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LOS 40 Principales

LOS 40 Principales. Yolanda Pérez Romero Turno 5. 20.Pintores.

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LOS 40 Principales

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Presentation Transcript


  1. LOS 40 Principales Yolanda Pérez Romero Turno 5.

  2. 20.Pintores

  3. 1.EDGAR DEGAS (1834-1917).No siendo totalmente impresionista, las obras de Degas comparten ideales con los de dicho movimiento artístico. Sus pinturas representando a jóvenes bailarinas se cuentan entre los iconos de la pintura del XIX. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel. Es sobre todo su aportación técnica, así como la nueva interpretación que hace de las formas y en especial su tratamiento de la mujer, lo que más aporta Degas Degas no sale al exterior, a la naturaleza, a encontrarse con la luz o el color, sino que por el contrario lo experimenta en interior

  4. Evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. 2.EL GRECO (1541-1614) . Uno de los más originales y fascinantes pintores de su época, con una técnica personalísima que sería admirada, tres siglo después, por los pintores impresionistas. Paisaje acentuando los desniveles con edificios tétricos en una atmósfera alucinada. Se ha comparado con la tempestad de la Giorgione. Pone de manifiesto su tremenda espiritualidad y religiosidad en sintonía con su clientela toledana. Doménikos escoge una visión cercana al espectador, sitúa a las figuras en el mismo plano de la tela y suprime casi todo el espacio a su alrededor. Sólo contemplamos el pie de la cruz y un ligero cielo nublado, creando cierta angustia espacial. El Cristo muerto es el protagonista de la composición; su cuerpo, escorzado y con ciertas deformaciones anatómicas.

  5. 3.Paul Cézanne(19 de enero de 1839-22 de octubre 1906, pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores», que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación (los nabis o la escuela de Pont-Aven). El tratamiento de los dos personajes es antagónico : el de la izquierda es más veterano y parece más seguro de sí mismo , mientras que su rival es más joven y corpulento . Los naipes del primero destacan por su blancura y las del segundo resultan más oscuras.  Hizo suyo un género que hasta entonces había estado desprestigiado; El bodegón, le obliga a grandes sesiones porque tiene la necesidad de aprender el objeto en su entidad. Observa que las frutas varían con el paso del tiempo, y también los pliegues de los manteles; por eso terminó enyesando los manteles y pintando frutas de cera. Cézanne es de afán meticuloso, se esfuerza por encontrar el color exacto; es consciente de que cuanto más ajustable sea el color, con más entidad aparecería la forma. Su retina cada vez es más hábil para percibir matices de color. No quiso aplicar el sistema de claroscuro tradicional, tampoco recurrir al modelado ni al dibujo. El color incorpora la luz y reconstruye la forma.     Cézanne elimina el espacio euclidiano, porque lo considera un convencionalismo. Al basarse en el color reivindica el componente bidimensional, de la pintura. La imagen se articula a través del plano coloreado. Así logra la autonomía del cuadro.

  6. 4. Gauguin es el ejemplo que representa el mito del bohemio y del primitivismo. Él encarna la necesidad de unir arte y vida. Su pintura tiene un gran componente ético. Gauguin rechaza la cultura de Occidente y abandona la civilización en pro de los pueblos primitivos. Rechaza lo académico, valora la máscara africana, el arte románico y todas aquellas tendencias que estaban fuera de lo habitual. Él ante todo busca el encontrarse a sí mismo. Al refugiarse en mundos diferentes, encuentra la paz. En cambio; otros han dicho que sólo viajó a Tahití en busca de mujeres mulatas y sexo. La escena es la plasmación de la armonía y la sencillez de la vida de su pueblo, y de todos aquellos que viven de acuerdo con la naturaleza. Las dos muchachas se muestran relajadas y naturales, lo cual ayuda a fijar la mirado en la bandeja de flores de mango, situada en el centro del cuadro. El fondo, completamente abstracto y de diferentes matices entre el verde y el amarillo, consigue resaltar aún mas las dos figuras femeninas en el primer plano. Esta composición que muestra a menudo a Tahitianas ocupadas en sencillas tareas cotidianas. Aquí, las pesadas siluetas hieráticas tienen cada una su propio espacio lo que permiten encadenar arabescos, en una armonía perfectamente orquestada. Los rostros dibujan una máscara o un perfil bastante indiferenciados, pero con algo de melancolía.Gauguin maneja su línea con una perfecta seguridad, la hace elegante o decorativa. Mediante la elección de poses un poco rígidas, ritma la composición según una misteriosa y armoniosa geometría, realizando de este modo lo que parece ser más una escena costumbrista que un verdadero doble. Una leve animación se crea a su vez mediante el discreto bodegón, casi monocromo del primer plano, y por las olas que se rompen en la laguna del fondo, solamente sugeridas por algunos realces de blanco. • En esta obra se ve claramente el estilo sitetista, donde el espacio del lienzo no tiene que reproducir la naturaleza, sino la impresión que esta suscita en la memoria; el artista se olvida, así, de la técnica de la perspectiva, las sombras y el claroscuro, para aplicar las amplias extensiones de color sobre superficies planas, delimitadas por contornos netos

  7. 5.Van Gogh . Es uno de los pintores postimpresionistas más renombrados y uno de los precursores del arte contemporáneo. El uso de colores violentos y arbitrarios y el afán expresivo de su obra le llevaron a ir más allá del Impresionismo y a abrir un mundo de posibilidades a expresionistas y fauvistas. A pesar de las sumas astronómicas que en la actualidad alcanzan las obras del holandés, en vida sólo ventio un cuadro, La viña roja. Este hecho le hizo depender económicamente de su hermano Theo. Sus reiteradas depresiones le llevaron a ser conocido por sus ciudadanos de Arlés como el loco pelirrojo y a suicidarse en 1890. El cuadro Naturaleza muerta con biblia, estuvo pintado en octubre de 1885 antes de su partida hacia Amberes. Se aprecia la biblia como símbolo de la casa paterna y de toda una educación religiosa. Como contraste aparece La joie de vivre de Zola el libro del naturalismo y, en opinión de su padre, una de las obras más nefastas. En la pintura Van Gogh coloca la vela, un símbolo religioso, con la idea de situar ambos símbolos al mismo nivel. Ha exagerado el rubio del cabello, ha utilizado también tonos naranjas y amarillo pálido. Detrás de la cabeza, en lugar de pintar la pared ordinaria de la habitación, ha pintado el infinito, un fondo plano del azul más rico e intenso que he podido conseguir y con esta sencilla combinación de la cabeza brillante sobre el fondo intensamente azul, ha conseguido un efecto misterioso, como si fuera una estrella en la profundidad de un cielo azul. Van Gogh pasó todo el verano pintando paisajes al aire libre. Para realizar la composición colocaba en el fondo del cuadro toda la parte arquitectónica, con torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina franja a la altura del horizonte, el primer plano lo reservaba para los campos y la vegetación . El sembrador, realizada en el mes de junio, cuando la cosecha estaba casi a punto, como se puede apreciar en el campo de trigo maduro que hay detrás del sembrador. Con los colores azul y púrpura, y los amarillos relucientes del sol y el cielo consiguió un contraste cromático.

  8. 6.Monet.Fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de ElHHavre  títulada  impresión, sol naciente, que le dió nombre al movimiento. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación.. Durante los últimos decenios de su vida, a final del siglo XIX, en el jardín de Monet comenzó a pintar la serie de los nenúfares que flotan sobre un estanque atravesado por un puente japonés. Esta serie de telas lo acercaría pues, a la abstracción. La impresión causada por su visión a la salida del sol; no quiso captar una escena, sino una atmósfera. Las pinceladas sueltas u vigorosas persiguen conseguir los sutiles efectos de la luz. La técnica utilizada es fruto de la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre para captar una impresión fugaz de la naturaleza. Por ello , las figuras están esbozadas de forma muy esquemática. Obsesionado por captar la luz , Monet , al final de su carrera , pintó reiteradamente un mismo tema , como es el caso de la serie dedicada a la fachada de la catedral de Rouen, en que intentó registras las variaciones que los cambios de luz provocaban en la percepción de esta fachada.

  9. 7.Edvard Munch  . (12/12/1863-13/01/1944), fue un pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas. Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos. Un pobre ser humano, en primer plano, emite un grito de angustia que parece transmitirse a todo el entorno , excepto a las dos personas que, en el otro extremo del puente , siguen paseando ajenas al suceso. Espectacular y sensual desnudo femenino que sin embargo está rodeado de una atmósfera no muy tranquilizante. El cuerpo nos atrae pero hay algo que nos angustia, es el fondo con sus colores y sus líneas distorsionadas. Al igual que casi todos sus personajes , la cara es algo demacrada, excesivamente delgada y con los ojos hundidos. No podemos recrearnos en la belleza de la modelo porque el pesimismo y la soledad opresiva se adueñan de la escena. Colores arbitrarios y líneas en espiral son muy frecuentes en el expresionismo en general y en el de Munch en particular. La furia desatada de la naturaleza amenaza a unos desvalidos seres que están impotentes ante los poderes naturales. Es de noche, sopla fuerte el viento y la tormenta se avecina. Las luces de las ventanas de la casa resultan un refugio acogedor frente a la hostilidad de la naturaleza pero los seres misteriosos que andan por el campo no se dirigen hacia la protección que les brindaría la casa sino, justo en sentido contrario. Inquietud y angustia muestran de esta forma ante el futuro.

  10. 8.Francisco de Goya y Lucientes(Fuendetodos,Zaragoza,30 de marzo de 1746 - Burdeos,Francia,15 abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Está sentada en un sillón de época y lleva una corona de espigas en la cabeza - símbolo de su preñez - y un anillo camafeo en el que se intuye el busto de su marido. La luz ilumina plenamente la delicada figura, resbalando sobre el traje de tonos claros, creando un especial efecto atmosférico que recuerda a las últimas obras de Velázquez. A su alrededor no hay elementos que aludan a la estancia, reforzándose la idea de soledad que expresa el bello rostro de la joven. No debemos olvidar la importante base de dibujo que presenta, especialmente el rostro. La gama de colores cálidos con la que trabaja otorgan mayor delicadeza y elegancia . Los Fusilamientos del 3 de mayo se ha señalado el contraste entre el grupo de detenidos prontos a ser ejecutados, personalizados e iluminados por el gran farol, con un protagonista destacado que alza en cruz los brazos y viste de radiante blanco y amarillo, e iconográficamente remite a Cristo —se aprecian estigmas en sus manos—; y el pelotón de fusilamiento anónimo, convertido en una deshumanizada máquina de guerra ejecutora donde los individuos no existen. . Una anciana se contempla vanidosamente en el espejo ajena a la burla de los demás . Este Capricho ha sido visto cono una crítica a la reina María Luisa, que mantenía aventuras amorosas con hombres jóvenes . También puede leerse como una ilusión a nuestra capacidad de autoengaño. Aporta una reflexión crítica a la sociedad, afín a la ideología de la ilustración y se sirve de una ironía mordaz y despiadada. Gracias a la técnica de grabado al aguafuerte y aguatinta, las líneas expresivas del aguafuerte se combinan con las superficies granuladas y de distintos tipos de gris que genera la aguatinta.

  11. 9.Edouard Manet .(1832-1883) es un pintor muy interesante, tildado de Impresionista. Manet tiene características no impresionistas como utilizar el negro, pintar contornos, trabajar en interiores, etc. Será en realidad un pintor a caballo entre el realismo y el impresionismo, y esto lo puedes observar en los cuadros expuestos, unos son muy realistas y otros más impresionistas. Su anhelo principal era triunfar en el salón oficial de pintura de París, el gusto oficial era muy clasicista y se rechazaban todas las propuestas novedosas. Manet sufrió� como nadie este rechazo y algunas de sus realizaciones fueron tachadas de escandalosas y de mal gusto. Fue adoptado por los impresionistas como su líder por ser el de mayor edad entre todos ellos y haber sufrido la censura y prohibición de algunos de sus cuadros por parte de las instituciones políticas del segundo imperio francés. La influencia de los grandes maestros españoles es muy visible en sus cuadros (Lola de Valencia, el torero muerto...) . Aparece un desnudo femenino sin justificación aparente. Dos elegantes caballeros y dos damas disfrutan de la naturaleza en un paisaje de gran belleza. Luces y sombras en poderosos contrastes refuerzan la sensación de perspectiva y de tridimensionalidad. Es una escena relajada y agradable, con una bellísima naturaleza muerta (cesto, panes, mantel, frutas, ropas...). Abunda el negro y los contornos están muy bien perfilados. Resulta chocante el contraste entre la desnudez de la dama y los caballeros completamente vestidos hasta con sombrero. Ambiente marino con pincelada extraordinariamente suelta lo que obliga a alejarse un tanto para que nuestra vista configure la nitidez necesaria, ya que contemplándolo muy de cerca solo vemos manchas de color. La barca de remos se dirige hacia el barco velero que se aprecia al fondo en el horizonte y la predominancia de azules y negros es casi total. Resulta muy destacable la captación del movimiento, de la inestabilidad de la barca y la atmósfera de humedad. El espejo juega un papel importante en esta obra, ilusión y realidad quedan confundidos al igual que el espectador. A través de �l podemos ver la totalidad del café, aunque la protagonista sea la camarera, una modelo profesional llamada Suzon. La barra tiene botellas de vino, champan y licor Por el espejo sabemos que la camarera charla con un elegante caballero y al fondo están las mesas con la clientela sentada.

  12. 10.Rembrandt Harmenszoon van Rijn(Leiden, 15 de julio de 1606 – Ámsterdam,4 de octubre de 1669) fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro holandesa, el considerado momento álgido de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política. La luz , irreal y artificiosa, procede de arriba y acentúa el contraste entre la frialdad que desprende el cuerpo desnudo y sin vida del cadáver y la calidez de los rostros de los asistentes a la clase de anatomía. El claroscuro y la calidad atmosférica otorgan intensidad y emoción a la escena, y relieve escultórico a las figuras. La rojez del brazo diseccionado del difunto resalta en este conjunto dominado por el claroscuro y por los colores negro y blanco de los atuendos de los retratados. “La ronda de noche” es una de las pinturas más importantes de la historia del Arte, y sin duda una de las más complejas. El análisis en profundidad de esta sensacional escena es una tarea que ha ocupado a cientos de estudiosos durante siglos, que han identificado a la casi totalidad de los 28 personajes (30 antes de un desafortunado recorte, además de tres niños y un perro), entre ellos el capitán Purmerlandt y su alférez von Vlaerdingen; rescatado copias del original cuando éste aún no había sido mutilado, y –sobre todo- intentar explicar los casi indescriptibles efectos de movimiento que hacen de esta pintura la culminación del Arte de Rembrandt. Según parece, Rembrandt ha representado el momento exacto en el que el capitán de la compañía ha dado orden de avanzar, pero esta orden parece no haber llegado aún a sus subordinados. Esta tensión movimiento – estatismo otorga al cuadro un magnetismo irresistible. Uno casi espera que, si miramos la pintura durante unos minutos, el capitán y su alférez comenzarán la marcha, sus subordinados les seguirán en discutible orden, y el tambor de la derecha comenzará un rápido redoble

  13. 11.Pablo Ruiz Picasso. Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida. EL Guitarrista ciego . Es una de las obras emblemáticas de la época azul . Desprende la tristeza y melancolía del propio planteamiento monocromático, y sus formas ligeramente alargadas recuerdas a las figuras del El Greco.. Esta pequeña pintura, con una cuerda por marco, inaugura el cubismo sintético. Picasso pegó en un lienzo ovalado un hule que llevaba impreso el dibujo de una rejilla de asiento y lo integró en el contexto pintando sobre él. El efecto de engaño visual introducido por el hule, que simula una rejilla, era nuevo en el repertorio cubista. La imposible sensación táctil de la rejilla contrastaba con la intangibilidad del todo.

  14. La composición es innovadora porque plantea una pintura de batalla a partir de tan sólo nueve personajes y algunos elementos contextuales; y se estructura a partir de una pirámide de luminosa central, compensada con dos ejes verticales, a ambos lados del lienzo . Su gran preocupación fue la expresión del dolor , evidente en las numerosos esbozos realizados para la madre con el niño muerto en los brazos. Finalmente construyó un rostro desgarrado en el que la forma misma de los ojos parece una lágrima que se desborda más allá de sus cuencas, la boca permanece desmesuradamente abierta ,con los dientes salidos y una lengua afilada que emerge desde el interior.. Aunque en primeras versiones extremó el dolor maternal, acabó otorgando al caballo la más alta expresión del dolor visceral. La imagen resultante, basada en la multiplicidad de los puntos de vista, no se ve afectada por las imposiciones de la perspectiva, ni por las variaciones atmosféricas, ni por la iluminación. Sus principales características son , además del rechazo de la perspectiva y del movimiento, la primacía de la línea y la forma sobre la luz y el color. Para evitar todo efecto naturalista y emocional , la palta se restringe a grises, marrones , verdes y amarillos , o recurre al monocromatismo . El artista transforma el dinamismo inherente a los acróbatas y equilibristas confiriendo un marcado sentido ritual a sus movimientos . La acción pierde así su dimensión temporal y anecdótica , y se vuelve intemporal . Desde el punto de vista formal utiliza el trazo lineal heredado del Art Nouveau ( equilibrista ); y el sentido del volumen y la masa presentes en la escultura egipcia o ibérica (acróbata sentado). .

  15. 12.Joan Miró i Ferrà. Fue pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas. Es un cuadro con formas simples: muestra lo que, en el estilo de Miró, es una cara. Una especie de óvalo con trazo muy grueso encierra el rostro. Y lo que podría ser la nariz (una flecha) sale fuera del mismo. El estilo general es una especie de mosaico, o de collage, hecho con diversas formas más pequeñas.La armonía que utiliza es una policromía (rojo, amarillo, azul, verde) y lo complementa con zonas blancas y negras.El estilo es minimalista, casi infantil, fiel a la manera del mismo Miró El interior holandés es una de las obras más representativas de la época central en la creación de Joan Miró. Apartado ya de las influencias fauvistas y cubistas, a partir de 1925 encuentra por fin un universo propio, una forma de pintar en la que se encuentra definitivamente a gusto. Es la búsqueda de lo esencial, depurando cada vez más su vocabulario expresivo. Es como si hubiera sufrido después de su periodo de juventud un “desaprendizaje”, pasando de las figuras a los ideogramas y los signos; de un trazo sabio, adulto y serio a otro infantil, ingenuo y lúdico.  En una habitación de dudosa estructura tridimensional, en la que cada pared tiene un color diferente, aunque, se puede observar un indicio de perspectiva, surge la figura de un guitarrista, cuya cabeza simplificada al máximo está rodeada de un halo blanco de donde salen un pequeño bigote descolocado y un mechón de cabellos que parecen rodear a una pequeña oreja.  • Mujer, pájaro, estrellas muestra un juego dinámico entre las notas fosforescentes y aterciopeladas del pastel y los delicados desarrollos lineales. Las figuras se adaptan fácilmente, sin violencias, a unas notas cromáticas vibrantes y difuminadas, y encuentran sutiles correspondencias, como las manchas negras compartidas o los brazos de la mujer y las patas del pájaro que escenifican un contacto posible pero pasajero. El cuerpo de la mujer, fijado sobre unos pies enormes, es un gran corazón de donde brota un tallo del que cuelga, como una flor, su cabeza, también con forma de corazón. El pájaro, en su vuelo, intercepta una estrella fugaz.

  16. 13.Pierre Auguste Renoir (25 de febrero de 1841 de 1841 - 3 de diciembre de 1919) , es uno de los más célebres pintores franceses. No es fácil clasificarlo: perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. El pintor Rafael tuvo una gran influencia en él. • La escena se celebra al aire libre (forzada que se imponían los impresionistas), un domingo por la tarde, un día del bello tiempo el Molino de la Torta en Montmartre. Las personas presentes en la escena son unos amigos del pintor: modelos, pintores, acostumbrados del lugar, entre los cuales se reconoce: el escritor Georges Rivière, el pintor Goeneutte, Lamy que está instalado a la mesa del primer plano y llamado Estelle que es sentada en el banco así como Frédéric Samuel Cordey. Renoir representa así sobre su tela, una muchedumbre alegre de personas de todos los medios sociales, En primer lugar el trabajo sobre la luz que penetra a través del follaje, luego la composición densa y radiante que organiza a los personajes, no en líneas horizontales como en el baile pero en círculos concéntricos, unos de pie, otros sentados, totalmente reagrupados alrededor de esta pequeña mesa, centro de gravedad de la obra, para formar sólo el uno, la paleta cromática ancha y profunda estructurada alrededor del color amarillo anaranjado como un sol que irradia sus vibraciones calientes, y por fin, lejos de los grandes convenios de la pintura académica, lo hace de pintar al personaje al primer plano, la joven mujer al vestido blanco rayado, de tres cuarto espalda, lo que acentúa la dimensión natural y espontánea de la obra. Desnudo alargado, teniendo Gabriela para modelo, es entre las obras más sensuales de Renoir. Pintando durante la primera década del xx el siglo, se relaciona con período dicho nacarado del artista. Sobre un fondo neutro, que contrasta la impresión de blandura que se libra de la forma y de la posición de los cojines, Renoir colocó a una joven mujer desnuda, crecida sobre la sábana blanca, el cuerpo sobre el lado izquierdo, la cabeza retenida por la mano. Conocemos numerosas telas de Renoir que representan a mujeres desnudas en la naturaleza en armonía con paisaje cercano. Es más raro verlo pintar el desnudo en interior a manera de Goya o a manera de Manet. Aquí, en una tela todo en longitud, Renoir da rienda suelta a su placer de pintar el cuerpo de la mujer.

  17. 14.Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 26 de abril de 1798- París, 13 de agosto de 1863) fue un pintor francés. Según varias hipótesis, Delacroix pudo ser hijo biológico del político Talleyrand, al que Delacroix se parece físicamente. Según esta teoría, su padre putativo habría quedado estéril a causa de una enfermedad. De todas formas, Eugène fue registrado como hijo de Charles Delacroix, político de profesión, Ministro de Exteriores del Directorio (Francia) y de Victorie Oeben perteneciente a una familia de ebanistas, artesanos y dibujantes. Es el cuarto y último hijo del matrimonio. Charles Delacroix muere en 1805 siendo en ese momento prefecto de Gironda. • El color domina, la luminosidad es brillante. Delacroix utiliza preferentemente colores cálidos, en particular pigmentos castaños y rojos; de ellos surgen, poco a poco, colores más claros como el blanco de las telas, de la túnica o de la piel del caballo, y los amarillos y anaranjados de los cuerpos de las mujeres. • Sobre un gran lecho está dispuesto Sardanápalo, impasible.A su alrededor, se arremolinan personas, animales y objetos, en una composición abigarrada en torno a distintos ejes que se entrecruzan. • La luz marca una diagonal que va desde el monarca asirio, arriba en lo alto, hasta el hombre que está dando muerte a una mujer, abajo a la derecha, que pasa por la figura de una joven muerta y un hombre agonizante, ambos cuerpos blancos sobre el lecho de intenso color rojo. Este cuadro representa un episodio de la guerra de independencia de los griegos contra los otomanos ocurrido ese mismo año: la matanza de 20.000 habitantes de las islas griegas, y el sometimiento a la esclavitud de las mujeres y los niños superviviente Este cuadro es, a un tiempo, orientalista y romántico. Parte del rostro de la mujer de la izquierda queda inmerso en la sombra. El pintor usó esta técnica en muchas figuras para lograr un aire de misterio y aislamiento. A su lado están sentadas otras dos mujeres mientras que otra figura femenina, una criada negra, está en pie; su presencia, de espaldas y girando, parece hacer entrar al espectador en el cuadro.

  18. 15.Zurbaran.Contemporáneo y amigo de Velázquez, destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando para aproximarse a los maestros manieristas italianos. Sus representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más cálidos. En esta composición nos sitúa frente a una vasta naturaleza muerta. Las verticales de los cuerpos de los cartujos, de San Hugo y del paje están cortados por una mesa en forma de L, cubierta con un mantel que casi llega hasta al suelo. El paje está en el centro. El cuerpo encorvado del obispo, situado detrás de la mesa, a la derecha, y el ángulo que forma la L de la misma, evitan ese sentimiento de rigidez que podría derivarse de la propia austeridad de la composición. Delante de cada cartujo están dispuestas las escudillas de barro que contienen la comida y unos trozos de pan. Dos jarras de barro, un tazón boca abajo y unos cuchillos abandonados, ayudan a romper una disposición que podría resultar monótona si no estuviera suavizada por el hecho de que los objetos presentan diversas distancias en relación al borde de la mesa. Zurbarán emplea la luz, como principio animador del Naturalismo que impregna el cuadro. La luz como divinidad misma, como manifestación de lo sobrenatural. Destaca la monumentalidad del Apóstol, que resalta con su aire escultórico gracias a la técnica del tenebrismo -contraste de luz y sombras. El interés del cuadro se centra en la intención de adoctrinar, de enseñar a los fieles, de descubrirles verdades de fe. La pintura se concibe aquí como un tipo de retórica mediante la cual el contenido, la idea, se ofrece al espectador a través de una bella presentación. De nuevo es necesario señalar que el pintor comete errores estructurales, en cuanto a la perspectiva, y que los soluciona con una cortina de nubes. Representa un conjunto de cuatro elementos colocados en un mismo plano. Su estructura geométrica y disposición es consecuencia de un cuidado estudio para la creación de este magnífico bodegón. La composición, que parece sencilla a primera vista, es de una complejidad minuciosa: la luz lateral o la disposición de los elementos en distintos ángulos (las asas de los cacharros desvelan la intención de esta colocación).

  19. 16.Bartolomé Esteban Murillo(Sevilla , 1617 – Cádiz, 3 de abril de 1682) fue un pintor español del siglo XVII . Es una de las figuras más importantes de la pintura barroca española . Fué el pintor más valorado en Sevilla . Su prestigio relegó incluso a Zurbarán a un segundo plano . Sus inmaculadas y pícaros extendieron su fama por toda Europa hasta el punto de ser, en el momento de su muerte , el pintor español más famoso y conocido en el extranjero. Murillo domina con gran maestría la anatomía y expresión de los niños, creando numerosas obras con temas infantiles. En este caso la paz y serenidad que transmite la expresión del niño con el cordero es la consecuencia de la intención del pintor de transmitir el gozo que proporciona al creyente su devoción. Cuadro que representa a Jesús dando de beber a San Juan niño debajo de una corte de pequeños angelitos. La dulzura de anteriores obras, aunque se mantiene por el estilo del pintor, esta desvirtuada por los gestos de adultos que adoptan los niños, resulta un poco extravagante . Es sin duda una de las influencias ideológicas italianas que pretende demostrar la superioridad divina: tanto Jesús como San Juan son maduros siendo niños. El Buen PastorPintado: 1660.TAMAÑO ORIGINAL: 164 X 110 cm Representa una escena doméstica tratada con una delicada dulzura y ambientada en un clima familiar, consiguiendo así, una mezcla de lo sacro y lo trivial. La composición del cuadro se basa en la escuela italiana, dos figuras opuestas (Madre y Padre) con una sobre iluminación de la figura del niño para atraer la atención del espectador. Las figuras, de formas precisas, están ligeramente difuminadas en sus bordes atenuando así los contrastes y apaciguando el conjunto de la imagen. La Sagrada Familia del PajaritoPintado: 1650.TAMAÑO ORIGINAL: 144 X 188 cm.

  20. 17.Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla,6de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660) conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Es una pintura realizada al óleo  sobre un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras representadas a tamaño natural. Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte. El tema central es la infanta Margarita de Austria, aunque la pintura representa también otros personajes, incluido el propio Velázquez. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, la perspectiva y la luz, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes. Un espejo representado al fondo de la pintura refleja las imágenes del rey Felipe IV de España y su esposa Mariana de Austria, según unos historiadores, entrando a la sesión de pintura, y según otros, posando para ser retratados por Velázquez; en este caso serían la infanta Margarita y sus acompañantes los que venían de visita para ver la pintura de los reyes. Se admite que el cuadro trata un tema mitológico: La Fábula de Atenea y Aracne, en una escena del mito de Aracne que se describe en el libro sexto de la metamorfosis de Ovidio. Una joven lidia, Aracne, retó a la Diosa Atenea, inventora de la rueca, a tejer el  tapiz más hermoso. La escena del primer término retrataría a la joven, a la derecha vuelta de espaldas trabajando afanosamente en su tapiz. A la izquierda, la Diosa Atenea, que finge ser una anciana, añadiendo falsas canas a sus sienes. Sabemos que se trata de la Diosa porque, a pesar de su aspecto envejecido, Velázquez muestra su pierna, de tersura adolescente. En el fondo, se representa el desenlace de la fábula. El tapiz confeccionado por Aracne está colgado de la pared. Su obra constituye una evidente ofensa contra Palas Atenea, ya que ha representado varios de los engaños que utilizaba su padre, Zeus, para conseguir favores sexuales de mujeres y Diosas. Frente al tapiz, se aprecian dos figuras, son la Diosa, ataviada con sus atributos, como el casco y la humana rebelde que viste un atuendo de plegados clásicos. Están colocadas de tal manera que parecen formar parte del tapiz. Otras tres damas contemplan cómo la ofendida Diosa, en señal de castigo, va a transformar a la joven en araña, condenada a tejer eternamente.

  21. 18.Henri Émile Benoît Matisse(31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo . Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20s ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno. Las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX inician un arte nuevo, nuevas formas de expresión. Su deseo de innovación les lleva a no imitar; no interesa la representación fiel y objetiva de la realidad sino la subjetividad, la expresión de las vivencias interiores del artista, el color independiente del objeto, el uso emotivo del color para expresar sensaciones y emociones. UNA RUPTURA TOTAL CON LO QUE HASTA ENTONCES ERA BELLO. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.

  22. 19.Peter Paul Rubens (Siegen, actual Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), fue el pintor barroco más popular de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Se calcula que llegó a pintar unos 3.000 cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller que, al parecer, trabajaban en cadena. Fueron discípulos suyos, entre otros, Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer ,  Theodor van Thulden, Cornelis de Vos, y Antoon van Dyck, que trabajaron completando varios encargos para la Corte Española en Madrid.  El rapto de las hijas de Leucipo (1616) Se trata de un tema mitológico, el rapto de las hijas de Leucipo por Cástor y Pólux. Rubens realizó este lienzo durante los primeros años de su trayectoria artística. Se sitúa en la transición entre el clasicismo y el barroco. Mientras la composición es clásica y equilibrada, el sentido de movimiento y dinamismo son característicos del barroco. Las tres Gracias (1638) Es su obra más conocida. Las Tres Gracias se inspiran en tres personajes de la mitología griega: Eufrosine, Talía y Anglae, hijas de Zeus y Eurymone. Son la representación de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. El tema había sido representado por Rafael durante el Renacimiento y Rubens lo retomó, ofreciendo un planteamiento distinto. Mientras las Gracias de Rafael son el prototipo de belleza ideal, las de Rubens lo son de una belleza más sensual. Para ello cambia el canon de belleza, sus cuerpos femeninos son blandos y opulentos, caracterizados por la flacidez de sus carnes. Es uno de sus temas más dramáticos. Saturno era uno de los titanes más poderosos y pensaba que la mejor manera de evitar que uno de sus hijos le destronase, era devorándolo al nacer. Será Zeus, su sexto hijo, el que consiga derrocarlo al ser salvado por su madre. Saturno aparece aquí desgarrando el pecho de uno de sus pequeños. La escena es de gran dramatismo, conseguida gracias al uso de la luz y al color, que se inspira en la escuela veneciana.

  23. 20.VermeerNació en la ciudad de Delft (Holanda) en 1632 y vivió toda su vida en los Países Bajos, hasta su muerte en 1675.Fue un crítico de arte francés quien lo descubrió en el siglo XIX y hoy en día es de los pintores más reconocidos y admirados. Las obras de Vermeer nos ilustran sobre la realidad de la rica y opulenta Holanda del siglo XVII. La generalidad de sus cuadros son, o bien retratos, o bien escenas interiores de los salones de la burguesía neerlandesa. A pesar de esta presencia de personajes, lo verdaderamente importante paraVermeer es el espacio y la luz. Los personajes son accesorios. Se convierte así en el pintor de la intimidad, de lo recogido y sosegado, de lo tranquilo y lo sugerente. Su luz es mágica: dorada y sensual, consigue subrayar la atmósfera y el aire. Típica escena tan querida por nuestro amigo: una habitación de su casa, una ventana abierta a la izquierda por donde entra la luz, una silla y una mesa con objetos, un mapa de holanda en la pared y una mujer realizando tareas del hogar. Son cuadros donde no pasa nada especial, simplemente Vermeer pinta los interiores de las casas holandesas del siglo XVII. Pero ahí radica su encanto, en la sencillez, en el intimismo y en lo exquisito y sofisticado de la técnica a la hora de plasmar las calidades de la ropa, del metal, del vidrio, los juegos sutiles de luces y sombras y la portentosa pincelada que hace de estas obras auténticas maravillas en las que recrearse mucho tiempo. La sirvienta entrega una carta a su señora y ésta, con una vestimenta espectacular, se queda pensativa mientras hace un pequeño alto en su escritura. ¿Quién mandará la carta? ¿La habrá leído la criada?. No sabemos los pensamientos que asaltan a la dama pero Vermeer lo sugiere todo. Sobre la mesa un tintero y un cajón, además de la carta y la pluma. La sirvienta va vestida para el trabajo, pero su señora lleva un precioso manto amarillo con ribetes de armiño, un collar de perlas, un pendiente de una perla muy gorda y un peinado extraordinariamente sofisticado, todo muy lujoso. La atmósfera así creada nos parece muy enigmática y cautivadora. Vermeer capta a una joven muchacha cuando se vuelve hacia atrás y nos muestra unos labios sensuales y carnosos, unos ojos despiertos e inquietos, una piel tersa y suave y un curioso turbante. Por su brillo destaca el pendiente de perla blanca muy grande que ella luce con estilo. Utiliza un potente claroscuro para destacar la expresividad y también los colores azul y amarillo, los colores estrella de su paleta. Esta obra, a pesar de su aparente simplicidad ha resultado ser una fuente de sugerencias para la creatividad.

  24. 5.Fotógrafos.

  25. Adams, Ansel Easton (1902-1984), fotógrafo estadounidense que adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su Francisco, Estados Unidos. En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, en donde plasmó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías muestran, con un enorme contraste de luces y desombras, montañas peladas, desiertos áridos, nubes enormes y gigantescos árboles. En 1932 Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, funda el f/64, un grupo de fotógrafos que defendían el detalleyla estética naturalista, la llamada fotografía directa, que había sido impulsada inicialmente por Paul Strand, y que tienesus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O'Sullivan.  . Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como EDWARD Weston , Willard Van Dyke y otros.. Su sistema de zonas una demostración de cómo la cámara o el fotómetro de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.

  26. En 1994, el genial fotógrafo documentalista sudanés Kevin Carter ganó el premio Pulitzer de fotoperiodismo con una fotografía tomada en la región de Ayod (una pequeña aldea en Sudan), que recorrió el mundo entero. En la imagen puede verse la figura esquelética de una pequeña niña, totalmente desnutrida, recostándose sobre la tierra, agotada por el hambre, y a punto de morir, mientras que en un segundo plano, la figura negra expectante de un buitre se encuentra acechando y esperando el momento preciso de la muerte de la niña. Al recibir el premio, Carter declaró que aborrecía esa fotografía: “Es la foto más importante de mi carrera pero no estoy orgulloso de ella, no quiero ni verla. La odio. Todavía estoy arrepentido de no haber ayudado a la niña”. Cuatro meses después, abrumado por la culpa y conducido por una fuerte dependencia a las drogas, Kevin Carter se quitó la vida. Carter hizo más con esa foto que toda la gente que estaba repartiendo comida a un kilómetro de distancia. Por duro que pueda sonar. Evidentemente no son cosas comparables, pero para mí tan loable es repartir comida en un campo de refugiados como hacer esa foto. Y esa foto no la puede hacer todo el mundo, está al alcance de muy pocos. Inhlazane, Soweto, 15 de septiembre, 1990. Un partidario del ANC ataca y quema. Esta fue una de una serie de fotografías que ganó el Premio Pulitzer de Spot News en 1990.

  27. McCurry, Nacido en Filadelfia en 1950, trabajó dos años en prensa antes de convertirse en un verdadero amante de La India. ‘Allí aprendí a mirar y esperar en la vida. Si eres paciente, la gente acaba olvidándose de tu cámara y su alma quedará reflejada en tu instantánea’ comentó McCurry, que posee numerosos premios y galardones recogidos a lo largo de su extensa carrera. LA NIÑA AFGANASharbat Gula fue fotografiada cuando tenia 12 años por el fotografo Steve McCurry, en Junio de 1984, en el campamento de refugiados Nasir Bagh de Pakistan durante la guerra contra la invasion soviética. Su foto fue publicada en portada de National Geographic en junio de 1985 y debido a su expresivo rostro de ojos verdes la portada se convirtió en una de las mas famosas de la revista y del mundo.  En aquel tiempo nadie sabia el nombre de la niña. El mismo hombre que la fotografió realizó una búsqueda de la joven que duro 17 años. En enero del 2002 encontró a la niña, convertida en una mujer de 30 años y por fin pudo conocer su nombre. Sharbat Gula vive en una aldea remota de Afganistan, es una mujer tradicional pastún, casada y madre de tres hijos. Ella regresó a Afganistan en 1992.  Es notorio en ambas fotos que son los mismos ojos, solo que con una gran diferencia, en la primera foto denota una coraje e impotencia,y en la segunda: resignacion a que todo seguira siendo igual, a la discriminacion El 8 de junio de 1972, un avión de Los Estados Unidos bombardeó con napalm la población de Trang Bang. Allí se encontraba Kim Phuc con su familia. Con su ropa en llamas, la niña de nueve años corrió fuera de la población. En ese momento, cuando sus ropas ya habían sido consumidas, el fotógrafo Nic Ut registró la famosa imagen. Luego, Nic Ut la llevaría al hospital. Permaneció allí durante 14 meses, y fue sometida a 17 operaciones de injertos de piel. Cualquiera que vea esa fotografía puede ver la profundidad del sufrimiento, la desesperanza, el dolor humano de la guerra, especialmente para los niños. Hoy en día Pham Thi Kim Phuc, la niña de la fotografía está casada y con 2 hijos y reside en Canada. Preside la 'Fundación Kim Phuc', dedicada a ayudar a los niños víctimas de la guerra y es embajadora para la UNESCO.

  28. Rober Capa En 1947 creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David Seymour, la agencia Magnum Photos donde Capa realizó un gran trabajo fotográfico, no solo en escenarios de guerra sino también en el mundo artístico, en el que tenía grandes amistades, entre las que se incluían Pablo Picasso- Ernest Hemingway y John Steinbeck.En 1954, encontrándose en Japón visitando a unos amigos de antes de la guerra, fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y murió, siendo el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y terminando así una azarosa vida profesional, guiada por una frase que popularizó: Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente. Robert Capa (Buspwar,Hungría,22 de Octubre de 1913-Thai Binh Vietna,,25 de mayo de 1954) fue el seudónimo de Ernö Andrei Friedmann Posiblemente, el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX. En 1936, Robert Capa retrató a un miliciano español en el momento mismo en que recibía una mortal herida de bala. La imagen recorrióel mundo y catapultó la fama de Capa Teruel, 21 de Diciembre 1937. Los muertos yacen sobre el helado campo, esta foto la publicó Life el 28 de Enero de1938.

  29. CARTIER-BRESSON,Henri (1908-2004) Nació en Chanteloup, Seine et Marne, Francia. Pertenecía a una familia de la alta burguesía que le inculcó el gusto por el Arte, a sus padres sólo les interesaba la pintura, por este motivo fue educado en el Lycée Condorcet de París. En 1931 después de una larga enfermedad se intereso por la fotografía. La primera Leica la obtuvo en el 1933, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Su primera exposición la inauguró en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York, además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu. Hablando de su técnica jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo. Representa a un típico nombre judío europeo, hay que considerar el contexto de la pre-guerra mundial (segunda). Abajo se ve una rueda rota, símbolo de lo que se aproximaba para Europa, la rueda, símbolo de la civilización, destruída, y el salto, es lo mejor, alguien que salta al vacío, sin saber qué va a encontrar, representa el salto al vacío que Europa, y el mundo, estaban a punto de dar antes de la segunda guerra mundial. En cambio Henri Cartier Bresson explica que el tomo la fotografía entre las verjas intentando captar ese "instante eterno" y no lo vio hasta que revelo la foto. Esta fotografía esta mal encuadrada ya que corta los pies del niño, pero algo hace pensar que esta hecha así a propósito, la atención se centra en el niño, ya que todo lo que esta detrás esta desenfocado, pero lo que mas quería resaltar de la imagen era la expresión de felicidad de su cara, por ello encuadro de forma que quedara en el centro de la fotografía. Se ve una persona andando en bicicleta, que pasa fugaz por delante del objetivo, plasmada justo cuando se encuentra en el espacio que forman la escalera y la acera, quedando totalmente encuadrada, y haciendo que nuestro ojo se centre en esta figura en bicicleta.

  30. 10.Escultores.

  31. 1.Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni(Caprese,6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor , arquitecto y pintor italiano renacentista , considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. El grupo escultórico de la Piedad florentina consta de cuatro personajes: el Cristo muerto que está sostenido por la Virgen , María Magdalena y Nicodemo , los rasgos del cual son un autorretrato de Miguel Ángel. La estructura es piramidal, con Nicodemo como vértice, y el Cristo se muestra como una figura serpentinata propia del manierismo .  El año 1555, no se sabe exactamente, si por accidente o porque la obra no le parecía bien al autor, la rompió en diversos trozos. Esta obra, por su forma y manera, en cada una de sus partes, corresponde a la descripción de los escritores antiguos; su aspecto festivo: los ojos, de mirada furtiva y llenos de lascivia, como los de aquellos que son dados excesivamente a los placeres del vino. Sostiene una copa con la mano derecha, como quien está a punto de beber, y la mira amorosamente, sintiendo el placer del licor que inventó; por este motivo se le representa coronado con un trenzado de hojas de vid... Con la mano izquierda sostiene un racimo de uva, que hace las delicias de un pequeño sátiro alegre y vivo que hay a sus pies. Representa según el historiador Anscari M. Mundó , la última agonía de Cristo, con la cabeza inclinada hacia la derecha, la boca abierta y los ojos casi cerrados; está coronado de espinas, de cuerpo joven con los brazos abiertos, desnudo, protegido con un paño de pureza doblado con pliegues irregulares que sujeta un cordón doble. Presenta una buena anatomía muy realista y muestra la herida a la derecha de las costillas. Mide 58,5 cm de altura

  32. 2.Canova. Nace el 1 de noviembre de 1757 en Possagno, Alto Véneto, en el seno de una familia de picapedreros. Su abuelo, un aficionado a la escultura, fue quien comenzó a despertar su afición artística. El senador Giovanni Falier fue su protector y el que pagó sus estudios en el obrador de Giuseppe Bernardi, il Torritti, en Pagnano di Asolo, con quien trabaja en el taller de Santa Marina, en Venecia. Recibió clases de la Academia y frecuenta el taller del escultor Antonio d’Este hasta que en 1772 su grupo Los luchadores obtiene un segundo premio académico. Al año siguiente, un Orfeo y Eurídice, encargado por su protector Falier, fue expuesto en la plaza de San Marcos siendo contemplada por un miembro de la familia Grimaldi que le encarga una réplica (Ermitage de San Petersburgo). En sus visitas a Roma conoció el arte clásico y, después de instalarse en esta ciudad en 1781, fomentó la recuperación de los estilos romano y griego antiguos . Recibió encargos de Napoleón, como el de la famosa Paulina Bonaparte Borghese y Venus (1805-1807, Galería Borghese, Roma). Tras la caída de Napoleón, fue enviado por el Papa a París para recuperar los tesoros artísticos arrebatados al patrimonio italiano, por lo que recibió el título de marqués de Ischia. Falleció en Venecia el 12 de octubre de 1822. Fue un escultor caracterizado por la plasmación de una belleza ideal, por el interés por el cuerpo humano, por la elegancia en la linea, por la textua suave, por la claridad compositiva y por la utilización del mármol y del bronce. La retratada tenía 25 años cuando el escultor empezó su trabajo en un único bloque de mármol de Carrara. Paolina aparece indolente, tumbada en un diván, extendiendo la pierna derecha sobre la que reposa la izquierda. En su mano izquierda sujeta una manzana -aludiendo a su triunfo en el juicio de Paris- mientras el brazo derecho sostiene su atractiva cabeza, dirigiendo su altiva mirada hacia el espectador.

  33. 3.Alessandro Algardi .Nació en Boloña, Italia. Arquitecto y escultor de obras en estilo Barroco. Sucesor de Lorenzo Berninien la corte papal de León XI. Primeramente estudió con el pintor y diseñador gráfico boloñés Agostino Carracci para luego derivar a la escultura con el maestro Conventi. Ya a los 20 años, sus esculturas era requeridas por nobles y religiosos. Dentro y fuera de Roma le fueron encargados múltiples trabajos para iglesias. La especialidad de Algardi son las escenas y alegorías religiosas como también mitológicas. Célebres son sus estatuas de metal, sobre relieves y bustos en mármol. Algardi muestra un estilo particular en sus obras. Muestra una atención obsesiva por los detalles de una fisionomía que resultaba psicológicamente reveladora en un estilo sobrio pero naturalista, siguiendo así la línea de profundización psicológica, más que la exaltación aparatosa. Prestó una atención minuciosa hacia las ropas y las telas, como puede verse en los bustos de Laudivio Zacchia, Camillo Pamphili, y de Muzio Frangipane y sus dos hijos Lello y Roberto. El tema era apto para un estado papal que buscaba influencia, puesto que representa la leyenda histórica referente al más grande de los papas llamados León, quien con ayuda sobrenatural, derrotó a los hunos y les impidió saquear Roma. Desde un punto de vista barroco es un momento de intervención divina en los asuntos humanos. Sin duda alguna, el mensaje de su patrón sería que se recordaría seriamente a todos los espectadores la capacidad del papa de invocar la retribución divina contra sus enemigos.

  34. 4.Donatello,1386-1466.Nació en Florencia, Italia. Escultor célebre preferentemente de temas religiosos, considerado el máximo exponente de su disciplina en el Renacimiento italiano. Donatello sentó bases claras respecto a la escultura renacentista y fue el estilo a seguir de todos los escultores posteriores a él. De raíz clásica romana, dejó un legado magnífico puesto que sus obras fueron realizadas utilizando una vasta gama de materiales y técnicas, las que dominó a la perfección. Contemporáneo del gran escultor y también innovador Della Robbia, la historia sitúa a Donatello sobre este, y se basa en el aporte realizado al movimiento de renovación artística que desterró los estilos medievales. Prolífico como el solo, el inigualable Donatello dejó un legado de, piezas de estilo original, que hasta su aparición nadie había creado. Esculpe, talla y graba utilizando mármol, metal, madera, terracota y piedras nobles. San Marcos está retratado con una cabeza barbuda, de antiguo filósofo, y con un vestido anudado a la cintura. El rostro está esculpido con una expresión de seriedad digna y de integridad espiritual, que recuerda la de San Juan Evangelista de unos pocos años atrás. La pierna izquierda de San Marcos tiene una suave inclinación pero de una manera ponderada, esto no va en detrimento de la postura erguida y solemne. El pequeño giro del cuerpo está realizado para sobresalir ligeramente la estatua de la hornacina, evitando la rigidez de una posición estrictamente frontal: la mirada del santo parece. San Marcos. San Jorge El San Jorge del año 1417 . La figura, ligeramente en rotación alrededor del eje central, se basa en la superposición de tres líneas ovales: la cara con las cejas, el pecho y el escudo. El trazo de la cabeza, en la dirección opuesta a la del torso, es un recurso del artista para dinamizar la obra. El bajo relieve en piedra de la base, probablemente añadido dos años más tarde, fue tallado con la técnica de stiacciato; es uno de los primeros ejemplos de una perspectiva central de punto de fuga, con carácter horizontal y que converge en el grupo central, con la representación de San Jorge salva a la princesa, sacado de La leyenda dorada de Jacobus de Voragine. Las líneas de la capa, la armadura del santo y las alas abiertas del dragón, que captan la atención de la mirada del asistente, están en la línea del estilo gótico tardío. Pero la nueva concepción del espacio, que parece extenderse más allá del marco del bajo relieve, son también punto de referencia. Como lo es la innovadora función de la luz que sobresale del punto focal de la acción

  35. 5.Benedetto Antelami (1170-1230) Nació en Italia y trabajó en la ciudad de Parma. Escultor de estatuas y sobrerrelieves de marmol en estilo Romanesque de fines del período arquitectónico Románico y principios del Gótico. También arquitecto y decorador, Antelami y su padre reinaron en la escultura hasta la aparición posterior del célebre maestro Nicola Pisano, referente principal de la escultura clásica italiana.Benedetto Antelami agrega un nuevo dramatismo a la escenas, desconocido para su tiempo cuando era popular la formalidad y sencillez de la escultura románica.

  36. 6.Alonso Berruguete es un representante manierista dentro de la corriente escultórica renacentista que a lo largo del s.XVI tuvo lugar en España . Formará parte, junto con Diego de Siloé y Bartolomé Ordóñez, del denominado grupo de las "águilas del Renacimiento español". Formados en Italia, regresarán a España hacia la segunda década de 1500 trayendo consigo lo asimilado en el país itálico y contribuyendo, de esta manera, a la renovación de la escultura del momento. Cada vez más alejada del quattrocentismo inicial, lo constituya Burgos, será Valladolid la ciudad que verdaderamente se erija en capital de la escultura castellana renacentista una vez truncado el porvenir de la escuela burgalesa debido a la ausencia de Siloé y la muerte prematura del joven Ordóñez. El estilo predominante de esta nueva tendencia escultórica derivará hacia fórmulas dramáticas aprendidas del estudio de la obra de artistas italianos aunque, eso sí, interpretadas en clave muy distinta en cada uno de los casos, siendo el más experimental de los tres Berruguete, el cual derivará hacia formas y conceptos manieristas. Las características propias del quehacer escultórico de Berruguete, su intenso sentido dramático así como las frecuentes incorrecciones, son muy apreciables en el Retablo de la Mejorada de Olmedo (1525-1526), en el cual los personajes aparecen trazados con un ardoroso arrebato, llegando incluso a olvidar Alonso en ocasiones (o pareciéndolo al menos) la necesidad de la ejecución de unas proporciones adecuadas a la ubicación de las figuras. Serán, sin embargo, la inestabilidad y deformación de los personajes muestras apreciables ya del análisis y recorrido que de y por los sentimientos realice Berruguete en sus composiciones. Con respecto al Retablo de San Benito (1526-1532), en sus figuras es posible encontrar un ejemplo de la convivencia de las formas italianizantes con el dramatismo miguelangelesco: cabezas berruguerescas (en las cuales se puede apreciar la influencia de Donatello) en un ejercicio de manifestación del dolor, indumentarias manipuladas con paños que parecen flotar, cuerpos dónde se realiza un auténtico estudio de la anatomía masculina, líneas retorcidas sobre su propio eje en una espiral ascendente que estiliza las figuras, imperfecciones en la ejecución de la talla…Todo ello al servicio de un resultado en el que la gracia y el temor se mezclan a partes iguales. Será sin embargo el trabajo realizado en la Sillería del coro de la Catedral de Toledo (1539-1543) una de sus más bellas obras.

  37. 7.Lorenco Ghiberti.Florencia, 1378-id., 1455) Escultor y orfebre italiano. Comenzó su actividad artística como orfebre, pero fue una personalidad modesta hasta 1401, cuando participó con El sacrificio de Isaac en el concurso para la realización de las segundas puertas (o puertas norte) del baptisterio de Florencia, en el que resultó ganador, imponiéndose, entre otros, a Brunelleschi. Las puertas norte, realizadas de 1403 a 1424, incluyen veinte episodios de la vida de Cristo y ocho figuras de santos, talladas con el estilo elegante y minucioso, lleno de detalles, que caracteriza la escultura gótica. En 1425, el gremio de comerciantes de Florencia, satisfecho con su trabajo, le pidió que se ocupara también de las puertas este, que centraron su actividad hasta 1452. Sus diez grandes plafones de bronce dorado representan escenas del Antiguo Testamento en un estilo que nada tiene que ver con el anterior, por sus figuras poderosas, construidas sobre fondos de paisaje en los que se aplican con rigor las reglas de la perspectiva renacentista. Son, pues, estas puertas una obra típica ya del Renacimiento y que gozó de merecida fama en su tiempo, hasta el punto de que muchas grandes figuras del arte viajaron a Florencia para admirarlas. Vasari relata que Miguel Ángel las consideró dignas de ser las puertas del Paraíso, nombre con el que se las designa habitualmente. Atendiendo a las leyes de la óptica, las figuras a lo lejos parecen de bulto entero y no de mediorelieve. La maravilla de un increíble efecto plástico, superando hasta los mismos resultados de los pintorescos relieves helenísticos. Al contemplar de cerca los grupos de personajes de estas puertas comprendemos el genio de Ghiberti que, con esas pequeñas figuras tan bien situadas en una atmósfera impalpable que parecen respirar, inaugura una nueva comprensión poética del hombre y de la vida: La del Renacimiento. Ghiberti concluyó esta obra en 1452.

  38. 8.François Joseph Bosio fue un escultor monegasco (Mónaco, 1768 - París, 1845 Nacido en Mónaco, Bosio fue alumno del escultor Augustin Pajou y trabajó primero en Italia para las iglesias en el decenio de 1790. Más tarde fue contratado por Vivant Denon en 1808 que le confió la ejecución de los bajo relieves de la Columna Vendôme de la Plaza Vendôme de París y de ser el retratista de Napoleón y su familia. Ejecutó también un busto de la emperatriz Josefina. Bosio ejecutaría las alegorías de Francia y la Fidelidad para el monumento que concibió el arquitecto Louis-Hippolyte Lebas para el Palacio de Justicia de París. Este último sería inaugurado en diciembre de 1822. En 1821, Luis XVIII lo elevó al nivel de caballero de la Orden de San Miguel. Esculpió más tarde la estatua ecuestre del rey Luis XIV para la Plaza de las Victorias, luego se hizo oficial de la Legión de honor.

  39. 9.Edmé Bouchardon (1698-1762) Nació en Chaumont, Francia. Escultor, grabador y pintor de estilo clásico antiguo dedicado a la creación de estatuas metálicas, fuentes, piletas, esculturas religiosas y mitológicas en marmol. Antes de ser reconocido en su país estudió y esculpió en Roma por más de 10 años donde recibió la influencia que muestra en sus obras. De padre y hermano escultores, Bouchardon fue exponente emblemático de la corriente artística que retomaba la forma y pureza del estilo italiano antiguo en contraposición del recargado Rococó reinante. Su obra resistió a la tendencia barroca de la época y permaneció fiel a los principios del clasicismo, siendo notables por la gracia y por el esmerado acabado de la superficie del mármol.

  40. 10.Filippo Brunelleschi.(Florencia, 1377-id., 1445) Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura. No es de extrañar, por tanto, que participara en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó segundo, después de Ghiberti. Se dice que su decepción por este relativo fracaso fue tal que en lo sucesivo decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A Brunelleschi se debe, de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva central, tal como afirma Alberti en su famoso tratado Della pintura. Pero en su época, su fama estuvo asociada, sobre todo, a la cúpula de la catedral de su ciudad natal, Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron. En el plano de la arquitectura, Brunelleschi investigó los viejos edificios del clasicismo romano levantando planos, plantas y alzados, obsesionado por representar la arquitectura tridimensionalmente.

  41. 5.Libres.

  42. 1.Martin C. Scorsese(17 de noviembre de 1942) es un  director, guionista, actor y productor de cine estadounidense, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA. Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos , el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (sobre Bob Dylan y  Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. El Aviador es una película que dramatiza la biografía de Howard Hughes, pionero de la aviación. Narra su vida desde la década de 1920 hasta la década de 1940, época en que Hughes dirigía y producía sus propias películas en Hollywood y también pilotaba sus propios prototipos aéreos. En una porción al inicio del filme, las escenas aparecen coloreadas de azul. Scorsese mandó sustituir el color verde por el azul para simular una vieja técnica de dos tonos en filmes Technicolor. Se considera a este film como una de las caracterizaciones más cercanas a la personalidad de Hughes interpretada por Leonardo Di Caprio. Gangs of New York (titulada Pandillas de Nueva York en Argentina) es una película del año 2002. situada en la mitad del siglo XIX en el distrito de FIVE Points de Nueva York. Fue nominada a diez premios óscar de la Academia incluyendo mejor película y mejor director, sin embargo, no ganó ninguno. La película se inspiró en el libro Gangs of New York (1928), de Herbert Asbury, pero la adaptación fue tan grande que fue nominada al  Mejor guión original. The Departed (Infiltrados o Los infiltrados, en español) es una película de 2006, del género thriller policiaco, dirigida por Martin Scorsese, ganadora del Premio Oscar a la mejor película en la entrega número 79 de los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Martin Scorsese recibió el Óscar al mejor director, Thelma Schoonmaker el Óscar al mejor montaje y William Monahan el Óscar al mejor guión adaptado, todos por su respectiva labor en este filme.

  43. 2.Pedro Almodóvar Caballero(nacido en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 24/09/1949 guionista y productor español, el que mayor resonancia ha logrado fuera de dicho país, habiendo recibido los principales galardones El cine de Almodóvar cultiva un naturalismo que destruye el usual costumbrismo burgués del cine español. Suele representar, por el contrario, una realidad marginal o del subproletariado urbano y abunda en elementos escandalosos y provocadores: policías corruptos, consumo de drogas, maltrato, prostitución, niños precoces, paletos filosóficos, marujas desesperadas, homosexualidad desgarrada, etc., todo ello sin renunciar a su humor irreverente y sin dejar de provocar con heterodoxas escenas de sexo. Su primer trabajo cinematográfico , se circunscribe dentro de este estilo Punk. Con el tiempo, sin embargo, va puliendo su escritura y desarrollando guiones cada vez más sofisticados y coloristas, muy cercanos al melodrama clásico inspirado en Douglas Sirk. En películas posteriores como ¡Átame!, clasificada inicialmente como X en Estados Unidos (a raíz de esta película, nació la clasificación americana NC-17, también adjudicada a La mala educación), una mujer llega a enamorarse de su secuestrador e incluso, según ataques de sectores reaccionarios de la sociedad española, en Kika llega incluso a trivializar la violación. También abundan, entre sus fuentes de inspiración, casi siempre autobiográficas, los elementos buñuelescos y anticlericales, como el humor negro o el cura pederasta de La mala educación, o pertenecientes al casticismo, la cultura de masas y el arte de vanguardia. Almodóvar mezcla en sus películas lo tradicional y lo transgresor. Es característica su afición a los boleros, y en general a la estética más punk , Cutre Lux y transgresora, basada en la utilización de colores muy vivos y fuertemente contrastados, exteriores vulgares y degradados y las desproporciones violentas entre los intérpretes humanos y los entornos físicos de los edificios. Su experiencia como actor y cantante lo ha hecho transformarse en un importante director de actores, y como guionista pergeña especialmente bien los personajes femeninos y las historias cargadas de dramatismo.

  44. Tacones lejanos Rebeca trabaja como locutora de telediarios en una cadena que dirige su marido, Manuel. Su marido fue el gran amor de la madre de Rebeca, Becky del Páramo, antes de que ésta la abandonara para dedicarse a su carrera como cantante, y no sabe que Rebeca es hija de Becky. Quince años después la madre vuelve a Madrid para actuar y arreglar algunas cuentas pendientes, especialmente la relación con su hija Rebeca. La noche de su llegada, Becky cena con Rebeca y Manuel. Juntos van a ver a un imitador de Becky, el transformista Femme Letal. Rebeca le dice a su madre que cuando la añoraba iba a ver a su imitador. Como las relaciones entre Rebeca y Manuel no marchan bien, él intenta reavivar su viejo amor con Becky, quien no acepta su ofrecimiento, a pesar de que Manuel le dice que piensa divorciarse de Rebeca. Una noche, Manuel aparece asesinado en su chalet. ¡Átame! (conocida internacionalmente como Tie Me Up, Tie Me Down!) es una película española de 1990 .Tuvo 15 nominaciones a los Goya, pero no pudo conseguir ningún galardón. El joven Ricky (Antonio Banderas) es huérfano desde los tres años y toda su vida la ha pasado en diferentes instituciones sociales y reformatorios. Por su parte, Marina (Victoria Abril) es una mujer que ha tenido problemas con las drogas y trabaja como actriz en películas pornográficas y de terror. Fascinado por ella, Ricki la rapta, dispuesto a hacer todo lo posible para que Marina corresponda a su amor. El rechazo inicial de la mujer, y sus inútiles intentos de huir, van dejando paso a una progresiva hermandad entre ambos, finalmente convertida en auténtico amor. Pedro Almodóvar, entre bisturíes y trasplantes de piel Almodóvar reúne a Antonio Banderas y Marisa Paredes en “La Piel que Habito”, el filme que comenzó a rodar en Galicia el 23 de Agosto. En esta adaptación libre, Almodóvar narra una historia en la que se retratan los desvelos del doctor Ledgard, un eminente cirujano plástico, por crear una nueva piel gracias a los avances de la terapia celular. Su mujer falleció quemada en un accidente de coche y Ledgard, doce años después y obsesionado con crear una nueva piel con la que hubiera podido salvarla, consigue su objetivo cultivándola en su laboratorio gracias al desarollo de la terapia celular. Para ello, no dudará en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada: la transgénesis con seres humanos.

  45. 3.Matthew Abram Groening (15 de febrero de 1954,Portland, Oregón ) es un dibujante, productor de televisión y escritor estadounidense, principalmente reconocido por ser el creador de los Simpson. Es también el creador de Futurama y el autor de la tira cómica semanal Life in Hell. Groening publicaba Life in Hell en el semanario de Licorice Pizza, una tienda en la cual trabajaba. Hizo su primer venta como caricaturista profesional a la revista Wet en 1978. La tira todavía se publica en 250 periódicos semanal. Los Simpson es una suerte de sátira a los típicos problemas y acontecimientos sociales, políticos, tocan temas familiares e incluso la religión y una mezcla de razas y etnias de manera excelente y sin dejar de lado ese humor clásico al que nos tienen acostumbrados los entrañables personajes amarillos de la serie Futurama” una serie ambientada en una ciudad futurista en el año 3000 fue estrenada en televisión el 28 de marzo de 1999 hasta que fue cancelada por la Fox cuatro años después. No obstante la serie ha sido un éxito en ventas de sus temporadas en DVD y aún es transmitida por la Fox para la audiencia hispanoamericana.

  46. 4.Juan Ramón Jiménez Mantecón ( Moguer , Huelva, 23 de diciembre de 1881 – San Juan, Puerto Rico, 29 de 1958) fue un poeta español, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1956, por el conjunto de su obra, designándose como trabajo destacado de la misma la narración lírica Platero y yo. Aunque por edad pertenece a la segunda generación, tiene una estrecha relación con las dos que la rodean. Se sumó al modernismo, siendo maestro de muchos de los autores vanguardistas . Busca conocer la verdad y de esta manera alcanzar la eternidad. La exactitud para él, es la belleza. La poesía es una fuente de conocimiento, para captar las cosas. Juan Ramón Jiménez tiene una poesía panteística, exacta y precisa. Su poesía evoluciona de forma que se distinguen dos épocas. La primera acaba al iniciarse la segunda en 1916. Escribió el «Diario de un poeta recién casado» en el que cuenta su luna de miel en EEUU. Los temas son el amor, la realidad de las cosas... otro de sus éxitos fue «poemas májicos y dolientes», extravagante título en el que se destaca la forma personal de escribir de Juan Ramón, que siempre escribía «j» antes de «e, i». Juan Ramón tuvo siempre presente a su ciudad natal como inspiración y referente, tal como quedó reflejado en toda su obra. Platero es pequeño, peludo, suave; tan blando por fuera, que se diría todo de algodón, que no lleva huesos. Sólo los espejos de azabache de sus ojos son duros cual dos escarabajos de cristal negro.

  47. 5.Nicolás Copérnico   (Toruń, Prusia, Polonia, 19 de febrero de 1473 – Frombork, Prusia, Polonia, 24 de mayo de1543) fue el astrónomo que estudió la primera teoría heliocéntrica del Sistema Solar. Su libro, "De revolutionibus orbium coelestium" (de las revoluciones de las esferas celestes), es usualmente concebido como el punto inicial o fundador de la astronomía moderna, además de ser una pieza clave en lo que se llamó la Revolución Científica en la época delRenacimiento. Copérnico pasó cerca de veinticinco años trabajando en el desarrollo de su modelo heliocéntrico del universo. En aquella época resultó difícil que los científicos lo aceptaran, ya que suponía una auténtica revolución. Entre los grandes eruditos de la Revolución Científica, Copérnico era matemático, astrónomo, jurista, físico, clérigo católico, gobernador, administrador, líder militar, diplomático y economista. Junto con sus extensas responsabilidades, la astronomía figuraba como poco más que una distracción. Por su gran contribución en el campo de la astronomía, en 1935 se decidió llamarle en su honor «Copernicus» a un cráter lunar visible con la ayuda de binoculares, ubicado en el Mare Insularum. El modelo heliocéntrico es considerado una de las teorías más importantes en la historia de la ciencia occidental. • Las ideas principales de su teoría son: • Los movimientos celestes son uniformes, eternos, y circulares o compuestos de diversos ciclos (epiciclos). • El centro del universo se encuentra cerca del Sol. • Orbitando el Sol, en orden, se encuentran Mercurio, Venus, la Tierra y la Luna, Marte, Júpiter, Saturno. • Las estrellas son objetos distantes que permanecen fijos y por lo tanto no orbitan alrededor del Sol. • La Tierra tiene tres movimientos: la rotación diaria, la revolución anual, y la inclinación anual de su eje. • El movimiento retrógrado de los planetas es explicado por el movimiento de la Tierra. • La distancia de la Tierra al Sol es pequeña comparada con la distancia a las estrellas.

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