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Philip Guston

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Presentation Transcript
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Philip Guston (Montréal, 27 de julio de 1913 - Nueva York7 de junio de 1980 en Nueva York) fue un célebre pintor de la Escuela de Nueva York en la que se encuentran numerosos pintores del expresionismo abstracto como Jackson Pollock y Willem de Kooning. En los años 1960, Guston llevó a cabo la transición del modernismo hacia el postmodernismo en pintura, abandonando lo que se llamó la «abstracción pura» del expresionismo abstracto en favor de un estilo más cercano al tebeo para rendir diversos símbolos y objetos personales de la vida cotidiana.

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Philip Guston, del expresionismo abstracto a la pintura figurativa Philip Guston, hijo de inmigrantes ruso-judíos, nació en un gueto de Canadá y creció en California antes de asentarse definitivamente en Woodstock, Estado de Nueva York.

Philip Guston retorna, en 1970, a la pintura figurativa tras haber encabezado la revolución del expresionismo abstracto junto con sus colegas de la influyente escuela de Nueva York.

Amigo de Jackson Pollock, al que siguió desde Los Ángeles hasta Nueva York y con el que compartió los ideales del expresionismo abstracto, Guston dio en 1970 un sorprendente viraje hacia sus orígenes figurativos en trabajos de una fuerte carga autobiográfica y social.

El arte de Guston refleja el diálogo interno que el artista mantuvo constantemente con sus demonios personales. La visión de niño de su padre ahorcado de una soga; la muerte por gangrena de un hermano mayor, la proximidad de su propio ocaso tras sufrir un ataque de corazón... se translucen en la tela a través objetos, figuras y formas que se van repitiendo a lo largo de las décadas (dando pistas de la personalidad del autor y de la sociedad que le rodea):

- Una bombilla suspendida de un cordel- Los encapuchados- El brazo acusador- Las piernas kilométricas- Las suelas de zapatos- Cigarrillos y puros perennemente encendidos...

Es evidente, el progreso natural del lenguaje estilístico de Philip Guston y su creciente influencia en generaciones posteriores de artistas occidentales.

Cinco décadas de trabajo creativo de Philip Guston (1913 - 1980) transitan por distintos campos creativos describiéndose una evolución continua como artista:

- El realismo simbólico, la pintura abstracta y la figuración autobiográfica (con fuerte carga personal y social).

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Philip Guston se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1937, animado por su antiguo compañero de colegio, el pintor Jackson Pollock. Era la época de los grandes murales apadrinados por el Gobierno Federal y, también, de la creación de un círculo de artistas que redefiniría el arte estadounidense con su adhesión al expresionismo abstracto:

- Franz Kline, Mark Rothko, Willem de Kooning, BarnettNewman, Jackson Pollock... etc

Guston refleja en sus cuadros, figurativos o abstractos, su decepción con la historia de la humanidad, con lo inevitable en cuanto a las barbaries humanas y al cometer siempre los mismos terribles errores.

Es en 1970, en la exposición de la galería Marlborough de Nueva York, Guston desvela su retorno a la figuración, con imágenes de tono infantil y fondo perverso.

Para Philip Guston, el arte abstracto había llegado a un punto muerto. A medida que avanzaban los años sesenta Guston se sentía dividido, esquizofrénico.Dijo entonces:

"La guerra de Vietnam, la situación en EE.UU,la brutalidad del mundo. Qué tipo de persona soy: leo revistas, en casa, y me acosa una furia frustrante; pero luego voy al estudio a ajustar un rojo sobre un azul. Debía hacer algo. Sabía que se estaba abriendo una senda delante de mí. Una senda cruda, a medio formar. Quería ser un todo de nuevo, como lo era de niño... quería ser una unidad entre lo que pienso y lo que siento."

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Rio de Janeiro, 1960

  • Reconocidaartistabrasileña. La obra de Milhazes se distingue por el colorismobarroco de unoslienzosque en la inmediatez de unaprimeramiradaparecendeclararcomoevidentesucondicion de pintura de formasorganicas.
  • Se hancelebradonumerosasexposiciones de la obra de Beatriz Milhazes, incluyendo: - Paço Imperial, Rio de Janeiro - Tate Liverpool, Liverpool - Projects, Museum of Modern Art, Nueva York - MuseoNacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid - Keemper Museum of Art, Kansas City - Contemporary Arts Museum, Houston - Inverleith House, Edimburgo
  • Tambien ha participado en la XXIV BienalInternacional de Sao Paulo, Brasil y en la 11ª Bienal de Sydney, Australia.

http://www.youtube.com/watch?v=WZ2lsc3yZH8&feature=player_embedded#t=199

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Menino

Pescando, 1997

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Luego de la caída del Muro de Berlín en 1989, Schnell, quien vivía en la antigua Alemania Occidental, fue a estudiar en Leipzig, en el país entonces conocido como Alemania Oriental. (Ambas naciones se reunificaron en 1990). En Leipzig desarrolló sus habilidades en la pintura figurativa, la serigrafía, el grabado y la fotografía. En una entrevista con El Nuevo Día, el pintor dio a conocer en forma exclusiva sus inquietudes y aspiraciones.¿Qué te motivó a viajar a Leipzig?“Mi interés es crear unas imágenes donde el espacio es más importante que las figuras. Sólo pienso en composiciones cuando creo. Pienso, por ejemplo, ¿quién podría vivir aquí (dentro de las pinturas) una vez terminadas?”Quería aprender estas técnicas ya que en Alemania Occidental no había una universidad que las enseñara. Los maestros eran también muy modernos. El ambiente fomentaba que nos concentráramos en las clases. Ninguno de nosotros estábamos pendientes al mercado del arte, lo que nos dio la posibilidad de concentrarnos en nuestros estudios. Estudiar, estudiar, estudiar. Eso fue lo que hicimos.¿A qué conclusiones fundamentales llegaste durante tus años de estudio?Mis amigos artistas y yo decidimos que queríamos pintar. Pintar para vivir de la pintura. Nos dimos cuenta que no tenía sentido ir a una galería a preguntar si ellos querían vender tu trabajo, así que decidimos hacer nuestra propia galería. Fue muy simple, arrendamos un espacio en Berlín y allí 10 artistas dimos un poco de dinero para cubrir los gastos y abrimos una galería. Y funcionó. Utilizamos el diseño gráfico que aprendieron algunos compañeros en la universidad para darle promoción de todo tipo a nuestras exhibiciones.

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Pero ahora exhibes individualmente y te dedicas solamente a pintar.Sí, pero estoy consciente de que he tenido mucha suerte de poder vivir de la pintura. En Alemania solamente el 2% de los artistas viven del arte. Los artistas tienen que hacer cosas juntos porque solo no lo logras. Es porque trabajamos en conjunto que la gente se dio cuenta que estábamos ahí. Al inicio hay que estar juntos. Los artistas que comienzan deben organizarse en grupo en algún lugar.Has logrado convertirte en un artista bastante reconocido. ¿Cómo lidiaste con esto al principio?Aprendí a lidiar porque me di cuenta que no puedo hacer más de 10 a 12 pinturas al año. Cuando comencé a tener éxito me invitaban a muchísimas exhibiciones. Pero no funcionó así para mí. Decidí quedarme con mi galería y así trabajo a mi ritmo.Trabajo por semanas en una pintura y de pronto pinto algo en el canvas y todo hace sentido.¿Qué contienen tus pinturas?Formas y objetos que no existen en la realidad o cosas que sí existen y que se convierten en otra cosa una vez están en el cuadro. ¿Tienen algo que ver mis pinturas con la realidad o no? Es una de las preguntas que me hago todo el tiempo.Háblame un poco de tu relación con los colores.En ocasiones utilizo un mismo grupo de colores por un tiempo largo, incluso hasta un año. Es muy difícil para mí separarme de algunos colores, por eso me obligo a cambiar luego de un tiempo mi paleta de trabajo. Escojo un color que nunca utilizaría... y que luego me termina encantando. La última pintura que hice para el show en Ponce es muy oscura lo que es muy raro para mí.¿Y tu relación con el espacio?Mi interés es crear unas imágenes donde el espacio es más importante que las figuras. Solo pienso en composiciones cuando creo. Pienso, por ejemplo, ¿quién podría vivir aquí (dentro de las pinturas) una vez terminadas?”.

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Barakat nació en el campamento para refugiados de Jabalya en Gaza en 1959. Estudió bellas artes en la Universidad de Alejandría. Exhibió en Jerusalén y Ramallah, y tomó parte en varias exhibiciones grupales en Jerusalén, Israel, la Ciudad de Gaza, Estados Unidos, y en Marruecos. Tomó parte en 1996 en el Polo de Sao Bienal y en la Exhibición palestina palestino francés Spring en el Instituto del Mundo Árabe de París. Es miembro ?de la Nueva Visión? grupo de artistas que promovió en los años 1980 el uso de medios locales como paja, arcilla, alheña, cuero, etc. en obras de arte. Es también miembro fundador Centro de Arte de Wasiti de Jerusalén. Fundó en 1998 la galería Cafetería/Arte Ziryab en Ramallah.

El Barakat comenzó a pintar en óleo. Pero bajo la influencia ?de la Nueva Visión? el movimiento del cual él es un miembro, el arte de Barakat ahora se concentra exclusivamente en el uso de la madera quemada; paneles, instalaciones o esculturas.

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New art makes us reconsider the art of the past. It reshapes our image of the past. And I think the history of twentieth-century art will continually be reconsidered in terms of film, video, photography, and technology. If you look at the "Dalí: Painting & Film" show we just did at LACMA, you realize that Dalí was not merely applying his ideas about painting to film. It was film--and how the medium displaced time and space--that gave him clues about how to create his new aesthetic of dream imagery. This does not mean painting is dead, as has been predicted again and again, wrongly. And this does not mean all artists working with photography are photographers. There\'s a big dose of film and photography in Andy Warhol, who is still collected as a painter. But mark my words: As time goes on, it will be Warhol\'s use of film and photography that will emerge as one of the most important aspects of his work.

  • I picked these five artists for this portfolio because they all point to the future. I avoided selecting anyone who has had phenomenal market success like Jeff Koons--who I do think will stand the test of time--in part because the market obscures our ability to give these kinds of artists thoughtful consideration. All of the artists I chose are under the age of fifty. They all put film, video, or technology to interesting, though often subtle, uses. And they all deal with issues of pressing global concern: intellectual property in the information age, the arbitrariness of geopolitical boundaries, our relationship with animals, or the growth and increasing relevance of what we used to call the Third World.
  • Yet the powerful thing is that their work is not didactic or specific to politics today; it has a very open structure. A great artwork leaves enough room for viewers from other times and places to project their own ideas onto it.
  • -As told to JoriFinkel
  • Read about Govan\'s picks:Pierre HuygheDiana ThaterFrancis AlysJorge PardoGimhongsokRead more: http://www.esquire.com/features/esquire-museum-contemporary-art-1008#ixzz0RqIkP4M4
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Pierre Huyghe (nacido en 1962) es un artistafrancés.

En 2001, Huyghe representó a Francia en la Bienal de Venecia, ganando un premio especial del jurado.

Huyghe, fue ganador del premio Hugo Boss en 2002.

Tras los elaborados experimentos tecnológicos llevados a cabo por este artista francés hay una preocupación fundamental por los enigmas que despiertan la imaginación.

Su sensibilidad, al menos en algunas de sus obras, se encuentra más próxima al simbolista Maurice Maeterlinck quien, según Kandinsky, creó una atmósfera de fuerzas invisibles y sombrías. en su obra "“Les grandsEnsambles”,tiene un interés más estético que sociológico, preocupando más por la niebla, el humo y las nubes.

El autor ofrece una explicación de la obra, una proyección sobre una gran pantalla de dos torres típicas de viviendas de bajo presupuesto, en las que un ballet de ventanas iluminadas se alterna con ventanas apagadas, como si la niebla nocturna viniera y se fuese y el viento azotase los árboles del fondo.

Huyghe dice que su obra está basada en unos proyectos arquitectónicos de la década de los 70 que “terminaron siendo un fracaso arquitectónico y social”. Tal y como lo explica se trataba de una transgresión de las teorías de Le Corbusier. “Sin principio ni fin, las dos torres de edificios dialogan en un extraño código Morse a través de la luz de sus respectivas ventanas, en una existencia parpadeante”. El espectador puede advertir fácilmente, prescindiendo del comentario social implícito en la explicación de Huyghe, que hay un mensaje enormemente triste, así como algo misterioso que no requiere de las famosas explicaciones académicas.

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La videoartista californiana Diana Thater(San Francisco, 1962) recibió su formación en el Art Center College of Design de Pasadena, donde se diplomó en 1990. En sus obras se especializa en la investigación de la estética del medio videográfico, tan influida por la técnica. Así trabaja con varias cámaras sincronizadas cuyas imágenes mezcla en una grabadora. Añadiéndoles o suprimiendo colores modifica las imágenes que se solapan. Muestra también instalaciones de video divididas de tal manera que nunca permiten ver completamente la película. A veces involucra al espectador interponiéndolo entre el proyector y la pantalla, buscando romper así la frontera entre realidad e ilusión.Diana Thater ha participado en las Bienales de Lyon, Seoul y del WhitneyMuseum de Nueva York (1996), así como en el certamen de escultura de Münster (1997). Ha sido expuesta en la muestra Diana Thater: Delfines en la WienerSezession y ha actuado también como comisaria en exposiciones del Kunstverein de Salzburgo, con gran reconocimiento público.

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Francis Alÿs es el más latinoamericano de todos los artistas europeos. Tras varios años deambulando sin rumbo por Europa y agobiado por un constante afán de búsqueda y extravío, en 1986 decidió cambiar su condición de ciudadano belga y arquitecto de profesión por la de mexicano nacionalizado y artista con convicción. Hoy en día es uno de los artistas plásticos más importantes del mundo.

Al inicio de su carrera se le conoció por pinturas y letreros de barrio con los que cuestionaba la autenticidad y la reproducción en el arte contemporáneo; desde entonces ha explorado diversos formatos, que le han permitido ser parte de numerosas exposiciones colectivas y proyectos, los más destacados TheModernProcession (2002) en el MOMA –Museo de Arte Moderno de Nueva York- y Embajador (2007) en la Bienal de Venecia.Alÿs se autodefine como un artista inclasificable. Su producción artística incluye desde dibujos, óleos y acuarelas hasta video-instalaciones y performances, influenciados de igual manera, por el surrealismo, el arte urbano, la tecnología y la estética popular. Entender su trabajo es una tarea un tanto complicada, más no imposible.

Las obras de Francis Alÿs actúan como crónicas y relatos de un individuo que emigró del centro hacía la periferia. Ciudad de México es su musa inspiradora, a partir de ella reflexiona las inestabilidades sociales y las inconsistencias frente a las utopías de la modernidad que afrontan las ciudades tercermundistas; al mismo tiempo, su trabajo es una indagación intimista sobre su situación de nómada cultural y turista permanente.

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LouiseCarolineBourgeois (París, 25 de diciembre de 1911) es una conocida escultora y artista francesa.

LouiseBourgeois trabajó con FernandLéger antes de instalarse de Nueva York. Allí se casó con el historiador de arte estadounidenseRobert Goldwater en 1938.

Los padres de LouiseBourgeois eran restauradores de tapices, lo que, según ella, no fue determinante en su carrera artística. Sin embargo, desde los diez años empezó a ayudar a sus padres con los dibujos de los tapices y completándolos. Tras haber obtenido el bachillerato en 1932, estudió matemáticas superiores en la Sorbona y geometría, esperando encontrar así un orden y una lógica en su vida. Desde niña, era turbulenta y se dio cuenta de que su niñera era amante de su padre.

Una de las copias de Mamá, escultura de más de 9 m de alto.

Bourgeois se apartó de las matemáticas, en su opinión demasiado teóricas. Empezó estudios de arte en París, primero en la escuela de Bellas Artes y luego en muchas academias así como en la Escuela del Louvre. Tuvo por esa razón de profesores a artistas como Paul Colin, Cassandre o el mismo FernandLéger. En 1937 conoció a Robert Goldwater, que se casará con ella y con quien se trasladará a Nueva York al año siguiente. Allí prosiguió el camino que había iniciado en París y llevó a cabo sus primeras exposiciones, impregnando sus obras, en especial esculturas, de esa vena psíquica, procedente de sus traumas personales.

Plenamente consciente de esta dimensión de su obra, está sin embargo muy alejada de las representaciones literales que caracterizaban en especial al surrealismo en su relación con el inconsciente, y en ese sentido abrió una vía muy vanguardista del arte contemporáneo. Sus esculturas monumentales de arañas, construcciones oníricas, son uno de los ejemplos más conocidos.

En el 2003 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.

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Gimhongsok

http://www.lacma.org/ybf/artists/gim-wildKorea.html

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Jorge Pardo

Entre escultura, pintura, arquitectura y diseño se mueve la obra de Jorge Pardo (La Habana, 1963), desde sus inicios a finales de los años ochenta hasta hoy. La experiencia estética que puede vivir el espectador frente a sus trabajos representa la inquietud más relevante de este artista, que le motiva a plantear la inmensa mayoría de sus piezas como instalaciones o site-specifics… Aquí, se ponen de manifiesto las difusas fronteras de los distintos formatos que emplea el artista para construir su discurso, acción que se hace evidente en la transformación total que ha realizado de los espacios y salas… Cocina, jardín, habitaciones, salón o comedor quedan recreados en el MOCA Miami, siguiéndose la misma idea de la famosa instalación que años atrás realizara Pardo para el Museum of Contemporary Art. MOCA de Los Ángeles, cuando creó un espacio que constituye hoy su casa.

  • Grandes murales de fotos pegadas a las paredes
  • Objetos reales (sillas, mesas, lámparas) e imágenes en un juego entre lo tridimensional y lo bidimensional lo real vs. lo representado
  • Comienza con un sentido anecdótico y luego cada vez mas objetivo
  • Introduce ciertas contradicciones entre la forma y el contenido
fuentes
Fuentes
  • http://boxscoreendivselpuebloylacultura.blogspot.com/2007/11/david-schnell-en-el-map.html
  • http://www.palestinalibre.org/articulo2.php?a=1263
  • http://www.artedehoy.com/html/philipguston.html
  • http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=879&Itemid=12
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