Los 40 Principales

1. Los 40 Principales Escultores Directores de cine Fotógrafos Pintores

2. Pintores

3. Sandro Botticelli Alessandro di Mariano di Vanni Fillipepi, apodado Sandro Botticelli (1445-1510), fue un pintor Italiano de la escuela de Florencia durante el Renacimiento. Desarrolló un estilo personalísimo, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas. La primavera Es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla y se pintó de 1477-1482. Mide 203cm de alto y 314cm de ancho. En el centro de la imagen, nos encontraríamos con Venus, destacada no tan solo por la posición permanente, sino porque en torno a su cabeza, se dibuja una especie de aureola con la vegetación. Aparece representada con los atributos de una mujer casada, simbolizaría la fuerza creadora del orden natural. Sobre ella se encuentra Cupido. A la derecha del espectador aparece Céfiro, uno de los vientos, que persigue a la ninfa Cloris. A la izquierda se representan las Tres Gracias, las servidoras de Venus, muy apreciadas por los neoplatónicos. El dios Mercurio, pintado a la izquierda de la composición. Mercurio, mensajero de los dioses, sería también el nexo de unión entre la tierra y el cielo.

4. Nacimiento de Venus (1482-1484) Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia. El dibujo es preciso, de trazo limpio, sinuoso, ondulante. Los colores son suaves y delicados, con un claro contraste entre las figuras femeninas (como Venus, blanquísima) y masculina (tez oscura). El fondo solo está claramente iluminado alrededor de Venus, ya que de ella emana la luz, que es lo que ayuda a destacar la figura central de la composición. Todo el conjunto da una gran sensación de suavidad y calma asombrosa. La fortaleza Está realizado al temple sobre tabla cimbrada. Mide 167 cm de alto y 87 cm de ancho. Data de 1470 y se conserva en la Galería de los Uffizi en Florencia (Italia). En esta obra e muestra a un artista que ha madurado plenamente. Impregna la obra de un sentido espacial y una presencia escénica renovados. Construye la figura según la monumentalidad tomada de Verrocchio y envuelta por una línea nerviosa, tomada de Pollaiuolo, que crea contornos evidentes y marcados, típicos de toda su producción. A través de la línea logra el relieve escultórico.

5. Miguel Ángel Miguel Ángel o Michelangel Buonarroti (1478-1564), uno de los mayores creadores de toda la historia del arte y, junto con Leonardo da Vinci, la figura más destacada del renacimiento italiano. En sus condiciones de arquitecto, escultor, pintor y poeta ejerció una enorme influencia tanto en sus contemporáneos como en todo el arte occidental posterior a su época Bóveda de la Capilla Sixtina. (1508 y 1512) Fue realizada para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Es una de las obras pictóricas más complejas y más bellas de toda la historia del arte. Se le da una semblanza gótica a la estructura de la bóveda, pero Miguel Ángel no hizo ninguna crucería diagonal, solamente los triángulos podrían recordar en algo al estilo gótico, de hecho, se parece más a una nave central de un salón romano o también de un templo románico, organizado en tramos transversales Consiguió en sus representaciones un modelo humano enérgico, vital y expresivo, con sentimientos y pasiones, manteniendo la energía y aspecto viril para el cuerpo femenino, así se encuentra en el rostro de la mujer un reflejo del pensamiento y la tensión de su vida interior, más que la belleza ideal. Humanizó la divinidad y dio rostro a los personajes míticos o bíblicos incluyendo a Dios, pues a Miguel Ángel es debida la imagen iconográfica del Dios creador

6. El juicio final o El Juicio Universal es el mural realizado al fresco para decorar el ábside de la Capilla Sixtina (Ciudad del Vaticano, Roma). Miguel Ángel empezó a pintarlo 25 años después de acabar de pintar la bóveda de la capilla. En la mitad superior de la pared se encuentra el mundo celeste, con una figura central que atrae nuestra atención, es un Cristo heliocéntrico que gira sobre sí mismo en una línea compositiva helicoidal, que tiene a su madre, María a su lado sentada, enroscada sobre sí misma. En la mitad inferior de la pared vemos a los ya juzgados que, o bien suben al cielo por la izquierda o son arrastrados al infierno por la derecha. En el centro unos ángeles despiertan a los muertos de sus tumbas. En la zona inferior izquierda está simbolizada la “Resurrección de los Muertos” y en la derecha el traslado de los condenados ante el juez infernal “Minos” en la barca de Caronte, fusionando así el mundo cristiano con el de la mitología clásica. En el centro, una caverna que puede ser la boca del infierno Creación de Adán (1510) La bóveda era una estructura de 40 metros de largo por 13 de ancho y presentaba una dificultad añadida que era la presencia de lunetos. La grandiosa representación la realiza con un dibujo firme logrado a partir de aplicaciones de tonos claros y oscuros que crean un gran efecto plástico. El dibujo diseña además los volúmenes perfectamente delimitados. Las líneas compositivas son diagonales dando a la escena un gran dinamismo. La gama de colores fríos (azules, verdes, violetas) actúa como elemento sedante y apacible, ya que interfiere en la luz distanciando los objetos. La perspectiva es una de las grandes conquistas de esta secuencia, ya que hay una perfecta captación tridimensional que logra con intrincados y complicados puntos de fuga y con unos perfectísimos escorzos nunca antes realizados en la historia de la pintura.

7. Leonardo da Vinci Su nombre real era Leonardo di Ser Piero da Vinci (1452-1519), artista florentino y uno de los grandes maestros del renacimiento ( s. XV y XVI) famoso como pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Sus innovaciones en el campo de la pintura determinaron la evolución del arte italiano durante más de un siglo después de su muerte. La Última Cena (1495 y 1497) Es una pintura mural situada en una pared del refectorio del convento dominicano de Santa María delle Grazie en Milán y requirió diez años de preparación por parte de Leonardo da Vinci. La escena se presenta como prolongación artificial del refectorio en el que está situada, empleando una perspectiva drástica, que muestra las puertas laterales abriéndose tan bruscamente que, parece que se esté mirando el extremo de un hexágono en vez de un rectángulo. La composición es simétrica, ya que dispone a los apóstoles en cuatro grupos, cada uno con tres apóstoles, a ambos lados de Cristo, donde sitúa el punto de fuga justamente detrás de su cabeza. Esta figura central, tranquila, se realza aún más al estar enmarcada contra la ventana central y porque su cara está vista de frente. En cuanto a la luz, la escena está iluminada por las ventanas del fondo, lo que hace que se recorte la figura de Cristo, pero también viene de frente, por la ventana del refectorio real. Respecto al color, ha sufrido tantas restauraciones a lo largo del tiempo que resulta difícil pronunciarse al respecto a la hora de analizarlo en este caso concreto.

8. La Gioconda (1503-1506) también conocido como La Mona Lisa. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París. Esta obra pertenece al estilo Renacimiento s XVI "Cinquecento",es un siglo en el que la pintura vive una notable evolución, la figura del hombre será el núcleo de este movimiento. La técnica utilizada es óleo sobre una tabla de 77 x 53 cm. La composición está formada por dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una composición triangular) y el paisaje. La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles. Utiliza colores ocre para las sombras oscuras, albayalde y amarillo sulfuroso para los colores carne. Para el paisaje utiliza el negro, tonalidades de marrón y gamas de azules, difuminando el color para marcar la lejanía y proximidad del paisaje, que se percibe pero no se determina. Hace un uso sombrío de la luz tanto en el retrato como en el paisaje. Hombre de Vitruvio (1490) Leonardo da Vinci realiza una visión del hombre como centro del Universo al quedar inscrito en un círculo y un cuadrado. El cuadrado es la base de lo clásico: el módulo del cuadrado se emplea en toda la arquitectura clásica, el uso del ángulo de 90º y la simetría son bases grecolatinas de la arquitectura. En él se realiza un estudio anatómico buscando la proporcionalidad del cuerpo humano, el canon clásico o ideal de belleza.

9. Doménikos Theotokópoulos, el Greco Doménikos, Theotokópoulos ( Creta, 1541- Toledo, 1614) , conocido como el Greco, fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez perteneció al estilo artístico manierismo. Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. El caballero de la mano en el pecho (1577-1584) La identidad de este personaje no se sabe a ciencia cierta. En algún momento se ha llegado a plantear que el retratado era manco del brazo izquierdo; este dato y la fecha de realización hacen pensar que pudiera tratarse de un retrato del genial escritor castellano, don Miguel de Cervantes, que ya había participado en la batalla de Lepanto. También se ha pensado en un autorretrato, aunque no existen datos que avalen esta posibilidad. En este cuadro podemos apreciar una técnica italiana: los objetos principales (la cara, la mano, el pomo de la espada) están fuertemente iluminados, en contraste con la oscuridad del resto del cuadro. El encaje blanco del cuello y el puño hacen resaltar aún más los puntos importantes. Se observan, además, fuertes contrastes de color Las pinturas de `el Greco' se caracterizan por una intensidad apasionante, resultado de la audaz manipulación de las figuras hiperbólicamente alargadas. Éste carece de perspectiva, y posee un espacio antinatural; la figura del caballero busca ser etérea, ingrávida; se alarga y pierde cualquier adiposidad, acentuando todavía más la sensación de adelgazamiento. Fue en 1996, tras una magnífica restauración por parte del taller del Museo del Prado, cuando esta obra ganó cierta volumetría.

10. El entierro del conde de Orgaz (1586) Se encuentra en la iglesia de Santo Tomé, Toledo, en España. Óleo sobre lienzo. 4,80 x 3,60 m. Algunos autores la han definido como “no sólo es la obra cumbre de El Greco, sino la obra maestra de toda la pintura”. El Greco lo pinta en plena madurez artística. Tiene rigor arquitectónico y una unidad extraordinaria a pesar de los dos partes en las que está dividido. En esta obra están presentes todos los elementos del lenguaje manierista del pintor: figuras alargadas, cuerpos vigorosos, escorzos inverosímiles, colores brillantes y ácidos, uso arbitrario de luces y sombras para marcar las distancias entre los diferentes planos, etc. La luz existe casi exclusivamente en la parte superior. En la inferior, la luz proviene de las vestiduras. La Virgen de la Buena Leche. Obra realizada hacia 1595. El tamaño original de la obra es 127 x 106 cm. Uno de los muchos trabajos realizados por El Greco con este tema y esta composición. Ya en 1585 realizó un trabajo muy similar, únicamente el trabajo del fondo y la aparición de Santa Ana (la figura femenina de la izquierda) los diferencia. El efecto pretendido con los fondos de "nubes" que se despejan y dejan ver el cielo encima de cada figura, es especialmente intenso en detrás de la Virgen María, resultando como consecuencia la atracción de la atención del espectador a este Personaje.

11. Diego Velázquez Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599 Sevilla- 1660 Madrid), pintor español, del periodo de la pintura barroca (s. XVI y XVII) fue considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. En 1623 se instala en Madrid y se convierte en el pintor oficial del rey Felipe IV La fábula de Aracné (1657) popularmente conocido como Las hilanderas es un lienzo de Diego Velázquez, conservado en el Museo del Prado. Esta obra es de los máximos exponentes de la pintura barroca española. Temáticamente es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se conoce el verdadero propósito de esta obra. En primer plano se ve una sala con cinco mujeres (hilanderas) que preparan las lanas. Al fondo, detrás de ellas, y en una estancia que aparece más elevada, aparecen otras tres mujeres ricamente vestidas, que parecen contemplar un tapiz que representa una escena mitológica. Durante mucho tiempo se consideró éste su único asunto. Sin embargo, a causa de la propia entidad del cuadro y por la «ambigüedad» de significados presente en algunos de los lienzos más significativos de Velázquez, debemos resistirnos a interpretarlo como una sencilla escena cotidiana.

12. La familia de Felipe IV (1656) Conocida popularmente desde el siglo XIX como Las Meninas, el cuadro fue titulado originalmente como La familia de Felipe IV y es, probablemente, la obra más importante del pintor español. S halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid. • Según Jonathan Brown, la escena representa el momento en que la infanta Margarita ha llegado al estudio de Velázquez para ver trabajar al artista. • En Las Meninas se puede estructurar el cuadro en diferentes espacios: • La mitad superior de la obra está dominada por un espacio vacío, en el que Velázquez pinta el aire. • Espacio virtual hacia donde mira el pintor y en el que se supone que están los reyes o los espectadores. • Otro espacio importante es el del punto de fuga del fondo del cuadro, muy luminoso, donde un personaje huye de la intimidad del momento. • -Un cuarto espacio es el pequeño espejo que refleja a los reyes; y finalmente, está el espacio delimitado por la luz dorada que se aprecia en las figuras de la infanta, las meninas, la enana y el perro. Son espacios reales y virtuales que conforman la realidad fantástica del cuadro. Una de las características principales de la pintura es su carácter misterioso que conduce a establecer diferentes principios de interpretación Por otro lado, el hecho de que la mayor parte de las figuras miren hacia fuera del cuadro provoca que se distingan diferentes puntos de vista luminosos a partir de un foco al cual las figuras dirigen sus miradas

13. Vieja friendo huevos (1618) Este cuadro, como otros realizados en su primera época, está influido por el claroscuro, un foco de luz, que siempre viene desde la izquierda, ilumina la parte derecha del cuadro, es decir, la anciana, sus útiles y huevos fritos, dejando oscuro el resto, fondo y niño. Los pies y las manos son de las partes más expresivas del cuerpo, y si observamos por un momento las manos de la vieja nos daremos cuenta de que el artista ha trabajado en ellas con esmero. Destaca por sus cualidades tenebristas, altos contrastes de luces y sombras; a la par que hace uso de tonalidades clásicas y tenues mostrando un claro predominio de tonalidades ocres y pardas. Patente del virtuosismo del autor, es el detalle con que plasma las naturalezas muertas, las manos de la vieja, incluso los objetos en escorzo. La escena de organización oval, en la que aparecen medias figuras en planos muy próximos, introduce al espectador en la acción congelada.

14. Francisco de Zurbarán Francisco de Zurbarán (1598-1664), pintor español conocido por sus cuadros religiosos y escenas de la vida monástica en la época del barroco y la Contrarreforma. Su estilo, adscrito a la corriente tenebrista por el uso que hace de los contrastes de luces y sombras, se caracteriza básicamente por la sencillez compositiva, el realismo, el rigor en la concepción, la exquisitez y la ternura en los detalles, las formas amplias y la plenitud en los volúmenes, la monumentalidad en las figuras y el apasionamiento de los rostros. Defensa de Cádiz ante los ingleses (1634) La obra mide 302 x 323 cm. Este es el único cuadro de tema histórico pintado por el artista. Zurbarán demuestra su escasa capacidad para la composición profana. Intenta crear una escena teatral para dotar de verosimilitud al conflicto bélico. Para ello, divide el lienzo en dos planos. En una parte; aparecen los defensores. Figuras aisladas y atemporales, verdadera galería de retratos a través de los cuales no consigue representar los estados alma. En otra, se inmortaliza la batalla -probablemente copiada de algún tapiz flamenco del siglo XVI. El pintor demuestra de nuevo sus frágiles recursos para trazar la perspectiva.

15. Aparición del apóstol san Pedro a san Pedro Nolasco (1629) Está pintado al óleo sobre lienzo y mide 179 cm de alto por 223 cm de ancho. Este cuadro esta expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España. El propósito de la obra de Zurbarán es crear una emoción mística por medio de figuras descritas con rigor naturalista. El santo, arrodillado en su celda, contempla en éxtasis a su patrono que se le aparece crucificado cabeza abajo. Por las características formales que ofrece, es dado rastrear en este lienzo, junto al conocimiento de la producción de Ribera, la influencia del joven Velázquez. Cristo en la Cruz ( 1627) Se encuentra en el Art Institute, Chicago. Cuando pintó el Cristo en la Cruz, obra que fue tan admirada por sus contemporáneos que el Consejo Municipal de Sevilla le propuso oficialmente, en 1629, que fijara su residencia en esta ciudad hispalense. En este cuadro la impresión de relieve es sorprendente: Cristo está clavado en una burda cruz de madera. El lienzo blanco, luminoso, que le ciñe la cintura, con un hábil drapeado — ya de estilo barroco —, contrasta dramáticamente con los músculos flexibles y bien formados de su cuerpo. Su cara se inclina sobre el hombro derecho. El sufrimiento, insoportable, da paso a un último deseo: la resurrección, último pensamiento hacia una vida prometida en la que el cuerpo, torturado hasta la extenuación pero ya glorioso, lo demuestra visualmente.

16. Francisco Goya Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura. Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en Edouard Manet, Pablo Ruiz Picasso y gran parte de la pintura contemporánea. Formado en su ambiente artístico rococó, evolucionó hacia un estilo personal y pintó cuadros que se encuentran entre las grandes obras maestras de la historia del arte. La maja desnuda (1790 y 1800) Es una de las más célebres obras de Francisco de Goya y Lucientes. En el diseño de este cuadro el dibujo es decisivo, por ese motivo y por el predominio de una gama cromática fría se nota la influencia del neoclasicismo, Cabe destacar la luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, luminosidad que contrasta con el resto del ambiente, y junto a esa luminosidad la típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos. Aún dentro de la típica fuerza de las pinceladas que caracterizan a Goya, el artista se ha esmerado en el tratamiento de las carnaduras y sombreados acompañadas por la figuración sutil de las telas, la coloración se hace con un minucioso juego de verdes que contrasta con blancos y rosados, de este modo la maja casi parece suspendida mediante su brillo y delicadeza, suspendida en un espacio oscuro que ella ilumina.

17. El tres de mayo de 1808 en Madrid También conocido como Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío o Los fusilamientos del tres de mayo. Fue completado en 1814 y se conserva en el Museo del Prado de Madrid, España Uno de los cuadros más apreciados y que más repercutieron en la obra de Goya y en la forma en que ha sido examinada. La intención de Goya al elaborarlo era plasmar la lucha del pueblo español contra la dominación francesa en el marco del levantamiento del dos de mayo, al inicio de la Guerra de la Independencia Española. No tiene ningún precedente en las pinturas de guerra y es reconocida como una de las primeras obras de lo que se conoce como arte contemporáneo. La pintura es oscura, muestra imágenes fuertes y crea el arquetipo del horror en la pintura española, que Goya aprovechó en esa época para sus aguafuertes titulados Los desastres de la guerra. La condesa del Chinchón (1795 y 1797) es una de las obras que Goya realizó en su etapa de madurez pictórica Goya consigue hacernos participes del afecto que siente hacia la condesa gracias a la plasmación de sus gestos tímidos y casi infantiles, a su sonrisa triste y apenas esbozada, y a la dulzura con la que cuida su vientre tratamiento de la luz es típico de Goya, y en el se ve como ilumina el vientre. La condesa aparece con la boca cerrada en una sonrisa tímida porque se cree que le faltaban varios dientes; sin embargo estaba muy orgullosa de sus brazos que enseña en la mayoría de los cuadros

18. Frans Hals Frans Hals (1585-1666) Pintor neerlandés de la escuela flamenco. Es uno de los grandes maestros en el arte del retrato. Despierta gran admiración por la brillantez en la representación de la luz y la libertad en el manejo de los pinceles. Perteneciente al estilo barroco La gitana. Está realizado al óleo sobre madera. Mide 58 cm de alto y 52 cm de ancho. Fue pintado hacia 1628-1630, encontrándose actualmente en el Museo del Louvre, de París, Francia, Esta obra, también conocido como La cíngara o La gitanilla es posiblemente el más conocido de los retratos de tipos populares ejecutados por Hals, acercándose al cuadro de género. La identificación de una gitana es casi eufemística, porque se cree que es más bien una prostituta, por la intención de que Hals la dotó con el uso de la luz rasante en el escote así como en su mirada y en la boca entreabierta, lo que era insólito en un retrato femenino, ya que nunca se debía representar al personaje sonriendo, ni enseñando los dientes, por considerarse provocativo e indecente. La técnica en la pincelada es muy suelta, pero bien empastada como era habitual en el pintor holandés. Estas pinceladas discontinuas y superpuestas anticipan el impresionismo de dos siglos y medio posterior. Esto sirve perfectamente para la representación de gesto, un tanto agridulce de la muchacha. Prescinde Hals, como en la mayoría de sus retratos individuales de fondo paisajístico, si bien aparecen rasgos que podrían aludir a un paisaje rocoso o a un cielo nublado, lo que sugiere que podría ser un retrato ejecutado al aire libre La luz se centra en el rostro y busto de manera intencionada.

19. Retrato de boda de Isaac Massa y Beatrix van der Laen es un cuadro del pintor neerlandés Frans Hals. Está realizado al óleo sobre lienzo. Es un retrato de una pareja con motivo de su matrimonio, retratados en un paisaje, de manera relajada, lo que marca diferencia con otros retratos formales de la época barroca. Mide 140 cm de alto y 166,5 cm de ancho. Fue pintado hacia el año 1622. Se expone en el Rijksmuseum de Ámsterdam (Países Bajos). Las regentes del asilo de ancianos de Haarlem. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 170,5 cm de alto y 249,5 cm de ancho. Fue pintado en 1664. Es uno de los más destacados retratos colectivos que atesora el Museo Frans Hals, de Haarlem, Países Bajos. Esta obra, junto a su pareja Los regentes del asilo de ancianos de Haarlem, es la última gran obra de Frans Hals, constituyendo los últimos ejemplos históricamente significativos de este género de los retratos colectivos o de grupo. Cinco son las mujeres representadas: la directora del asilo y las cuatro regentes del año 1664.Todas visten de negro y están retratadas sobre un fondo oscuro, en el que se entrevé una pintura que podría ser el tema del Buen Samaritano, símbolo de la caridad de las regentes. Las damas, retratadas de manera realista, y sin concesiones, cubren sus cabezas con severas tocas. Destacan sus rostros iluminados así como las golas y los puños blancos.

20. Bartolomé Esteban Murillo Pintor español nacido en Sevilla en 1617 fue un pintor español del siglo XVII. Es una de las figuras más importantes de la pintura barroca española. De gran realismo, aunque con un estilo que se estaba forjando a lo que sería después, su pintura recogió asuntos de sentido social y de estética naturalista en sus grandes temas, como los niños mendigos o las escenas de la infancia de Cristo. También cultivó una pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran sus obras religiosas. Inmaculada Concepción Pintura barroca española, 1676-78. Museo del Prado, Madrid. Óleo sobre lienzo La luz es la protagonista del cuadro. Murillo emplea una técnica iluminista. Sobre el fondo dorado, radiante, se recorta la figura de la Virgen, envuelta en luz para indicar su carácter celeste. Su rostro y vestido blanco irradian luz. La zona izquierda aparece muy iluminada, mientas que la derecha está oscura o en penumbra abajo. Hay gran riqueza cromática, el colorido es vivo, lleno de matices. Predominan los tonos cálidos, dorados, contrastando con los fríos. Destacan el blanco y azul de la figura central. Las pinceladas son sueltas, espontáneas, vaporosas, fluidas. La técnica de Murillo es magistral. Observamos todas la características propias del Barroco: composición movida y dinámica, con predominio de líneas curvas y diagonales; color rico y variado, pero con un color predominante que da unidad al cuadro; contrastes de luces y sombras; pérdida de importancia de la línea; realismo y gusto por el detalle; falta de claridad y confusión, etc.

21. Muchacha en la ventana (1670) con su dueña Óleo sobre lienzo, 106 x 127 cm. Esta obra se encuentra actualmente en la Nacional Gallery of Art, Washington (EE.UU.) Este cuadro también es conocido como «Mujeres en la ventana» y «Las gallegas». Y es que, según la tradición, las dos modelos eran de Galicia y alcanzaron fama como cortesanas de Sevilla. El cuadro no sólo quiere causar impresión sino también divertir al espectador. Tras el aparente desenfado asoma un propósito, que seguramente no es de puritanismo, sino de elogio a la feminidad y al donaire de las jóvenes sevillanas. Es un alarde de habilidad técnica --como se echa de ver en la risa de la dueña, perceptible a pesar de llevar la cara medio tapada. La Sagrada Familia del Pajarito (1650) Pintura con claras influencias de sus contemporáneos Zurbarán y Rivera. Representa una escena doméstica tratada con una delicada dulzura y ambientada en un clima familiar, consiguiendo así, una mezcla de lo sacro y lo trivial. La composición del cuadro se basa en la escuela italiana, dos figuras opuestas (Madre y Padre) con una sobre iluminación de la figura del niño para atraer la atención del espectador. Las figuras, de formas precisas, están ligeramente difuminadas en sus bordes atenuando así los contrastes y apaciguando el conjunto de la imagen.

22. Jean- François Millet Jean- François Millet (1814-1875) fue un pintor realista y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de campesinos y granjeros, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial Los espigadoras (1857) Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre, Paris. la obra mide 83 x 110 cm, esta realiza en óleo sobre lienzo. El estilo de la obra es Realismo Francés. Millet se especializará en los temas campesinos, siendo acusado de socialista por algunos críticos de la época. En este obra se presenta a tres mujeres en plena faena, agachadas para recoger las espigas; son mujeres de carne y hueso, ataviadas con los ropajes de la región de Normandía donde el pintor vivía. Al fondo contemplamos los almieres y la carga de la carreta, en un ambiente de atardecer que envuelve toda la escena. Los colores son vivos, aplicados con seguridad para resaltar el dibujo firme, acentuando los volúmenes en una de las obras más impactantes del movimiento realista.

23. El Ángelus (1857-1859) Actualmente se encuentra en el Museo de Orsay, Paris. La obra mide 60cm x 50cm. Esta realizada en óleo sobre lienzo. Es sin duda la obra maestra de Millet. En la imagen, aparecen dos campesinos orando y dando gracias a Dios por la cosecha obtenida. Millet no se interesa ni por la clase social de los campesinos, ni por sus características, sino por la figura simbólica del campesino y sus gestos. E Millet adora la penumbra y eso se puede ver en este lienzo: la escena se desarrolla al atardecer, quedando las dos figuras en zonas de luz y sombra, en un contraste de gran belleza. Su pincelada es firme y segura al igual que el dibujo, emplea colores suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. Millet convivió siempre con campesinos, sufriendo sus mismas condiciones. Pastora con su rebaño (1863). Obra realizada en óleo sobre lienzo. La calma, la serenidad y la armonía, triunfan en este lienzo. Vestida con una capellina de lana y con una capucha roja en la cabeza, una joven pastora (tal vez la propia hija del pintor) se mantiene en pie delante del rebaño. Hace punto, bajando la mirada hacia su labor. En un paisaje monótono, que se extiende sin el menor accidente hasta la lejanía, está sola con los animales. El rebaño forma como una mancha de luces ondulantes, con los reflejos de las llamas del sol poniente. Como número de otros Millet, este cuadro entró al final en las colecciones nacionales en 1909, gracias al legado de Alfred Chauchard, el director de los Grandes almacenes del Louvre.

24. Albrecht Altdorfer Nació supuestamente en Regensburg, (1480 )Alemania, donde pasó su vida. Pintor, arquitecto y grabador. La gran pasión de este artista, era pintar escenas inmersas en panoramas naturales. Altdorfer fue líder del movimiento artístico alemán del siglo XVI, escuela Danubio. Albrecht Altdorfer fue uno de los grandes pintores alemanes del Renacimiento alemán junto a Alberto Durero o Lucas Cranach "El Viejo" Pintaba generalmente con óleo sobre tablero de madera. Destacó también por sus cuadros y frescos religiosos para iglesia. - Cristo en el Monte de los Olivos(1518) Es la tabla del retablo de la Pasión. Esta realizada en óleo sobre madera, y su medida aproximadamente es de 128,5 × 94 cm. - El estilo de esta obra es Manierismo - Actualmente se encuentra en el Monasterio de los Agustinos,

25. -El baño de Susana y la lapidación del viejo (1526). Esta realizada en óleo sobre madera. Su medida aproximadamente es de 74,8 x 61,2 cm. - El estilo de esta obra es Manierismo - Actualmente se encuentra en Alte Pinakothek, Múnic - Bosque con san Jorge matando al dragón (1510). Esta realizada en óleo sobre madera. Mide aproximadamente 28,5 x 22,5 cm. - El estilo de esta obra es Manierismo - Actualmente se encuentra en Alte Pinakothek, Múnic

26. Juan Gris Juan Gris  (1887 - 1927) Pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París es considerado como uno de los maestros del cubismo. Sus primeras obras cubistas datan de 1912 la mayor parte de sus pinturas cubistas son bodegones. Sus teorías pictóricas se encuentran recogidas en numerosos artículos y conferencias. El fumador (1913) El tamaño de la obra es de 60cm x 50cm. Actualmente se encuentra en el museo Thyssen-Bornemisza, Madrid La cabeza se ha descompuesto en varios trozos que vemos a la vez, pero están ligeramente desordenados y son incompletos, por lo que hace falta un esfuerzo para imaginar un rostro. ¿Dónde puede estar la boca que se fuma el puro? A la izquierda del puro oscuro con la brasa azul, hay unos extraños fragmentos geométricos. El triángulo verde con dos pequeños triángulos dibujados dentro puede ser la nariz con sus dos agujeros. Vista desde abajo, porque vista de lado la tenemos un poco más arriba, y además en dos versiones: una anaranjada y otra que es solo un dibujo de línea blanca. Debajo de los agujeros de la nariz, hay una pequeña línea negra que representa la boca, de la que sale el principio del puro, que aquí es una forma cilíndrica y verde y que no coincide con la otra parte del puro, que es la que echa humo mirando en otra dirección.

27. Naturaleza muerta delante del armario (1920). La obra mide 60,5 x 45 cm, esta realizada en óleo sobre lienzo. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid. Ya no son líneas y colores solamente los recursos que identifican los planos, aparecen las texturas y las formas de los elementos representados. Cada elemento tiene su forma y está en el mismo plano. Se identifican y colocan perfectamente en el espacio. Violín y guitarra (1913) la obra mide 81 x 60 cm. Esta realizada en óleo sobre lienzo. La obra se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. En este bodegón observamos el tratamiento de los planos con tramas de líneas entrecruzadas, no sólo con color, que los asocian con los elementos representados, mantel, pared... El tratamiento cubista de la guitarra y el violín los hace partícipes de una unidad independiente ajustada perfectamente en el resto de la obra.

28. Gustav Klimt Gustav Klimt  (1862 - 1918) Pintor simbolista austríaco y uno de los miembros más prominentes del movimiento Art Nouveau de Viena. Sus mayores trabajos incluyen pinturas, murales, bocetos y otros objetos de arte. Fue uno de los miembros fundadores de la Secesión de Viena y un periódico "Ver Sacrum". Danae.(1907) Esta realizada en óleo sobre lienzo. La obra se encuentra en el Museo Galería Welz Una de las obras más famosas de Klimt está inspirada en la mitología griega, temática no muy habitual en la producción del maestro vienés. Para algunos críticos se puede interpretar como que Klimt ya no se siente amenazado por la mujer. Estilísticamente, destacaría la delicadeza de líneas gracias a su acertado dibujo, el empleo de tonalidades brillantes y el contraste de la piel dorada de Danae frente a las telas oscuras que la rodean. La línea sinuosa domina la composición, desapareciendo toda referencia espacial y eliminando la sensación de perspectiva tradicional. El resultado es una obra cargada de belleza que se ha convertido en símbolo de una época.

29. El Beso. Obra realizada en 1908 La obra mide 180 x 180 cm. Esta realizada en óleo sobre lienzo. La obra se encuentra en el Museo Österreichische Galerie Wien La obra más famosa de Klimt es El Beso, exhibida por primera vez en la Exposición de Arte de 1908 junto a Las Tres Edades de la Mujer. En esa muestra se titulaba Los Amantes Como si de un caleidoscopio se tratara, Klimt emplea sucesivas piezas de colores que recuerdan a los mosaicos de Ravena por los que el maestro sentía especial admiración. El resultado es una obra con la que el maestro alcanza el cenit de su arte. El árbol de la vida (1905-09) la obra mide 195 x 102 cm. Esta realizada en pintura al temple. La obra se encuentra en el Museo Österreischisches Museum für Angewandte Kunst El árbol de la sabiduría, un símbolo de la Edad de Oro en el que se reúnen todos los temas que tenían verdadera importancia para el artista, desde la mujer hasta el amor, tratándose una vez más de su obsesión por la vida y la muerte -representada en este caso por el ave negra- , uno de sus temas favoritos. Fue considerado por el propio Klimt como "la última fase de mi etapa decorativa". En efecto, líneas sinuosas dominan la composición, olvidando en algunos momentos la forma para acercarse a la abstracción. La expectación y La satisfacción también forman parte de este sensacional friso decorativo.

30. Joan Miró Joan Miró ( 1893-1983) Es uno de los máximos representantes del dadaísmo y surrealismo. En sus obras reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias cubistas y expresionistas. Sus primeras obras, entre los años 1915 y 1918, reflejan paisajes campestres de su juventud plagados de colores vivos y brillantes. Carnaval de Arlequín Óleo sobre lienzo cuyas medidas son 66 x 93 cm. Pintada entre los años 1924-1925 y conservada en la Albright-Knox Art Gallery (Nueva York), El Carnaval de Arlequín se halla considerada, junto con La Masía (1921-1922) e Interior Holandés (1928), como su mejor pieza onírica y colorista, realizada durante una época en la que los cuadros del artista eran poco menos que interpretaciones pictóricas de la poesía surrealista. Miró intentó plasmar las alucinaciones que producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como propugnaban entonces Breton y los suyos, sino que el hambre le provocaba una especie de trance, parecido al que experimentan los orientales. En la obran aparece varios símbolos; la escalera es la huída y la evasión, pero también la elevación, los animales y sobre todo los insectos, que siempre le han interesado mucho. La esfera oscura que aparece a la derecha es una representación del globo terráqueo, pues entonces le obsesionaba ya una idea: “¡Tener que conquistar el mundo!”. El triángulo negro que aparece en la ventana representa la Torre Eiffel.

31. La Masía (1922) La obra mide 123,8 x 141,3 cm. Esta realizada en óleo sobre lienzo. La obra se encuentra en el Museo National Gallery of Art Washington. Todos los elementos de la masía aparecen plasmados con una fidelidad incomparable, desde las hojas de los árboles hasta todas y cada una de las grietas de sus viejas paredes, pasando por las piedrecillas sobre la tierra de Tarragona. Miró transmite la añoranza que le causa el alejamiento a través de una especie de censo visual, un recuerdo exacto de todo cuanto es (o era) importante en la masía de su familia." La masía incorpora también algunos rasgos distintivos del cubismo: la simultaneidad de puntos de vista, por ejemplo, es apreciable en la imbricación entre una visión frontal general y algunos registros que muestran la visión superior, la introducción de tipografía o una cierta geometrización de las formas; incluso las facetas cubistas pueden distinguirse en el interior del corral. Interior Holandés (1928) El interior holandés es una de las obras más representativas de la época central en la creación de Joan Miró. El arte de Miró es el resultado de un proceso de simplificación de la pintura que tiende a reducirla a sus elementos esenciales: línea, color y composición. A partir de ellos construye un cosmos propio, en el que los objetos no aparecen como son en la naturaleza, sino como signos muy simples de su universo interior. Esta obra contiene aún gran variedad de colores. pero el proceso de simplificación de Miró le llevó a reducir la gama hasta utilizar casi exclusivamente los colores primarios -rojo, amarillo y azul- separados entre sí por el negro o el

32. Salvador Dalí Salvador Dalí  (1904 - 1989) Pintor y escultor español, uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista en España. La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Como pintor, Dalí no tuvo un único estilo o técnica.Como pintor, Dalí no tuvo un único estilo o técnica. El gran masturbador (1929) Pintado en 1929. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 110 x 150 cm. Se conserva en Madrid, en el Museo Reina Sofía Este cuadro tiene las características de toda su pintura surrealista y posee una unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta. Refleja el malestar del autor que temía, incluso, perder la cordura. Tanto el título, como el motivo central no dejan dudas sobre las implicaciones sexuales del cuadro; el sexo era una de las obsesiones del pintor. El elemento principal es su autorretrato, mezcla de cabeza humana y rocas de la costa Brava que repetirá en muchos otros cuadros como La persistencia de la memoria y El enigma del deseo. Estilizado pero reconocible, se caracterizada por su color amarillento, su gran nariz apoyada en el suelo y su cara alargada. Las pestañas largas representan la contraposición entre el sueño anodino de una consumación física irremediable y el sueño de que nuestros deseos se cumplan.

33. La persistencia de la memoria La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos fue pintado en 1931. Realizado mediante la técnica del óleo sobre lienzo, es de estilo surrealista y sus medidas son 24 x 33 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde llegó en 1934. En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes. Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora (supuestamente en torno a la seis de la tarde). Muchacha De Espalda (1925 ). El cuadro mide 103 x 73.5 cm. Actualmente se encuentra en el Museo Nacional Reina Sofía, Madrid Nuevamente al igual que en la “Figura asomada a la ventana” (1925), Dalí muestra a su hermana Ana María de espaldas. Esta vez la muchacha está sentada, más relajada; y aunque su rostro no aparece en la imagen, su mirada es la idea principal de la pintura. Las mismas tonalidades de la piel y el vestido de Ana María, son empleados por Dalí para los techos y las paredes de los edificios .

34. Pablo Ruiz Picasso • Pablo Ruiz Picasso  (1881 - 1973) Fue uno de los grandes maestros del siglo XX. Picasso fue una de las personas que más ha influido en la historia del arte mundial, revolucionó el arte y en especial la pintura durante su larga carrera • Podemos distinguir varios periodos en la trayectoria de Picasso: • Periodo de Barcelona • Periodo azul • Periodo rosa • Periodo cubista • Periodo Clásico • Época Surrealista • Época expresionista • Periodo de Vallauris Las señoritas de Avignon (1907) Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo cubista, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo. Dos de los rostros, los de aspecto más cubista de los cinco, que asemejan máscaras, se deben a la influencia del arte africano, cuyas manifestaciones culturales comenzaron a ser conocidas en Europa por aquellas fechas, mientras los dos centrales son más afines a las caras de los frescos medievales y las primitivas esculturas ibéricas, el rostro de la izquierda presenta un perfil que recuerda las pinturas egipcias.

35. El Guernica (1937) Famosos cuatro de Picasso, que tiene como motivo el bombardeo de Guernica. Es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m. No es un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises. La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara El Moulin de la Galette (1900). Obra realizada en Óleo sobre lienzo, con unas medidas de90,2 x 117 cm. La obra se encuentra en la Colección Justin K. Thannhauser. Nueva York

36. Frida Kahlo Frida Kahlo (1907-1954) Pintora mexicana que realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. Sus cuadros representan fundamentalmente su experiencia personal: los aspectos dolorosos de su vida, que transcurrió en gran parte postrada en una cama, son narrados a través de una imaginería gráfica. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció y su dolor ante la imposibilidad de tener hijos Sin esperanza (1945). Óleo sobre lienzo montado sobre masonite. Las dimensiones de la obra son de 28 x 36 cm. Esta obra se encuentra en la Collection of Dolores Olmedo México City, México En este retrato, la artista retrató lo que ella consideraba una dieta de alimentación forzada. La estructura de madera que sostenía sus lienzos ahora sostiene un embudo que la alimenta continuamente. Ni siquiera la calavera de azúcar en la parte superior de la comida hace que el plato sea apetitoso. Sus brazos parecen estar atrapados bajo las mantas y parece incapaz de controlar la situación parece ser "Sin esperanza".

37. Las dos Fridas (1939,) Esta realizada en óleo sobre tela, 67 cm x 67 cm. Se encuentra en la Colección Museo de Arte Moderno, México, D.F. Esta pieza fue realizada en 1939, el año en que ella se divorcia de Diego, se cree que Las dos Fridas es la expresión de los sentimientos de la artista en el momento. Este doble autorretrato fue el primer trabajo en gran escala realizado por Frida. La columna rota Es un desgarrador testimonio del sufrimiento que acompañó a Frida durante toda su vida tras sufrir un accidente de autobús en 1925. La artista se ha representado desnuda de cintura para arriba, con un corsé que envuelve su cuerpo desnudo, en el que una inhumana brecha permite observar como una columna clásica rota en varios fragmentos sustituye a su columna vertebral, claro símbolo de su columna destrozada tras el accidente de autobús.

38. Johannes Vermeer Johannes Vermeer  (1632 - 1675) es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco, vivió durante la llamada Edad de Oro holandesa. La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente 33-35 cuadros. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, que forma la mayoría de su producción. Vermeer reflejó en su obra la vida burguesa de la sociedad protestante de la época La Lechera (1660) e trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones. Es uno de los cuadros más famosos de su autor. Esta pintura consigue unir de un modo magistral dos conceptos que en principio parecen antagónicos: una sensación de monumentalidad, y un gran sosiego. La criada se encuentra en su universo particular, en un interior casi desnudo, con la presencia de unos pocos objetos, sencillos. El gesto inmortalizado por Vermeer tiene algo de estatua antigua. Está de pie, bañada en luz. El pintor ha utilizado sus colores: el azul y el amarillo, en sorprendente armonía. Los objetos de la mesa constituyen, como tantas veces en Vermeer una auténtica naturaleza muerta, donde el pintor hace gala de su excelente técnica para la plasmación de lo sencillo, consiguiendo resultados vivos y límpidos.

39. Muchacha con el Pendiente de Perla (1665) Es una de las obras maestras del pintor holandés Johannes Vermeer y, como el nombre implica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra en el Mauritshuis en La Haya. A veces se la denomina como "la Mona Lisa del Norte" o "la Mona Lisa holandesa". La bella muchacha recorta su busto de perfil ante un oscuro fondo neutro, girando la cabeza para dirigir su i mirada hacia el espectador. Su boca se abre ligeramente, como si deseara hablar, dotando así de mayor realismo a la composición. La gran perla que le ha dado nombre adorna su oreja, recogiendo el brillante reflejo de la luz que ilumina su rostro En el fondo oscuro, la figura de la joven destaca como un fondo de luz. Pintura y luz en los ojos y en la perla, en el blanco del cuello de la camisa, en los entreabiertos labios. Militar y muchacha riendo (1658). La obra se encuentra en la Colección Frick en Nueva York. El tema de una chica alegre ante su pretendiente, que intenta seducirla con vino, ya popular en el arte neerlandés, fue utilizado por Vermeer como un estudio del espacio lleno de luz. La silueta oscura del oficial ayuda a la pintura, dándole una ilusión de profundidad, y contrasta con el juego de luz sobre la mujer y el mobiliario de la habitación. El mapa de Holanda en la pared del fondo junto a las sillas, aparecen en otros cuadros de Vermeer.

40. Vincent Van Gogh Vincent Van Gogh  (1853 – 1890) produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1100 dibujos) durante un período de solamente 10 años. La influencia de Van Gogh en el expresionismo, fauvismo y los principios del abstraccionismo fue enorme, y se puede notar en muchos otros aspectos del arte del siglo XX. Como muchos pintores de la época admiraba el arte Japonés La Habitación de Van Gogh (1888) El cuadro representa el dormitorio de Van Gogh en su conocida Casa Amarilla. Era la primera habitación propia que tenía Van Gogh. La puerta a la derecha se abría a la planta superior y la escalera, la puerta de la izquierda servía para la habitación de invitados que preparó para Gauguin. Sobre la pared del frente se abre una ventana, por encima de una mesita, ligeramente descentrada. Esta ventana daba a la Place Lamartine y sus jardines públicos. Pero el panorama más allá de la ventana no puede verse La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha. Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina. Una fuerte perspectiva, con la típica leve torsión, propia del autor, refleja sus ideas sobre la pintura.

41. Los Girasoles. Esta obra fue realizada en 1888. Es una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh. Las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se marchitan. Las pinturas fueron innovadoras en el uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh emplea en una gama cromática conjunta con naranjas, ocres, marrones, beige, etc. El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, emplea verde y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica. La noche estrellada (1889) La parte central del lienzo muestra el pueblo de Saint-Rémy bajo un cielo arremolinado, una vista hacia el norte desde la ventana de su habitación en el asilo donde paso sus últimos días. Las colinas de Alpilles aparecen a lo lejos en el margen derecho, aunque hay poca correlación entre la escena y la realidad, ya que las colinas intermedias parecen estar superpuestas, correspondiendo en realidad a la vista meridional del sanatorio. Asimismo, el ciprés que aparece a la izquierda fue también añadido a la composición. Durante su estancia en el asilo, van Gogh se dedica a pintar sobre todo los paisajes de la región de Provenza. Es en ese período que rompe con el estilo impresionista, desarrollando un estilo muy personal donde prevalece el amarillo, símbolo de la luz y del calor.

42. Hieronymus Bosch Hieronymus Bosch ( 1450-1516 ) mas conocido como El Bosco nació y murió en Holanda. Pintor flamenco, de finales del siglo XV y principios del XVI. Tras su muerte, el rey Felipe II de España se interesó por su obra, adquiriendo varias de sus pinturas. El Bosco ha influido en pintores surrealistas como Dalí El Jardín de Las Delicias. Esla obra más de Bosch. Se trata de un tríptico pintado al óleo de 206 x 386 cm, compuesto por una tabla central y dos laterales (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella. Obra de gran simbolismo (que todavía no ha sido completamente descifrado). El Jardín de las delicias se sustrae a cualquier clasificación iconográfica tradicional. Considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte, el cuadro forma parte de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado de Madrid. Estos cuadros parecen una censura implacable, pero su inacabable fantasía, y el encuadre poético los hace, a pesar de todo, divertidos y optimistas

43. El Carro de Heno . Es una de las pinturas más famosas de la producción total del pintor El Bosch . Está realizado en óleo sobre tabla. La tabla central mide 135 x 100 cm, y las tablas laterales 135 x 45 cm cada una. En esta obra las figuras alargadas con perfiles sinuosos son aún de matriz gótico internacional. En la obra pretende relatar cómo todas las clases sociales quieren conseguir su parte de heno del carro, es decir, su parte de placeres y riquezas. Se retrata cómo los más poderosos, como por ejemplo emperadores, reyes, y papas que encontramos en la izquierda del cuadro, no tienen problemas para alcanzar su «ración de placer», mientras que las clases menos pudientes de la sociedad no lo tienen tan sencillo, y tienen que pisotearse o matarse e incluso son atacados por demonios para poder alcanzar algunos de esos «placeres». Las Tentaciones de san Antonio. es un cuadro del pintor El Bosco, ejecutado al óleo sobre tabla y que mide 70 centímetros de alto por 51 cm. de ancho. Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid (España). En esta tabla el santo no queda distraído de sus meditaciones por los demonios que lo rodean, con las tentaciones simbolizadas de muchas maneras: el cuchillo mellado, escalas, el jarro del diablo, piezas de armadura, pequeños demonios-grillos. A su lado, aparece uno de sus atributos: un cerdito. El santo está acurrucado, debajo de un árbol hueco al que le ha puesto un precario techo de paja. Delante, un arroyo del que surgen también figuras demoníacas. Se enmarca en un paisaje de tonos amarillentos y verdosos, con suaves azules hacia el horizonte.

44. Escultores

45. Augusto Rodin Augusto Rodin (París,1840 - Meudon,1917) escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica. Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno». • El Pensador: símbolo de la escultura de Rodín. Aglutina todas las características del autor. • Trata de expresar algo más universal y que se identificará con el destino del hombre. • Se trata de un hombre sentado, reclinado, en una postura de pensamiento, soledad, preocupación, etc. • El Pensador está fundido en bronce. El hombre que camina: considerada una obra inacabada dado que carece de cabeza y brazos. Destaca el movimiento que tiene a pesar de la falta de estas partes del cuerpo.

46. Henry Moore Henry Spencer Moore (Castleford,1898 – Much Hadham,1986) fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público. Aunque durante sus inicios Moore siguió el estilo romántico de la época victoriana, posteriormente desarrolló un estilo propio, influido por varios artistas renacentistas y góticos tales como Miguel Ángel, Giotto y Giovanni Pisano, así como por la cultura tolteca-maya. Family Group (1950), localizada en la entrada de The Barclay School en Stevenage, fue la primera comisión de gran escala de Moore después de la Segunda Guerra Mundial. West Wind(1928–29), la primera comisión pública de Moore. Fue esculpida en piedra de Pórtland y muestra la influencia de las esculturas de la Capilla de los Médici (realizadas por Miguel Ángel) y de la figura del Chac Mool.

47. Alberto Giacometti Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza,1901 - Coira, Suiza,1966) fue un escultor y pintor suizo. Es considerado como uno de los escultores surrealistas principales de los años 30. Su trabajo muestra mucho ingenio e imaginación. Sus figuras y objetos expresan la subjetividad y la fragilidad del sentido humano del tiempo y espacio La Bola suspendida (1931) es una escultura construida como una jaula abierta de barras de hierro en cuyo interior se encuentra una esfera con una hendidura y colgada de una cuerda que roza, con un vaivén, la arista afilada de una pieza semirrecostada en forma de media luna o de gajo de naranja. Existen dos versiones, una realizada en madera y otra en escayola. La nariz (1947). La escultura esta realizada en hierro, cuerda y plástico. Y mide 82 x 42 x 40.5 cm. Actualmente se encuentra en el museo Kunstmuseum. Basilea.

48. Constantin Brâncus Constantin Brâncusi fue el más famoso escultor rumano, nacido en Hobita en 1876 y fallecido en París en 1957. Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Rumania y Australia. Como estudiante de arte fue influido por Auguste Rodin y fue uno de los primeros artistas del arte moderno. Su obra evolucionó hacia una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción. La puerta del beso (1938. Se encuentra en el callejón de la entrada del parque de la ciudad de Târgu Jiu. , está hecha de piedra porosa, extraída de las minas que se encuentran por los alrededores. La escultura está formada por columnas anchas, paralelas, que apoyan una especie de techo de unas dimensiones mayores que las de las columnas, teniendo este la anchura de 6.45m, la altura de 5.13 y el grosor de 1.69m. En las caras de cada una de las columnas se encuentra el símbolo del beso, Mesa del Silencio. Obra situada en el parque de la ciudad de Tângu Jiu. Esta realizada en tiza y representa la mesa de antes de ir a luchar. El tiempo esta simbolizado por las sillas de forma de relojes de arena. Todo sugiere silencio.

49. Alexander Calder Alexander Caldeé (1898, Lawnton, Pensilvania - 1976, Nueva York) fue un escultor estadounidense. (Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas. Alguno de sus móviles son :

50. Benvenuto Cellini Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de 1500 - 13 de febrero de 1571) fue un escultor, grabador y escritor florentino. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. Su autobiografía es un valioso testimonio de la época, aunque no carece de ingredientes fantasiosos. El Perseo. El Perseo degollando a Medusa, fue fundido en bronce y finalizado en 1554, mide 320 cms, la escultura muestra la gallarda actitud de Perseo, semidios y héroe de la mitología griega, en esta escultura representa la personificación del triunfo de Cosme I de Médicis sobre sus oponentes republicanos. Salero. En su reducido tamaño (26 x 33,5 cm), ésta es una obra culminante. Cellini concentró en ella todo su talento. Resplandecen los cuerpos sutiles de Neptuno y su esposa Anfitrite