40 principales del arte.

1. 40 principales del arte. Trabajo realizado por: Cristina García De la Rosa. Didáctica de la creación plástica y visual en educación primaria. Turno 5.

2. Pintura... …20 pintores

3. 1. Duccio di Buoninsegna (1255-1319) • El pintor mas famoso de la escuela de Siena. Se conoce muy poco de su vida, aunque se sabe que fue multado varias veces por delitos menores. • Aunque siguió en gran manera la tradición bizantina, introdujo un nuevo sentimiento de calor humano, elemento que le eleva en la pintura sienesa. Duccio recrea historias bíblicas con gran viveza, y supo hacer, como nadie antes que él, de los escenarios de sus obras un elemento dramático constitutivo de la acción, de forma que las figuras se hallan íntimamente relacionadas con el entorno. • Ejerció un enorme influjo en Siena (Simone Martín fue su mejor discípulo), influencia que se extendió hasta Francia, notándose especialmente en la obra de Pucelle.

4. …Duccio di Buoninsegna Sus obras… La Madonna Rucellai. Actualmente se encuentra en la Galería de los Uffizi, Florencia. Se trata de una obra pintada en el año 1285 al temple sobre tabla. Es el cuadro que pintó a Santa Maria Novella, de Florencia.

5. …Duccio di Buoninsegna Sus obras… La Maestá de la catedral de Siena, encargada en 1308 y terminada en 1311. Actualmente, la mayor parte de este elaborado retablo de dos caras se halla en el museo de la catedral, salvo algunas tablas de la predela que están dispersas fuera de Italia. El ansverso está constituido por una sola tabla representando la Virgen y el Niño en majestad, rodeados por ángeles y santos, y en el reverso de la misma tabla hay veintiséis escenas de la pasión de Cristo. Originalmente había escenas complementarias de la vida de Cristo encima y debajo de la tabla principal. Todo el conjunto es una soberbia muestra de dominio técnico, en la que el exquisito colorido y la flexibilidad del dibujo crean unos efectos de gran belleza.

6. …Duccio di Buoninsegna Sus obras… La adoración de los magos. Se trata de una obra pintada al temple sobre tabla entre los años 1308 y 1311, que actualmente se encuentra en la Opera del Duomo, Siena.

7. 2. Botticelli- Alessandro Filipepi (1445-1510) • Pintor florentino, uno de los más destacados del renacimiento florentino. Desarrolló un estilo personalísimo, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas. Fue discípulo de Fra Filippo Lippi, que ejerció la influencia más importante sobre su estilo. • Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente los Medicci, y, como integrante de la corte de Lorenzo de Medicci, recibió la influencia del neoplatonismo cristiano, que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Esta síntesis se expresa en La Primavera. • En 1481 fue uno de los artistas llamados a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Moisés y las hijas del Jetro, El castigo de Coré y La tentación de Cristo. • En la década de 1490 sufrió una crisis religiosa, aunque no abandonó la ciudad, donde moriría el 17 de mayo de 1510. Sus obras posteriores, como la Pietà, expresan una intensa devoción religiosa y un retroceso en el desarrollo de su estilo.

8. …Botticelli Sus obras… Alegoría de la Primavera. Obra pintada en 1478, que se encuentra en Uffizi, Florencia y cuyas medidas son 203x314 cm. Pintada al temple sobre tabla. En esta obra se puede ver a la derecha a Flora que, seguida por el Céfiro y poseída por él, esparce flores por el mundo. En el centro, Venus representa la humanidad y, para otros, el símbolo del amor material, o reina del amor y de la fiesta misma. Más a la izquierda, aparecen las tres Gracias danzando, asidas de la mano, representando la libertad. A la derecha se encuentra Mercurio, que disipa las nubes. Otros autores interpretan a Venus como la Humanitas misma, que separa los sentidos y los amores materiales, a la derecha, de los valores espirituales, a la izquierda.

9. …Botticelli Sus obras… El nacimiento de Venus. Obra pintada en 1486, que se encuentra en Uffizi, Florencia y cuyas medidas son 172.5x278.5 cm. Pintada al temple sobre tela. Representa el nacimiento de Humanitas, engendrada por la Naturaleza con sus cuatro elementos y de la unión del espíritu con la materia. Otros autores vieron la llegada de Venus, impedida por el Céfiro y Cloris, a la izquierda, a Sicilia. Otros también describen a la Hora en el momento de ir a tenderle un manto a Venus.

10. …Botticelli Sus obras… Regreso de Judith a Betulla. Obra pintada en 1472, que se encuentra en Uffizi, Florencia, cuyas medidas son 31x24cm. Esta pintada al temple sobre tabla ovalada. Es, probablemente la mitad de un díptico, formado por esta obra y El descubrimiento del cadáver de Holofernes.

11. 3.El Bosco – Hieronymus Bosch (1450-15516) • Pintor flamenco en activo durante 1450 y 1516. Es uno de los pintores mas estimulantes y enigmáticos de su tiempo. Nació en S´Hertrogenbosh (Bosqueducal) en Brabante septentrional (actual Holanda) y residió allí durante toda su vida. Desarrolló un estilo propio independiente de los de sus contemporáneos. • Su oposición a la iglesia católica le hacía contrario a las imágenes dogmáticas e iconografías cristianas al uso. Sus criaturas eran fantásticas y sobrenaturales, y su estilo arcaico. Sus imágenes se nutren en lo monstruoso y en lo metafórico de la naturaleza animal y de las fantasías de lo demoníaco. Sus figuras y paisajes eran dinámicas y siempre cambiantes. Más allá de las fantasías y de las extravagancias, fue un observador profundo y meticuloso de su entorno.

12. …El Bosco Sus obras… Tríptico de las delicias. Pintado entre 1503 y 1504 al óleo sobre tabla. Esta obra se encuentra actualmente en el museo del Prado, Madrid. Se trata de un conjunto de tres pinturas, cuyas medidas con 220x97 cm., 220x195 cm. y 220x97 cm. El tema de esta pintura es la creación del mundo. Se puede observar en el tríptico la creación de Eva y el pecado carnal, el árbol de la vida y la serpiente. La unión de ambos sexos, desnudos, que se abandonan a las dulzuras carnales, la fuente de la juventud y las mujeres bañándose en ella, representando la lujuria, la incredulidad, la vanidad y los goces pasados; la fuente del adulterio y las colinas habitadas por amantes, pecados todos de los humanos. Por último, muestra el castigo de estos pecados carnales y otras culpas, donde podemos ver al Satanás, que devora a los condenados, entre otras representaciones simbólicas.

13. …El Bosco Sus obras… El hijo pródigo. Se encuentra en Rótterdam, Museum Boymansvan Beuningen, mide 71x70.6 cm., y está pintado al óleo sobre tabla en el año 1510. Tanta riqueza de matices iconológicos indica una superación de las formas ondulantes de la madurez, puntualización de valores formales y pictóricos, donde la elaboración tonal del color, reducido a las gamas mínimas de grises y ocres, resuelve en apagada armonía los andrajos de la miseria material y moral para hacer de ellos un dato natural, un elemento del ilimitado paisaje holandés de colinas desnudas y dunas arenosas.

14. …El Bosco Sus obras… La nave de los locos. Se encuentra en París, en el Louvre, mide 57.8x32.5 cm. y está pintado al óleo sobre tabla entre los años 1490 a 1500. El tema es una sátira sobre la corrupción de la sociedad y del clero, no sin engranajes con el folklore y la literatura de la época. Son protagonistas una monja y un fraile franciscano; sobre un árbol, un loco bebe de una taza; debajo, vomita un convidado: símbolo de la disgregación del ser. El festín, con las cerezas, el pastel al que todos quieren hincar el diente, el pez que cuelga fuera de la borda, burlesco emblema de cuaresma, parece bastante mísero: existe solo en el desesperado deseo de los locos vividores. Único elemento de carne el pollo atado al mástil, que va a ser robado por un ladrón que sale de un arbusto de la orilla. Aparece también sobre el mástil, convertido en árbol de cucaña, la bandera con el símbolo de los lunáticos.

15. 4. Leonardo Da Vinci (1452-1519) • Nacido en Anchiano (Vinci), mas que cualquier otra personalidad del Renacimiento, Leonardo encarnó el ideal humanístico de persona cultivada en todas las disciplinas. • Este hijo de una sirvienta, nacido fuera del matrimonio, se convirtió en uno de los artistas más influyentes de todos los tiempos. Sólo se conocen 17 pinturas acabadas que sean suyas con total seguridad; sin embargo, inventó soluciones para todo tipo de problemas artísticos, y generaciones de artistas posteriores se han beneficiado de estas innovaciones. • Sus composiciones producen un extraordinario efecto de vivacidad, y son armónicas y fluidas. Son típicas de Leonardo las delicadas modulaciones de luz y sombra, sobre todo en los rostros y los paisajes de fondo. Sus figuras expresan sentimientos sutilmente diferenciados y aspiran a encarnar la belleza ideal. • El poder de innovación de Leonardo no se limitaba a la pintura. Sentía una enorme curiosidad por descubrir cómo funcionaban las cosas, lo que le llevó a estudiar medicina, óptica, anatomía, geología, cartografía y biología. Dejó bocetos y cuadernos con miles de atestadas páginas que demuestran su profundo conocimiento de los fenómenos naturales y hacen de él el fundador de las ilustraciones científicas. • Para Leonardo, el arte era una ciencia que requería una extrema atención al detalle y que estaba reflejada por entero en el cosmos. • Murió en el castillo de Cloux, en el Loira, en el año 1519.

16. …Leonardo Sus obras… La dama del armiño(“Cecilia Gallerani”), pintada en el año 1490. se trata de una pintura al óleo sobre tabla, de unas medidas de 55x40 cm, que actualmente se encuentra en el Muzeum Czartoryski, Cracovia. El retrato parece muy vívido no solo por la extrema sutileza de los detalles, sino también por la postura de la hermosa joven, que rebosa espontaneidad. Mientras gira a la izquierda, vuelve la cabeza hacia la derecha como si algo hubiera llamado su atención en esa dirección. De este modo, Leonardo evita la rigidez de la vista frontal o de perfil, tan habitual en los retratos de la época. El armiño está representado de forma muy naturalista; parece incluso más real en la parte en que ella lo toca con la mano.

17. …Leonardo Sus obras… La Última Cena, 1495-1497. Se trata de un fresco al secco, de 422x904 cm, que actualmente se encuentra en el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie, Milán. Los 12 discípulos se han reunido alrededor de Cristo pare celebrar la última comida de Pascua. Leonardo representa el momento de máxima tensión emocional, cuando Cristo dice: “Uno de vosotros me traicionará”. La dramática agitación de los apóstoles se transmite como una ola por toda la mesa. A la izquierda de Cristo, Judas, el traidor, se retira atemorizado. Cristo permanece firme en el centro y extiende las manos hacia el pan y el vino en referencia a la Eucaristía. Leonardo combina varias reacciones individuales, gestos y temperamentos. La perspectiva central, que se utiliza para representar la habitación, enfoca la atención del espectador hacia la figura de Cristo. Nunca antes se había presentado la Última Cena de un modo tan dramático. Leonardo pintó con temple y óleo sobre el muro seco, una técnica experimental que ha impedido una buena conservación de la obra. A pesar de los muchos intentos de restauración, sólo han quedado restos de la pintura original. La composición ha inspirado a infinidad de artistas, desde Rembrandt a Warhol.

18. …Leonardo Sus obras… Mona Lisa (“La Gioconda”), 1503-1506. Se trata de una pintura al óleo sobre tabla, de unas medidas de 77x53 cm. Actualmente, se encuentra en el Museo del Louvre, París. El aspecto realista de la Mona Lisa está basado en un uso minucioso de la geometría. El torso está algo girado a laizquierda, mientras que los ojos miran de frente al espectador, lo que da vida a la composición. La Mona Lisa es el retrato más famoso y, al mismo tiempo, más misterioso del mundo, ni siquiera se sabe si representa realmente a Lisa Gherardini, esposa del florentino Francesco del Giocondo. La especial magia del cuadro se debe quizás al uso del estilo llamado sfumato, que se caracteriza por la imprecisión de los contornos, sobre todo, en los rasgos faciales, pero también en los paisajes. De este modo, Leonardo se aleja de la extrema nitidez y precisión, así como de la rigidez característica de los retratos realizados hasta entonces. Los tonos se mezclan entre sí, el paisaje se funde con la figura humana, y el cosmos con lo humano: todo se hace uno.

19. 5. El greco (1541-1614) • Pintor greco-español, nacido en la isla de Creta en el año 1541 y fallecido en Toledo en el año 1614. poseía una instintiva inobservancia de las reglas de la perspectiva y de la estructura plástica renacentista, a favor de los valores de la expresión lírica y trascendental. • Estudió con Tizziano y asimiló expresiones artísticas muy heterogéneas: las composiciones arquitectónicas y el color suntuoso de Tizziano, el realismo y el interés por la vida cotidiana de Jacobo Bassano y , de modo particular, las masas desmaterializadas y la frenética vitalidad, siempre contenida dentro de una forma geométrica, de Tintoretto. • En 1570 se trasladó a Roma y volvió a Venecia en 1572. Entre 1575 y 1576 se estableció en España, en Toledo, conocido centro de la Contrarreforma católica. Aquí desarrolló un estilo estrictamente personal. • El estilo de El Greco se caracteriza por la sinuosidad de sus formas, al mismo tiempo escultóricas e impalpables (figuras con cuerpos estilizados y alargadísimos, y cabezas pequeñas y ovoides) y por un claroscuro distribuido irracionalmente, según un movimiento vertical discontinuo pero insistente. Distrae la atención de los centros focales, distribuidos en esquemas intrincados y geométricos, por medio de luces violentas y mutables, en un clima de exasperación dimensional del espacio.

20. …El Greco Sus obras… La trinidad. Se encuentra en Madrid, en el museo del Prado, y está pintado en óleo sobre tela con unas medidas de 300x178 cm, entre los años 1577 a 1579. La composición es muy original y presenta forma de corazón, dentro de la cual se desarrolla toda la acción del cuadro y de la que sólo queda fuera la paloma representante del Espíritu Santo. El centro del cuadro está dominado por el monumental cuerpo de Cristo, representado según las proporciones tradicionales y alejado de la estilización de las figuras que dominan en obras posteriores de El Greco. Sin embargo, es evidente el espíritu innovador manierista, reflejado en la serpenteante línea formada por la posición del cuerpo de Cristo y Dios Padre, así como por las irreverentes y exageradas reacciones de los ángeles.

21. …El Greco Sus obras… El entierro del conde de Orgaz. Se encuentra en Toledo, en la Iglesia del Santo Tomé. Es una pintura al óleo sobre tela que mide 460x360 cm., y que fue pintada entre los años 1586 y 1588. El cuadro representa las dos dimensiones de la existencia humana: abajo la muerte, arriba el cielo, la vida eterna. El Greco se lució plasmando en el cuadro lo que constituye el horizonte cristiano de la vida ante la muerte, iluminado por Jesucristo. En la parte inferior, el centro lo ocupa el cadáver del señor, y los santos del cielo: el obispo san Agustín, uno de los grandes padres de la Iglesia, y el diácono san Esteban, primer mártir de Cristo. El cuerpo humano ya no es la cárcel del alma, sino la materia animada por el espíritu, la materia que será definitivamente transformada en la resurrección. Aparecen dos personajes principales: el Greco, que nos mira de frente, invitándonos a entrar en el misterio admirable que contemplan nuestros ojos y su hijo, señalando con su dedo al personaje central.

22. …El Greco Sus obras… La idealizada figura de Jesucristo destaca vigorosamente del resto y parece ajena al gentío violento que lo rodea. Una figura en la parte trasera con un sombrero rojo apunta acusadoramente a Cristo, mientras otros dos discuten sobre sus vestiduras. Otro hombre vestido de verde a la izquierda de Cristo lo sujeta con una cuerda y va a proceder a desnudarlo para su crucifixión. Mientras otro vestido de amarillo en la parte inferior derecha se inclina hacia la cruz y perfora un agujero para facilitar la inserción de un clavo que atravesará los pies de Cristo. El rostro melancólico del Salvador queda violentamente yuxtapuesto a las figuras de sus ejecutores, que se amontonan en torno a él, creando una impresión de desorden con sus movimientos, gestos, picas y lanzas. En la parte inferior izquierda aparecen las tres Marías contemplando la escena con angustia. El expolio. Pintura al óleo sobre tela que mide 285x173 cm y se encuentra en la Catedral de Toledo, pintada sobre los años 1577 y 1579.

23. 6. Diego Rguez de Silva y Velázquez (1599-1660) • Nacido en Sevilla en 1599 y fallecido en Madrid en 1660, Velázquez es el principal pintor español y uno de los artistas mas famosos de todos los tiempos. • Destaca por el uso de las diagonales transversales, que le caracteriza. Fue pintor de Felipe IV, y pinto retratos ecuestres de la familia real. Su colocación en el paisaje demuestra que también domina esta técnica. • Pintó relativamente pocos temas religiosos, pero manifestó su espíritu cristiano con un inmenso respeto por el individuo. • Su influencia sobre las generaciones posteriores fue enorme. • Realmente universal, destacó en muchos campos, desde la pintura de género a la mitología, de los paisajes a los temas religiosos. Su forma de plasmar la luz, la atmósfera y el espacio fue revolucionaria. • En su madurez, no se dejó llevar por su habilidad pictórica y mantuvo un perfecto equilibrio de técnica y caracterización. La medida de la grandeza de Velázquez radica en que, a primera vista, sus obras parecen simples, pero ofrecen aspectos nuevos cada vez que se las contempla.

24. …Velázquez Sus obras… El triunfo de Baco(Los Borrachos). Es una obra pintada al óleo sobre tela, cuyas medidas son 165x225 cm. Es del año 1628 y actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Los contornos aparecen muy nítidos y los personajes viven por sí mismos, como estatuas, en un esquema compositivo perfectamente centralizado.

25. …Velázquez Sus obras… Las Hilanderas, año 1657. Se trata de una pintura al óleo sobre tela, de unas medidas de 220x289 cm. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Se observa que algunas soluciones de orden técnico anticipan el impresionismo, el puntillismo y otros aspectos pictóricos enlazados con los descubrimientos ópticos que determinan la liquidación de la “línea cerrada”. La rueda, a la izquierda, representada sin radios, constituiría una anticipación a las expresiones “dinámicas”.

26. …Velázquez Sus obras… Las meninas, su última obra y la mas famosa. Se trata de una pintura al óleo sobre tela, cuyas medidas son 318x276 cm., pintada en el año 1656. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. La fusión entre espacio real y espacio pictórico alcanza su máxima expresión en esta obra. La escena representa al artista retratando a los reyes, que aparecen reflejados en un espejo, observado por la infanta Margarita y su séquito. La implicación barroca del observador se lleva al más alto grado de sofisticación, como si nosotros nos encontrásemos en el mismo lugar que ocupa la pareja real. En esta obra se observa el uso de diagonales trasversales, sutiles armonías de rosa y gris, pinceladas resplandecientes y mágicas reproducciones del espacio atmosférico. La realidad se transforma en un mundo puramente pictórico.

27. 7. Fco José de Goya y Lucientes (1746-1828) • Nacido en Fuendetodos, Zaragoza, el 30 de marzo de 1746, y fallecido en Burdeos, Francia, el 15 de abril de 1828, fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. • Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. • Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. • Además, su obra refleja el periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

28. …Goya Sus obras… La maja desnuda. Se trata de una pintura realizada al óleo sobre lienzo, cuyas medidas son 95x188 cm. Fue pintada en el año 1795 y actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. En el diseño de este cuadro el dibujo es decisivo, por ese motivo y por el predominio de una gama cromática fría se nota la influen- cia del neoclasicismo. Sin embargo, esta obra de Goya es audaz y atrevida para su época, como audaz es la expresión del rostro y acti- tud corporal de la modelo. Más aún, es la primera obra de arte conocida en la cual aparece pintado el vello púbico femenino, lo cual resalta el erotismo de la composición. Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, luminosidad que contrasta con el resto del ambiente, y la típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos. Es notable que, aún dentro de la típica fuerza de las pinceladas que caracterizan a Goya, el artista se ha esmerado en el tratamiento de las carnaduras y sombreados acompañadas por la figuración sutil de las telas, la coloración se hace con un minucioso juego de verdes que contrasta con blancos y rosados, de este modo la maja casi parece suspendida mediante su brillo y delicadeza, suspendida en un espacio oscuro que ella ilumina.

29. …Goya Sus obras… Los fusilamientos del tres de mayo. La pintura está realizada sobre un lienzo utilizando la técnica del óleo, tiene unas medidas 268x347 cm, y fue pintada en el año 1814. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Goya utiliza en este cuadro una paleta principalmente oscura, donde predominan la gama de los negros, color de la muerte por excelencia, con importantes mezclas de colores relacionados con la gama del verde. La otra gran familia cromática la forman los ocres y marrones. Sin olvidar el blanco de la camisa del hombre con los brazos abiertos que supone un gran contraste con el resto de la paleta, en su mayoría oscuros. Podríamos decir de esta composición que sigue un "crescendo" cromático que va desde el blanco de la camisa del civil, hasta el negro de algunas vestimentas de los soldados.

30. …Goya Sus obras… La familia de Carlos IV. Se trata de una obra pintada en el año 1801 al óleo sobre lienzo, cuyas medidas son 280x336 cm. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. En él aparecen ordenadamente todos los miembros de la familia real con intención de realzar la figura de la reina María Luisa, que ocupa el centro de la escena pasando un brazo maternalmente sobre los hombros de la infanta María Isabel, a la vez que lleva de la mano al infante don Francisco de Paula, quien a su vez se la da al rey. A la izquierda de la infanta se sitúan el príncipe de Asturias, el futuro rey Fernando VII, sujetado por la espalda por el infante don Carlos. A la derecha, la infanta María Luisa con su marido el duque de Parma lleva en brazos al pequeño infante Carlos Luis. Ocupando el fondo están los hermanos del rey y, con el príncipe de Asturias, una joven elegantemente vestida pero sin rostro, recurso empleado por Goya para representar a la que finalmente resultase ser su aún no elegida esposa.

31. 8. Francisco de Zurbarán (1598-1664) • Nacido en fuente de Cantos, Extremadura, en 1598 y fallecido en Madrid en 1664, es uno de los principales pintores españoles del Barroco. Es conocido por sus cuadros de monjes y por otras obras austeras de carácter religioso que funden el realismo con un profundo sentimiento religioso. • En Sevilla estuvo al frente de un gran taller. Pintaba grandiosos retablos, totalmente barrocos, realizados con vigor y virilidad. Sus composiciones verticales están divididas generalmente en dos zonas netamente diferenciadas, la celestial y la terrena. A veces las figuras son rígidas y la perspectiva irregular, pero los colores son siempre luminosos; contienen un poderoso naturalismo y sentimiento místico. • Se ven influencias de Velázquez, Tizziano y Rubens en sus obras, además de Murillo (sus obras se volvieron más sentimentales y delicadas. En sus últimas obras sus temas se tornaron más meditativos y líricos.

32. …Zurbarán Sus obras… Cristo crucificado, año 1627. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 290x168 cm. Actualmente se encuentra en Chicago, Art Institute. Esta obra le hizo famoso: es bastante oscura y posee una monumental y conmovedora expresividad. Se ve un esmerado realismo de la representación (la fractura de los clavos, la aspereza de la madera, la irregularidad de la cartela), además de una influencia de Pacheco en la solución de los pies yuxtapuestos en vez de cruzados.

33. …Zurbarán Sus obras… Cristo niño contemplando la corona de espinas, 1630. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo de unas medidas de 128x85 cm. Se encuentra en la Colección Sánchez Ramos, Sevilla. Se trata de una obra modesta, un humilde cuadro de devoción.

34. …Zurbarán Sus obras… Plato de cidras, cesto de naranjas, taza y rosa, 1633. Actualmente se encuentra en Los Ángeles, Norton Simon Foundation. Es una pintura al óleo sobre lienzo cuyas medidas son 60x107 cm. Es el único bodegón firmado, con extrema simplicidad compositiva y lumínica, en el que los objetos aparecen dispuestos como ofrendas en un altar.

35. 9. Édouard Manet (1832-1883) • Nacido en París, es costumbre colocar a Manet en el origen de la historia del arte contemporáneo. Pintaba escenas cotidianas, y fue el primero en concentrarse en la visibilidad material de la pintura. Para desafiar el método tradicional de pintura, revelaba la mecánica misma de pintar, en un acto deliberado de provocación. Fue una figura revolucionaria que tendió un puente entre dos movimientos: el realismo y el impresionismo. • Aunque fue admirado por los impresionistas y apoyó su estilo, nunca se consideró uno de ellos, de los que difería en que nunca adoptó la práctica de pintar al aire libre, nunca abandonó su gusto por compaginar el blanco y el negro, y siempre mantuvo el contorno marcado de las formas y las figuras en sus composiciones. Además, nunca renunció al enfoque en un tema para el cuadro. Fue en todo momento una figura controvertida en la escena del arte, y anticipó el impresionismo con su uso de pinceladas libres y visibles, colores saturados, perspectiva plana y la ausencia de lo que podía considerarse escena tradicional a favor de estampas fugaces de la vida cotidiana: acontecimientos relevantes, instantáneas de la vida nocturna parisina, imágenes de habitantes de ciudades al aire libre, retratos y bodegones. Su arte se consideró a menudo escandaloso por su contenido.

36. …Manet Sus obras… Bar del Folies-Bergeré, pintado en 1882 al óleo sobre lienzo. Mide 96x130 cm y actualmente se encuentra en el Courtauld Institute of Art, Londres. Este cuadro fue la última obra importante del artista antes de su muerte. Representa una escena en el club nocturno parisino del Folies-Bergeré y es una reinterpretación moderna de Las meninas de Velázquez, que explora la reproducción de lo que se refleja en un espejo y la duplicación. La imagen es ante todo un retrato de la camarera, que mira al espectador desde detrás de la barra. El espejo refleja a los asistentes al club.

37. …Manet Sus obras… Olimpia, 1863. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo que mide 130,5x190 cm, y actualmente se encuentra en el Museo d´Orsay, París. Es uno de los cuadros más influyentes de la historia del arte contemporáneo. Se inspira en las tradicionales representaciones renacentistas de Venus, en concreto La Venus de Urbino de Tiziano. En lugar de a una diosa, Manet representa a una cortesana, serena y seductora, con una flor en el pelo, una cinta negra en el cuello y acostada sobre un chal ornamental. El gato negro que se halla a sus pies resalta el sentido de feminidad.

38. …Manet Sus obras… Almuerzo sobre la hierba, 1862-1863. Pintada al óleo sobre lienzo, mide 208x265,5 cm y se encuentra en el Museo d´Orsay, París. La obre se titulaba en un principio El baño, y provocó un gran escándalo cuando se expuso por primera vez en público. En este magnífico cuadro, Manet reinventó el género tradicional de la escena pastoral mitológica,con su representación de ninfas en un entorno natual. Para el público del siglo XIX fue un escándalo esta combinación del desnudo realista de una mujer y de hombres elegantemente vestidos. La mujer del primer plano mira al espectador tranquila y directamente, ajena a su desnudez. Esta escena resulta tanto más provocativa cuando los hombres, que conversan entre sí, ven con naturalidad el hecho de que la mujer esté desnuda.

39. 10. Paul Cézanne (1839-1906) • Nació en Aix-en-Provence en el año 1839. Recibió una esmerada educación en el colegio de Bourbon y más tarde, asiste a la Académie Suisse para ejercitarse en el dibujo. • Además de la fascinación por Manet, sus gustos se inclinan por la pintura amplia y poderosa y por los grandes maestros del Louvre. Valora el temperamento expresivo como principal valor artístico, y sus cuadros, de gruesos empastes y con uso generoso de la espátula se cuentan como los más singulares que por entonces se pintan en París. • Se ejercita en la pintura al aire libre, su repertorio favorito, junto con las naturalezas muertas, durante toda su carrera. En 1872 se instala en Auvers-sur-Oise, cerca de Pontoise, donde pinta en compañía de Pizarro. Ya desde entonces apunta la tendencia a traducir el volumen y la forma a partir de la pincelada fragmentada de los impresionistas que determina la singularidad de su estilo. El problema de la forma, el espacio y la estructura del cuadro va ganando terreno. Cada vez pasa mas tiempo en Aix y hace menos vida social, volviéndose su pintura más simple y sintética. • Se va convirtiendo en una figura de culto para los jóvenes pintores posteriores al impresionismo. • Un aguacero cuando había salido al campo a pintar fue la causa de su muerte, que le sorprendió en su ciudad natal.

40. …Cézanne Sus obras… La casa del doctor Gachet en Auvers, pintada en 1873. Es una pintura al óleo sobre lienzo de 46x37.5 cm y se encuentra en el Musée d`Orsay, en París. Gachet, un médico aficionado a la pintura que frecuentaba a los artistas reunidos en torno a Manet en Battignoles, fue uno de los primeros clientes de Cézanne, a quien alojó en la casa que aparece en este cuadro. El encuadre, escogiendo un recodo del camino, se repite mucho en los paisajes de Cézanne, quizá porque permite eludir más fácilmente la perspectiva tradicional: el propio trazo del camino proporciona una referencia espacial para todos los objetos presentes en la escena.

41. …Cézanne Sus obras… El florero azul, pintada entre 1883 y 1887. Es una pintura al óleo sobre lienzo que mide 61x50 cm y se encuentra en el Musée d´Orsay, en París. Las frutas están sin terminar, como se ve en las zonas en blanco junto a los trazos del contorno, y el plato tras el jarrón parece doblarse sobre su centro, como si a un lado y otro del eje del florero asistiéramos a dos escenas pintadas desde diferente punto de vista. Este tipo de distorsión, que Cézanne practicó en sus naturalezas muertas durante sus últimos veinte años, contiene el germen del concepto espacial del cubismo.

42. …Cézanne Sus obras… Muchacho con chaleco rojo, pintada entre 1890 y 1895. es una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 92x73 cm, que se encuentra en la Nacional Gallery of Art, en Washington. El cortinaje de fondo cumple una función similar a los paños sobre los que se colocan los objetos en las naturalezas muertas: dar pie a ese fluido espacial continuo sobre el que destaca el modelado de la figura. La pose del muchacho, de tres cuartos y con las caderas inclinadas, cargando el peso sobre una pierna, introduce un juego de planos oblicuos que se precipitan sobre el plano del cuadro o se retraen respecto a él.

43. 11. Alfred Sisley (1839-1899) • Nació el 30 de octubre de 1839 en París, hijo de padres ingleses. Con 18 años viaja a Londres para estudiar economía. De regreso a París en 1861, ingresa en el taller de dibujo y pintura del académico Charles Gabriel Gleyre, donde conoció a Claude Monet y Pierre Auguste Renoir. Abandona el taller para realizar la totalidad de la obra en plein air buscando transmitir la sensación visual en su estado inmediato. • Dedicó todos sus esfuerzos al paisaje y aportó con su obra una nueva forma de entender el género que nace del conocimiento de la pintura romántica inglesa, se suma a la tradición de los paisajistas franceses y a la del resto de pintores impresionistas, y da lugar a uno de los capítulos más líricos y armoniosos del movimiento. Estudia los efectos de la atmósfera y las transparencias en el agua; el paisaje será su género predilecto. • En los años de la guerra franco-prusiana, residió en diversas localidades en los alrededores del bosque de Louvicennes; aquí es donde Sisley define su método, caracterizado por la exploración del mismo paisaje en condiciones climatológicas diversas y desde puntos de vista distintos. • Se establece en Moret-sur-Loing, localidad en la que falleció, tras penosa agonía, de un cáncer de garganta el 29 de enero de 1899.

44. …Sisley Sus obras… La isla de Saint-Denis, pintada en 1872. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 50.5x65 cm, que se encuentra en el Musée d´Orsay, en París. A diferencia de Monet o Renoir, a Sisley siempre le interesó la representación del espacio, el efecto de profundidad en sus escenas. De ahí su gusto por encuadres panorá- micos, a la manera de Corot, en los que se marcan bien las referencias de escala entre los distintos términos. Su tratamiento del reflejo de los árboles en el agua también es distinto del de Monet, que no valoraba de forma diferente los objetos sólidos y su reflejo en el agua; para él ambos eran proveedores de sensaciones coloreadas, mientras Sisley, más cercano a un concepto tradicional de la representación, nunca dejó de dar importancia a la forma y el volumen.

45. …Sisley Sus obras… Nieve en Louveciennes, pintada en 1878. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, de unas medidas de 65x50.5 cm, que se encuentra en el Musée d´Orsay, en París. Las tapias que bordean el camino enmarcan en profundidad la escena, contrastando con la referencia vertical de los árboles. Sisley establece un complejo juego de “pantallas” visuales a base de pinceladas muy libres de blanco y azul entre las que apenas emergen las ramas de los árboles, a base de trazos negros muy abocetados, y el tono local de las tapias, dispuesto de manera uniforme, que asoma por debajo de las partes cubiertas por la nieve.

46. …Sisley Sus obras… Lady´s Cove, pintada en 1897, es una pintura al óleo sobre lienzo que mide 46x61 cm, y se encuentra en el Musée des Beaux-Arts, en Rouen. Se trata de una singular serie de vistas de la costa de Penarth que constituyen sus primeras marinas. Estas dos rocas agitadas por las olas representan quizá el momento en que un Sisley ya cercano al final muestra mayor dominio de la técnica suelta, de grandes trazos de pincel, que había perseguido desde principios de los años ochenta. La misma sencillez del objeto pictórico es la responsable de que, contra su costumbre, se desprenda de las inquietudes de la representación para entregarse por completo a recrear la luz y su interacción con la espuma de las olas de forma especialmente concentrada.

47. 12. Claude Oscar Monet (1840-1926) • Pintor impresionista francés. Es considerado el impresionista prototípico, porque su devoción por los ideales del movimiento permaneció incólume a lo largo de su prolongada trayectoria. Pasó su juventud en Le Havre, donde destacó primero como caricaturista, pero luego su primer mentor, Boudin, le convenció de que se dedicara al paisaje. En 1895 estudió en París en el Atelier Suisse y se hizo amigo de Pizarro. Después de dos años de servicio militar en Argelia, volvió a Le Havre y conoció a Jongkind, de quien decía que debía “la definitiva educación de mi vista”. Luego, en 1862, entró en el estudio de Gleyre en París, donde conoció a rendir, Sisley y Bazille, con quienes había de formar el núcleo del grupo impresionista. Monet sentía una gran devoción por la pintura al aire libre. • Durante la guerra franco-prusiana (1870-1871) se refugió en Inglaterra con Pizarro. De 1871 a 1878, Monet vivió en Argenteuil, un pueblo a orillas del Sena, cerca de París, y allí fueron pintadas algunas de las obras más felices y famosas del movimiento impresionista. • Después de haber vivido en la pobreza, Monet empezó a prosperar. Hacia 1890 se compro su casa de Giverny y en 1892 se casó con su amante. Desde 1890 se concentró en series de cuadros en las que pintaba el mismo tema en distintos momentos del día con luces diferentes, como La Catedral de Rouen. • En sus últimos años trabajo en un gran proyecto decorativo de pinturas de nenúfares que fueron instalados, un año después de su muerte, en la Orangerie de París. Monet fue enormemente prolífico y muchas galerías importantes tienen ejemplares de su obra.

48. …Monet Sus obras… Regatas en Argenteuil. Cuadro pintado en 1872, que actualmente se encuentra en el museo del Louvre, en París. En su conjunto, la obra mide 48x73 cm y es una pintura al óleo sobre lienzo. Monet sorprende con ojo celoso los aspectos del río, los vivaces reflejos del agua, los innumerables incidentes de color exaltados por la limpidez atmos- férica. Transfiere en el agua celeste los rojos, los verdes, los blancos de las casas, de los árboles y de las velas, ya que la percepción del reflejo es, como percepción, tan concreta como la percepción de la cosa. Monet ha fijado las notas del color sin preguntarse a que tipo de objeto correspondían. Con los blancos insistentes de las velas y de sus reflejos, resuelve la profundidad en un solo plano. Ni siquiera distingue entre las cosas y el ambiente espacial y luminoso en el que aquéllas se encuentran.

49. …Monet Sus obras… Impresión Sol naciente. Pintado en 1873 y actualmente en el Museo Marmottan, en París. Es un óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son 478x63 cm. Es una obra completamente desaliñada en la que Monet se deja llevar por una auténtica inspiración poética. La libertad respecto al objeto entendido como volumen es la gran conquista de ese momento. Los azules y rosas, extendidos en sutiles veladuras, amortiguan todo rumor y chapoteo en el instante de la salida del sol.

50. …Monet Sus obras… La Catedral de Rouen. Pintado por monet durante los meses invernales de 1892 a 1893, y completadas en 1894. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, con unas medidas de 107x73 cm, que se encuentra en el Museo del Louvre, París. Forma parte de un conjunto de cuadros que muestran la catedral de Rouen en diferentes momentos del día.