractéristiques et importantes
Première symphonie en 1888
L’été, il écrit dans a maison de campagne car sinon il est trop occupé comme chef d’orchestre.
8. Suite Paradoxe : Parfois thèmes très complexes et profond, parfois thèmes presque insignifiant. Il peut être dramatique mais aussi léger.
Il élargit la forme symphonique comme les dimensions de l’orchestre au-delà des limites imaginées, il atteint le plafond des orchestres élargies
Il a dirigé l’opéra de Vienne de 1887 à 1907
Un des plus important
Compositeurs joués : Wagner et Mozart sont les plus important.
9. Écoute Gustav Mahler – Symphonie no. 3
Pense éveil et l’été arrive (1er mouvement)
Composée en 1896, en ré mineur
Reflète beaucoup la beauté mais aussi sa violence
Très grand orchestre
Grande importance des cuivres
Introduction très colossal, très forte, ensuite ça devient très doux et calme.
Musique très dramatique
Sa plus longue symphonie, en 6 mouvements.
10. Suite Orchestration
L'œuvre est écrite pour un orchestre important: 4 flûtes (+ 2 piccolos), 4 hautbois (+ 1 cor anglais), 3 clarinettes en Si bémol (+ 1 clarinette basse et 2 clarinettes en Mi bémol), 4 bassons (+ 1 contrebasson), 8 cors, 1 cor de postillon, 4 trompettes (fa et si bémol), 4 trombones, 1 tuba, 2 ensembles de 3 timbales, 2 glockenspiels, 1 tambourin, 1 tam-tam, 1 triangle, cloches, 1 cymbales suspendue, 1 caisse claire, 1 grosse caisse, 1 baguette ("pour frapper le bois de la grosse caisse"), 2 harpes, les cordes ("effectifs importants", précise Mahler)
Effectifs vocaux:
Une voix d'alto, un chœur de femmes, un chœur d'enfants.
11. Composition
Sa genèse repose sur un programme établi dès le début, exaltant la nature et reprenant les étapes de la Création: Le premier mouvement devait symboliser les forces telluriques, le second la végétation, le troisième les animaux, le quatrième la naissance de l'homme, le cinquième les anges (chœur d'enfants) et le dernier l'amour. Le titre initial devait être « le songe d'une nuit d'été » (sans rapport avec William Shakespeare) puis « le gai savoir » en hommage à Friedrich Nietzsche. Un septième mouvement devait la conclure, mais servit en fait de finale à la quatrième symphonie.
Création et réception
La symphonie fut d'abord jouée par mouvements avec un succès mitigé. La première exécution complète eut lieu le 9 juin 1902 par l'orchestre de Cologne dirigé par Gustav Mahler lui-même avec un plus net succès.
12. http://www.youtube.com/watch?v=ghRUj-dH10Y
13. Écoute Gustav Mahler – Le chant de la terre (cycle) 1907
L’adieu (le dernier)
Lieder accompagné par un orchestre (très gros)
Utilisation des instruments à vents = important
1er motif au hautbois
Très dramatique et tourmenté, écrit après la mort de sa fille
Bcp. de chromatisme
Le système tonal se désagrège
Grande pédale tenue par les cordes.
14. Das Lied von der Erde (Le Chant de la terre) est une « symphonie pour ténor, alto (ou baryton) et grand orchestre »
Il s’agit d’une suite de six lieder interprétés successivement pas les deux chanteurs solistes. Les textes furent revus par Mahler selon son habitude.
La durée de l'ensemble, soixante minutes environ, autorise le terme de symphonie, que Mahler avait par ailleurs employé pour tenter de contourner une supposée malédiction de la neuvième symphonie.
15. La malédiction de la 9e symphonie La malédiction de la neuvième symphonie est la crainte superstitieuse qu'un compositeur, après Beethoven, mourra après avoir composé sa neuvième symphonie, ou une symphonie portant le numéro 9. Les principaux exemples de cette "malédiction", en plus de Beethoven, sont Franz Schubert, Antonín Dvorák, Anton Bruckner et Gustav Mahler. Avant Chostakovitch au XXe siècle, aucun grand symphoniste ne composera plus de neuf symphonies.
16. Suite Le plus célèbre exemple de superstition de ce type se trouve chez Gustav Mahler, qui après avoir composé sa Symphonie n° 8 en mi bémol majeur (1906–1907), craignit de s'attaquer à une Neuvième, et composa Das Lied von der Erde (Le Chant de la terre, 1908–1909), qualifiée en sous-titre de « symphonie pour contralto, ténor et grand orchestre ». Ayant achevé sa neuvième symphonie sans que celle-ci ne fût comptabilisée ainsi, il composa sa Symphonie n° 9 en ré majeur (1909–1910), en fait sa dixième, considérant avoir trompé le sort. Cette symphonie fut cependant la dernière qu'il put achever, puisqu'il mourut pendant la composition de la Symphonie n° 10 en fa dièse majeur (1909–1910).
17. http://www.youtube.com/watch?v=mrlFN9rg5aE
18. Gustav Holst 1874 – 1934
Compositeur anglais
Il a écrit 3 opéras qui n’ont jamais été présentés
Joue du piano, de l’orgue et du trombone
Santé très fragile, il manque parfois ses cours de musique.
Œuvre la plus connue : The Planets
C’est une œuvre pour grand orchestre. C'est en partie à cette pièce que Holst doit sa célébrité. Il a ainsi étudié sept planètes et leur a donné à chacune une couleur propre.
19. Écoute Gustav Holst – The Planets – Mars
Le mouvement le plus agressif des planètes
En 5/4
Il y a un motif important et caractéristique que l’on entend toujours (ostinato)
(triolet, noire, noire, deux-croches, noire)
Les cuivres ont une grande importance
20. Suite - Mars Mars, celui qui apporte la guerre
Le premier mouvement commence avec un rythme ostinato des timbales et des violons frappant les cordes avec le bois de l'archet. La première mélodie (sol-ré-do#) est introduite par les bassons et les cors. Après un crescendo et un accelerando de tout l'orchestre, le deuxième thème (voir ci-haut) est introduit aux trombones puis aux cors. L'intensité de la pièce augmente au fur et à mesure. Après un retour en force du premier motif, la pièce s'achève sur un accord grave quadruple forte. Ce premier mouvement est très chaotique et inhumain, telle une marche guerrière céleste, les dissonances, la violence rythmique, renvoient très nettement à la guerre (Mars étant le dieu romain de la guerre).
21. http://www.youtube.com/watch?v=L0bcRCCg01I&feature=related
22. Lien intéressant King Crimson – The Devil’s Triangle
Ressemble à Holst par le fait qu’il utilise aussi un rythme mystérieux en ostinato qui est toujours présent dans la pièce. Cela devient comme hypnotique.
Utilise Mars comme influence dans sa pièce
Même préoccupation que Holst, il veut sortir des normes, de ce qui est connu.
C’est du rock progressif
Instrumentation restreinte.
http://www.youtube.com/watch?v=JoZUpjk5dew
23. Richard Strauss 1864 – 1949
Dernier représentant des défenseurs du post-romantique
Fils de musiciens, il compose sa 1ère œuvre à 6 ans
À l’âge de 16 ans, il découvre Wagner, qui a une grande influence sur lui.
Au début on le qualifiait d’avant-gardiste, à la fin de vieux-jeu
Autre chef d’œuvre = Till Eulenspiegel (Till l’espiègle)
(Opus 28)
Son 1er chef d’œuvre = Don Juan en 1888
C’est un poème symphonique (opus 20)
24. Écoute Also sprach Zarathustra - Strauss
(Ainsi parlait Zarathustra)
- Homme qui dépasse sa condition humaine (surhumain)
- Genre du compte philosophique
- Sa pièce la plus connue
- La pièce commence par un grand « big-bang », cuivres et timbales qui donnent un air dramatique
- Rythmes harmonique allongé 7 ou 8 accords
- Il y a une pédale au début comme Mahler
- Écriture très tonale
25. http://www.youtube.com/watch?v=NkhM3Q9Pf-4&feature=related
26. Écoutes complémentaires Richard Strauss – Don Juan
Chronologiquement, l'œuvre est l'une des premières pièces symphoniques du musicien, inaugurant une série de pièces symphoniques à programme (dont Mort et transfiguration et Ainsi parlait Zarathoustra), qu'il compose bien avant ses opéras majeurs
http://www.youtube.com/watch?v=ui7BBYnaT0Q
27. Richard Strauss – Till Eulenspiegel
Cette musique reprend le thème du héros allemand, ce dernier étant représenté par le cor d'harmonie et la clarinette en mi bémol. La sonorité nasillarde de cette clarinette convient parfaitement à la personnalité de Till. La structure de la pièce reprend celle d'un rondo.
L'œuvre est d'un seul tenant et son exécution dure environ quinze minutes. La partition comprend une série d'annotations de la main du compositeur pour décrire chaque motif
http://www.youtube.com/watch?v=VComW3RJqg8
28. Tchaïkovski 1840 -1893
Né dans le creux de la montagne en Russie, personne dans sa famille ne faisait de la musique
Dès l’âge de 5 ans, il se « plait » que la musique résonne en lui jusqu’à l’obsession
À 14 ans, sa mère meurt du choléra, très grand drame pour lui.
En 1850 (18 ans), il entend le pianiste Anton Rubinstein qui fonde, en 1862, le conservatoire de St-Petersburg (capitale)
En 1868, il y a un certain contact entre Tchaïkovski et le groupe des cinq
29. Suite En 1877, il se marie pour faire taire les ragots car il est homosexuel
Il va faire une grosse dépression et va essayer de se suicider. Il va se retirer à la campagne pour se remettre
En 1878, il compose sa 4e symphonie
Il a fait: 6 symphonies, 8 opéras, 3 concertos pour piano et 1 pour violon
Il a fait 3 ballets: Le lac des cygnes, la belle au bois dormant et casse-noisette
Tchaïkovski hérita et adapta à la sensibilité russe les concepts essentiels de l’écriture Allemande romantique. (style parfois très dur et complexe, parfois très facile)
30. Écoute Début de la 4e symphonie - Tchaïkovski
1877, en fa mineur op.36
Écrite pour Mme Von Meck (ils ont correspondu sans jamais se voir)
Grande importance des cuivres
Entre le romantisme et le postromantisme
Cherche à développer l’orchestration
Andante sostenuto - Moderato con anima
L’exécution de la symphonie au complet dur environ 42 minutes
31. Suite L'œuvre
Les superbes sonneries de cuivres qui ouvrent la symphonie représentent le fatum (« Une force du destin qui nous interdit de goûter le bonheur) À chaque fois que l'homme croit pouvoir se détacher de son destin pour aller vers quelque chose de meilleur, le thème du fatum réapparait tel un retour brutal à la triste réalité. Ces sonneries de cuivres seront le thème récurrent de la symphonie.
32. http://www.youtube.com/watch?v=6ddfmMITX_E&feature=related
33. Écoute Danse de la fée dragée – Tchaïkovski
Extrait de casse-noisette (ballet)
Pas de deux
Casse-noisette = 2 actes, 3 tableaux et 15 scènes
Instruments: célesta = clavier, pédale de résonnance, pas de cordes, ces ont des plaques de métal ce qui donne un son cristallin, féérique
Orchestration intéressante:
bois = clarinettes et hautbois.
34. http://www.youtube.com/watch?v=p-QRFrzCgqI
35. Sergueï Prokofiev Russe
1891 – 1953
Compositeur, pianiste et chef d’orchestre
Il écrit son 1er opéra à 9 ans, « le géant »
Élève du conservatoire de St-Petersburg et de Rimsky Korsakov (le vol du bourdon)
Antiromantique et anti-impressionniste
Il a surpris et choqué par des sonorités métallique et une forte pulsation rythmique, son ton burlesque et parfois grimaçant
Utilisation de plusieurs modes
36. Suite La puissance et la fougue de son jeu suscite l’étonnement de ses pairs
En 1918, il quitte la Russie pour les U.S.A. et en suite réside à Paris
Il a fait le tour du monde avec ses tournées
Retourne en URSS en 1936, écrit dans un style assagi car il ne veut pas choquer
37. Écoute Pierre et le loup – Prokofiev
1936
Retour à la simplicité
Conte musical pour enfant
Écrit pour présenter et familiariser les instruments de l’orchestre aux enfants
Chaque personnage a un instrument et un thème
Naïve mais raffinée et suggestive, la partition de l'artiste rencontre un succès qui ne s'est pas démenti depuis sa parution, chez les plus petits mais également chez les adultes.
38. Suite Tandis que le récitant parle, l'orchestre ponctue le récit d'intermèdes musicaux
Pierre : le quatuor à cordes
l'oiseau : la flûte traversière
le canard : le hautbois
le chat : la clarinette
le loup : les cors
le grand-père : le basson
les chasseurs : bois et cuivres, par exemple la trompette (les coups de feu sont illustrés par des coups de timbales et de grosse caisse)
39. Suite Orchestration
L'œuvre est écrite pour un petit orchestre symphonique, presque un orchestre de chambre, tous les vents étant uniques sauf les trois cors. Prokofiev a su utiliser le caractère spécifique de chaque instrument pour décrire le tempérament et les particularités des personnages :
l'agilité — virtuosité de l'oiseau — flûte traversière et sa sonorité cristalline,
le pataud — bucolique du canard — hautbois et son caractère pastoral,
40. Suite la félinité — légèreté du chat — clarinette et son espièglerie naturelle,
le bougonnement — caustique du grand-père — basson et sa voix profonde,
le lugubre — envoûtant du loup — trois cors et ses accords si sombres,
le clinquant — réjouissance des chasseurs — cuivres/percussions et leur marche triomphale,
le spontané — simplicité de Pierre — orchestre à cordes et sa candeur naïve.
41. Le chant de l’oiseau
http://www.youtube.com/watch?v=-O7wX0lXuSE&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=sXk3qHg25MA&feature=related
42. Alexandre Scriabin 1872 – 1915
1882: Conservatoire de Moscou (1er prix de piano)
1897: Épouse une pianiste
1898 à 1903: Prof. Au conservatoire de Moscou
1911: Se fixe en Russie, arrête les grandes tournées
1915: Se fait piquer par une mouche, infecté, il meurt
S’étant libéré de l’univers tonal. Il cherche a restructurer l’échelle chromatique tempérée
Très influencé par Chopin
43. Écoute Étude – opus 2 #1
Triste, profond malaise, inspiré de Chopin (glissement chromatique dans l’harmonie) avec des couleurs plus russe
Chromatisme
Trilles (pas toujours résolues, auto-suffisant, densité)
http://www.youtube.com/watch?v=NSsKJIzwapA
44. Gabriel Fauré 1845 – 1924
Compositeur français
Il est un très grand mélodique
À 8 ans, il part étudier à Paris
Pianiste et organiste
1877: Il voyage en Allemagne où il rencontre Liszt et qu’il découvre la musique de Wagner (pas une grande influence)
1877: recueil de mélodies
1905: directeur du conservatoire de Paris
45. Suite Il prône l’étude des grands classique et la discipline (c’est sa philosophie)
Il a fait un opéra en 1913 « Pénélope »
Il n’a jamais fait d’œuvre orchestrale
Il a fait beaucoup de mélodies
Mélodie ? lieder
Ce n’est pas conçu sur des musiques populaires, ou de folklore
46. Suite Plusieurs styles dans sa musique:
1er: 1884 = plus facile
2ème: 1885 à 1908 = Sa maturité, mélange de lyrisme et de réserve
3ème: 1909 à 1924 = Original et personnel car il souffre de surdité.
47. Écoute Gabriel Fauré – Au bord de l’eau
C’est une mélodie française
Ligne mélodique en évidence, l’accompagnement est très discret, ce qui est une caractéristique de Fauré
http://www.youtube.com/watch?v=P2rD8prRaHs&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=N-_4AgDnPuI&feature=related
48. Claude Debussy 1862 – 1918
Le compositeur français qui va avoir le plus d’impact sur l’évolution de l’esthétique musicale
1889: Exposition universelle de Paris. Debussy découvre la musique orientale, basée sur la gamme pentatonique. C’est modal et ça va profondément modifier sa musique. Son langage devient modal et est basé sur le parallélisme. Beaucoup de pentatonique, quelques fois gamme par ton, il fait des 4tes superposées, des accords de 9ème consécutives
49. Suite 1873: il entre au conservatoire de Paris (11 ans)
1884: fait une cantate « L’enfant prodigue » qui lui a valu le prix de Rome (il y va et s’ennui bcp.)
1894: travaille sur son grand chef d’œuvre
Prélude à l’après-midi d’un faune
C’est à ce moment qu’il entre dans sa période de maturité.
1896: fait un opéra « Pelléas et Mélisandre »
1910: Prélude 1
1913: Prélude 2
50. Écoute Claude Debussy – La cathédrale engloutie
1875
Au début, des triades (succession d’accords) pas en ordre logique.
Il utilise la fonction d’accords mais en parallélisme
Musique tonale
Déconstruction de l’art
Vient d’un des livres de préludes de Debussy, le premier
Pièce profondément calme
http://www.youtube.com/watch?v=rfSBddhFvyA
51. Écoute Debussy – Prélude à l’après-midi d’un faune
1892 – 1894
Œuvre symphonique inspirée du poème de Stéphane Mallarmé
La formation comporte trois flûtes, deux hautbois, deux clarinettes, deux bassons, quatre cors, un cor anglais, deux harpes, deux crotales (cymbales antiques) et un quintette, soit deux violons, un alto, un violoncelle et une contrebasse.
Musique impressionniste
52. Suite Debussy écrit dans sa note explicative : « La musique de ce Prélude est une illustration très libre du beau poème de Mallarmé ; elle ne prétend pas en être une synthèse. Il s'agit plutôt de fonds successifs sur lesquels se meuvent les désirs et les rêves du faune dans la chaleur de cet après-midi. »
http://www.youtube.com/watch?v=9_7loz-HWUM
53. Maurice Ravel 1875 – 1937
Conservatoire de Paris, étudie avec Fauré
Proche de Debussy (personnellement aussi)
Utilise l’orchestre (très français), brillant, doux, très mélancolique (moins dramatique que postromantique)
1905: Se démarque:
sonatine pour piano
Miroir (oiseaux tristes), modal avec grosses dissonances
Jeux d’eaux (pièce de virtuosité)
54. Suite Boléro: étude orchestrale (forme crescendo)
Très fasciné par la musique espagnole (Carmen de Bizet), par ses rythmes et ses modes (phrygien = flamenco)
Après la première guerre mondiale, style plus linéaire pour rivaliser avec le groupe des 6 (sonate pour violon et violoncelle)
55. Écoute Maurice Ravel – Gaspard de la nuit 2ème mvt.
1er et 3e mouvements sont rapide
Œuvre de virtuosité
2e mouvement (le gibet) plus atmosphérique, lugubre et lent
Sib pédale, jeu de modulation, le sib change de fonction
Pièce de couleur sonore
Il a des dissonances
Cela à l’air facile mais c’est pas jouable, croisement de mains.
http://www.youtube.com/watch?v=3PQ-H1PjrWQ
56. Écoute Maurice Ravel – Pavane pour une infante défunte
Pièce de sa jeunesse
Parallélisme des 5tes, des accords, une certaine parenté d’esprit avec Debussy
La mélodie est très évidente
Ça a un côté réservé, une certaine intimité
C’est très homophonique, modal, une harmonie qui est riche (modale et consonante)
http://www.youtube.com/watch?v=dcm9X5kuehc
57. Écoute Ravel – Boléro – version de Frank Zappa
Il y a un marimba
Reggae à 3 temps
Rythme très marqué, pulsation stable, continue
Basé sur une musique de danse
Ils ont gardé le « gâteau » et changé le « glaçage »
Pièce hybride, postmodernisme
http://www.youtube.com/watch?v=4wJ15EI8Hcg
58. Erik Satie 1866 – 1925
Compositeur et pianiste français
Très autodidacte, écriture simple, grand humour, près du mouvement dadaïste
(refuse le concept sérieux et pas sérieux)
Très linéaire, mélodie en évidence
Ce qui est nouveau, ce n’est pas les accords mais la façon de les enchaîner (Gymnopédie)
Il a perdu sa mère à 7 ans
Fait son service militaire au lieu d’aller au conservatoire
59. Suite Mystique, très ironique, pudique, anticonformiste, presque provocateur
1902: 1er style: sonorité étrange, pas dissonant, accords de 7ème majeure. C’est plus des mélodies que des thèmes. (mélodie = un tout, thème = motif)
Charme mystérieux, modal, disposition et altérations inattendues.
1903 à 1906: retourne à l’école
1903 à 1914: 2ème style
60. Suite 1917: 3ème style: pièce « Parade » (pièce orchestrale pour ballet), texte de Jean Cocteau, décors de Picasso (crée en 1925) et chorégraphie de Diaghilev.
Son argument évoque une parade comme on en voyait jadis au théâtre de la foire. L'univers poétique opposé à la brutalité du monde moderne constitue un parti pris de légèreté en pleine Première Guerre mondiale.
http://www.youtube.com/watch?v=lJzo___rHAY
http://www.youtube.com/watch?v=3t4mwuys6mo
61. Écoute Erik Satie – Première Gymnopédie
Musique très linéaire, ligne mélodique très en évidence
C’est très simple
Une cadence très modale au milieu de la pièce
Accords conventionnels mais joués de façon nouvelle
Caractéristique de sa première période
Il a une tristesse mais aussi une certaine ironie dans la façon de plaquer les accords.
http://www.youtube.com/watch?v=S-Xm7s9eGxU&feature=related
62. Igor Stravinsky 1882 – 1971
Son père était musicien
Fini des études en droit
Se fait présenter à Rimsky Korsakov et étudie avec lui pendant 4 ans
Diaghilev lui commande un ballet (L’oiseau de feu) en 1910, basé sur une légende russe
1911: Petrouchka
63. Suite 1913: Le sacre du printemps :
Utilisation de l’écriture polymodale et une emphase sur le rythme. Utilise des sonorités graves. Débute par un solo de basson dans le suraigüe, fait pour sonner dur, primitif.
L’utilisation du rythme, solution au nouveau langage. Faire l’équilibre entre unité/diversité.
(prévision réussie = surprise)
Rythme = paramètre unificateur
Première fois depuis le XIVe siècle avec l’isorythmie de Machaut
64. Suite Stravinsky faisait la navette entre Paris et Russie
1917: Révolution Russe
1920: Il s’installe en France
Il divise son temps entre piano/chef/compos
Années 30: Il s’installe aux USA
1945: Concerto « Ebony », écrit pour l’orchestre jazz de Woody Herman
Années 50: Dodécaphonisme, sérialisme
1957: Ballet « Agon »
Comme Picasso, il semble vouloir se renier en allant voir ailleur.
65. Écoute King Crimson – Lark’s tongue in Aspic
Part 2
1974
Rock progressif
Adopte le principe rythme du 1er extrait du sacre (3:20) = notes répétées avec accents irréguliers
5/4 et 4/4 mélangé dans une proportion asymétrique.
66. Le sacre du printemps (3:20)
http://www.youtube.com/watch?v=UZL4PsV0eh0
Lark’s Tongue in Aspic Part 2
http://www.youtube.com/watch?v=HhjeCex2Z8Y
67. Écoute Frank Zappa – Drowning Witch
Le rythme des paroles suit celui du Sacre du printemps, les accents sont semblables
http://www.youtube.com/watch?v=m6acgEOhHLs
68. Arnold Schoenberg Né à Vienne, mort à Hollywood
Autodidacte (très curieux)
1er style: postromantique, tonalité élargie, chromatisme, 7e, rythme harmonique lent
Fonction tonique importante, évité la fonction de dominante
Œuvres importantes:
Sextuor op.4 « La nuit transfigurée »
69. Suite 1910 – 1915: 2e style
Musique dodécaphonique, non-sérielle
Atonalité anarchique
Œuvres importantes: Pierrot lunaire (dodéca)
Sprechgesang: chant parlé
5 pièces pour orchestre
1915 – 1923 = transition
Commence à se libérer des fonctions harmoniques tonales, il remplace par des intervalles
Fait un traité d’harmonie (1910-1911), il est très préoccupé par l’enseignement. Il n’écrit rien, période de gestion de la musique sérielle
70. Suite 1923: 3e style
Apparition du sérialisme (5 pièces pour piano op.23)
Op.25 = complètement sérielle (1ère pièce sérielle)
Il réutilise la forme de la suite baroque (marche, gavotte, etc.)
Suite op.29 pour 7 instruments : Forme classique de Vienne
71. Écoute Schönberg – Pièce pour piano op.25
Première pièce sérielle
Période 3 (style 3)
http://www.youtube.com/watch?v=AGLTeRQ-Nf0&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=9I8TcVx7mzY&feature=related
72. Écoute Dodécaphonisme
http://www.youtube.com/watch?v=cG1SZroFfFY&feature=related
74. Écoute Schoenberg – La nuit transfigurée
Période 1 (style 1)
Sextuor à cordes op. 24
http://www.youtube.com/watch?v=cdTNhN4R4sc&feature=related
75. Écoute Schoenberg – pierrot lunaire
Période 2 (style 2)
Dodécaphonisme, pas sérielle
http://www.youtube.com/watch?v=utm1HH16uwM&feature=related
76. Anton Webern 1883 – 1945
Il s’est fait tiré car il est sorti après le couvre feu
Il fait du sérialisme dans des formes classique
Ses pièces sont minuscules, son intégrale est environ 45 minutes
Il fait des très petites formes, la déconstruction, le silence (p à ppp)
Il est intellectuel
Il écrit pendant les 8 ans que Schoenberg n’écrit pas
77. Écoute Anton Webern Fünf Sätze 1
http://www.youtube.com/watch?v=WKZt6nPrKJQ
Webern_5 pieces op. 10 n. 4
http://www.youtube.com/watch?v=gSDqz1eSXMM&feature=related
Webern: Piece for orchestra
http://www.youtube.com/watch?v=UNOtxZ7JFs4&feature=related
78. Alban Berg 1885 – 1935
Compositeur autrichien
Mort de la leucémie
C’est un expressionniste, intuitif
Ces 2 pièces les plus connues sont sa première et sa dernière.
1ère : Suite pour piano no.1
Dernière : Le concerto dit à la mémoire des anges = sérialisme quasi-tonal
Il a fait un opéra Wozzec. Ça fait un scandale. Il y a da l’atonalité et des dissonances
79. Écoute Glenn Gould Plays Berg Piano Sonata Opus 1 - PART 1
http://www.youtube.com/watch?v=rfT92RrgjSk
80. Écoute Berg Violin concerto "To the Memory of an Angel" Part 1
http://www.youtube.com/watch?v=UrfoyyreUbE&feature=related
81. L'œuvre Le concerto comporte deux parties traditionnellement expliquées autour de deux mouvements:
1) un Andante - Allegretto qui symboliserait la vie (l'enfance de Manon,sa grâce et sa joie de vivre),
2) un Allegro - Adagio)qui symboliserait la mort (l'irruption brutale du mal,sa progression et la délivrance finale).
82. Suite Berg emploie la série avec beaucoup moins de rigueur de Schoenberg et Webern, et s'en sert même à des fins d'unifier son œuvre, et même d'y insérer des éléments de symbolique, conférant à ce concerto sa dimension mystique.
Ainsi, le premier mouvement commence par des arpèges de cordes à vide (5tes justes) au violon solo, complétés par les arpèges des deux clarinettes et de la harpe. Avec chacun quatre notes, chaque pupitre expose douze notes, qui s'avèrent être annonciatrices de la série que le violon solo énonce dans l'exposition.
83. Suite Cette série repose sur une grande courbe mélodique ascendante de presque deux octaves; cette ascension, figurant celle de l'ange vers le ciel, se fait par tierces (sol sib ré fa# la do mi sol# si), générant successivement les accords de sol m, Ré M, la m et Mi M; on retrouve les notes de cordes à vide de l'introduction. Ce procédé donne une grande unité à l'œuvre. Par ailleurs, la fin de la série, en gamme par tons (si do# mib fa) préfigure la citation par Berg d'un choral de Bach comprenant également un extrait de gamme par tons ("Es ist genug; so nimm, Herr, meinen Geist").
Des procédés similaires se retrouvent dans tout le concerto, témoignages de la foi, du lyrisme et de la sensibilité de Berg.
84. klangfarbenmelodie Littéralement de l'allemand, le terme klangfarbenmelodie signifie "jeu de mélodie et de timbre".
85. Charles Ives Américain
1874 – 1954
Il était agent d’assurance, il ne vivait pas de ses compositions
Arrête de composer en 1919
Sa musique est originale, à la fois par l’utilisation de techniques musicales avant-gardistes et par les emprunts à la musique populaire
Polytonalité = son père le faisait chanter dans une tonalité pendant qu’il l’accompagnait dans une autre tonalité. Il compose avec se procédé.
86. Écoute Variations on 'America' .... Charles Ives
1891
http://www.youtube.com/watch?v=q87V_2uFMfM
87. Écoute Charles Ives : Orchestral Set N° 2 - III.
C’est un énorme crescendo suivi d’un autre moment calme et doux
Richesse au niveau des harmonies, des masses sonores, des timbres
Inspiré des bruits d’une gare avec des gens qui chantent une hymne à la mémoire des morts
http://www.youtube.com/watch?v=gyAJaVckqs8
88. Béla Bartok 1881 – 1945
Plus grand compositeur hongrois avec Liszt
Grand représentant du retour au folklore
Volonté de retrouver quelque chose de nationaliste
Compositeur et chef d’orchestre
Étudie à Budapest (académie Royale)
Très bon pianiste
1905, il découvre la musique de Debussy et c’est une révélation pour lui
89. Suite 1919 : compose le « Mandarin merveilleux »
Ballet-pantomime en 1 acte
1918 – 1919
- 1920 : il découvre Schoenberg et sa musique l’influence
De 1934 à 1939 : Ses œuvres de maturité
1935 = 5e quatuor à cordes
1936 = musique pour cordes, célesta et percussions
1937 = Sonate 2 pianos, percussions
90. Écoute Béla Bartók: String Quartet No. 4:4. Allegretto pizzicato
Pizzicato de Bartok
Début des années ‘30
http://www.youtube.com/watch?v=ejC2eI850gg
91. Edgar Varèse 1885 – 1965
Il étudie à Paris avec Vincent D’Indy avec des compositeurs traditionnalistes
1904 : Il rencontre Strauss, qui est une influence
Aussi influencé par Debussy
1916 : immigré aux U.S.A.
Caractéristiques de son langage :
Préoccupé par le rythme
À la recherche de nouveaux sons, masse sonore
Instruments à son intéterminés
92. Écoute Varèse – Ionisation
35 instruments de percussions joués par 13 personnes
Il y a un motif qui est repris souvent et transformé
Il est joué ; caisse claire, bongos, blocs chinois, enclume, maracas, et grosse caisse (indéterminés)
Instruments utilisés pour leur texture et leur densité sonore ; les sirènes, les carillons, célesta, triangle, grelots et un piano (une brique sur la pédale de résonnance et les autres inst. Le font résonner)
1ère pièce où la hauteur des sons n’a pas d’importance
1ère pièce pour des percussions uniquement
93. Varèse - Ionisation - Boulez, Ensemble InterContemporain
http://www.youtube.com/watch?v=TStutMsLX2s
94. 1945 et plusépoque Contemporaine
95. Pierre Schaeffer 1910 - 1995
Ingénieur, chercheur, théoricien et compositeur français
Père de la musique concrète et électroacoustique
L'essentiel de ses travaux consiste en une réflexion sur la nature et la richesse de l'élément sonore, sa substance et sa matérialité, qu'il analyse en utilisant le terme d'objet sonore
96. Suite 1948 :début des expérimentations au moyen du son ou de séquences enregistrés sur disques. « Études aux chemins de fer »
http://www.youtube.com/watch?v=N9pOq8u6-bA&feature=related
97. John Cage 1912 – 1992
Compositeur, poète et plasticien américain
Élève de Schoenberg
Il s’est illustré comme compositeur de musique contemporaine expérimentale et philosophe
Il composa de nombreuses pièces pour piano préparé dont les Sonates et interludes, où le pianiste doit insérer de manière précise entre certaines cordes du piano des objets divers comme des boulons ou des gommes servant à en transformer le son.
98. Suite L'une des œuvres les plus célèbres de John Cage est probablement 4'33?, un morceau où un(e) interprète ne joue pas pendant quatre minutes et trente-trois secondes. Composée en trois mouvements devant cependant être indiqués en cours de jeu, l'œuvre a été crée par le pianiste David Tudor. L'objectif de cette pièce est de permettre l'écoute des bruits environnants dans une situation de concert.
Cette expérimentation découle de l'importance qu'accordait John Cage à la pensée de Henry David Thoreau. Ce dernier relate dans son « Journal » qu'il est plus intéressant d'écouter les sons de la nature, le son des animaux et le glissement furtif des objets animés par les éléments naturels par le vent que la musique préméditée par l'intention d'un compositeur.
99. Suite 4'33? découle aussi de l'expérience que Cage réalise dans une chambre anéchoïque dans laquelle il s'aperçut que "le silence n'existait pas car deux sons persistent" : les battements de son cœur et le son aigu de son système nerveux."
Yoko Ono dit: John Cage « considérait que le silence devenait une véritable musique ». À partir de cette période, toutes les compositions de Cage seront conçues comme des musiques destinés à accueillir n'importe quel son qui arrive de manière imprévue dans la composition.
100. Écoute John Cage Sonata V – pour piano préparé
http://www.youtube.com/watch?v=VYsx5Di3bso&feature=related
101. Écoute John Cage: 4'33'' for piano (1952)
http://www.youtube.com/watch?v=gN2zcLBr_VM&feature=related
102. Conlon Nancarrow 1912 – 1997
Compositeur américain
l'exploration méthodique de phénomènes rythmiques très complexes
Œuvres pour piano mécanique (le seul instrument dans ses années à pouvoir exécuter ses pièces)
Au début, très influencé par le jazz, ensuite s’oriente vers un langage plus expérimental
103. Écoute Conlon Nancarrow, Study for Player Piano No. 3a
Une des premières Études pour piano mécanique de Nancarrow. Montre clairement l'influence du jazz sur ses premières œuvres.
http://www.youtube.com/watch?v=pp2dWEYRzKY
104. Écoute Conlon Nancarrow, Study for Player Piano No. 40
Une de ses dernières Études. Œuvre de maturité, elle montre au contraire un langage complexe et expérimental.
http://www.youtube.com/watch?v=BXFiq19-KSE&feature=related
105. Karlheinz Stockhausen 1928 – 2207
Allemagne
Son travail se construit autour de la musique électroacoustique, la spatialisation du son et dans ses dernières années, de longs cycle de création qui aboutissent à des œuvres monumentales.
1954 à 1960 : 1ère œuvres majeures et popularité au tour du monde.
Musique aléatoire, c’est le temps des Klavierstücke
106. Écoute Stockhausen - Klavierstucken I, II, III and IV
http://www.youtube.com/watch?v=MVPlE6yHcoE